jueves, 31 de julio de 2008

Los rayos X descubren un 'Van Gogh' oculto en un cuadro

Un equipo de investigadores de Holanda y Bélgica ha reconstruido con una exactitud sin precedentes una pintura del pintor holandés Vincent van Gogh, oculta tras su obra 'Parche de hierba' (1887), mediante el uso de una nueva técnica que emplea rayos X aplicados con un acelerador de partículas.

Reconstrucción del retrato hallado oculto bajo la pintura 'Parche de hierba', pintada por Vincent van Gogh en 1887.

En un comunicado, la Universidad de Tecnología de Delft (Holanda), que ha trabajado en cooperación con la Universidad de Amberes (Bélgica), ha anunciado que sus científicos han conseguido aplicar con éxito por primera vez esta técnica, que les ha permitido obtener una "foto coloreada" del retrato oculto de una mujer. Los métodos que emplean rayos X para examinar las pinturas, como las radiografías convencionales, hasta ahora sólo llegaban a descubrir ciertas capas y tenían sus limitaciones. En este caso, los investigadores utilizaron un acelerador de partículas del instituto de investigaciones alemán DESY, con sede en Hamburgo, para aplicar un haz de rayos X sobre el cuadro y medir la fluorescencia de las capas de pintura, que son distintas según el elemento químico que contengan.

La Universidad de Delft explicó que Van Gogh solía reutilizar lienzos para volver a pintar sobre ellos obras diferentes -los expertos consideran que hasta un tercio de sus primeras obras ocultan otras composiciones-. Los rayos x convencionales habían revelado las líneas más gruesas de un retrato, que Van Gogh cubrió dos años y medio después bajo un vibrante paisaje de un prado florido, tras trasladarse a París y recibir la influencia del impresionismo. Esos rayos, sin embargo, no eran lo suficientemente precisos como para distinguir las diferentes capas de pintura sobre el lienzo, y además los pigmentos de metales pesados oscurecieron los colores procedentes de otros materiales.

Hemos obtenido una imagen muy parcial, fragmentaria y sin color", ha señalado Joris Dik, especialista en materiales e historiador de arte de la Universidad Técnica de Delft (Países Bajos), en el comunicado on line con el que han hecho divulgado su hallazgo. El equipo científico tomó el cuadro Parche de hierba, realizado en 1887, y lo examinó en el acelerador de partículas de Hamburgo (Alemania). El intenso haz de rayos X agitó los átomos del lienzo y provocó que emitieran rayos X propios que fueron captados por un detector fluorescente. Llevó dos días escanear la porción de 17 x17 centímetros del paisaje del prado que ocultraba el retrato.

Como cada elemento de la pintura tiene su propia firma de rayos X, los científicos han sido capaces de identificar la distribución de metales en las diferentes capas de pintura y han podido construir un modelo de la obra en tres dimensiones. Luego pelaron las capas una a una. Las capas superiores estaban compuestas de zinc, bario, sulfuro y otros elementos. Tras ellos se halló una distribución uniforme de plomo, que se usó como capa primaria para ocultar el retrato y preparar el lienzo para la nueva pintura. Una vez retirada ésta, se combinaron otros dos elementos (mercurio y antimonio) para mostrar los perfiles del retrato oculto. Luego emplearon un software para recomponer la imagen.

El equipo de investigadores pudo así reconstruir el retrato oculto con una precisión sin precedentes, en especial gracias a la medición de elementos como el mercurio y el antimonio presentes en los pigmentos que utilizó Van Gogh, que proporcionaron una "foto coloreada" del retrato. "Hemos coloreado esas dos distribuciones según el color que ese pigmento habría tenido", señala Dik. El análisis químico ha revelado que el mercurio era un componente del bermellón, el pigmento rojo empleado para colorear los labios, las mejillas y la frente de la mujer. El antinomio era un componente del amarillo de Nápoles, que se mezclaba con pintura blanca de zinc para resaltar ciertas áreas de la cara de la mujer. La imagen muestra un sorprendente parecido con una serie de sombríos retratos que realizó el artista en la ciudad holandesa de Nuenen, donde compuso Los comedores de patatas, terminada en 1885 y considerada como su primera gran obra.

La Universidad se muestra confiada en que esta nueva técnica permitirá a los historiadores del arte entender mejor la evolución del pintor, así como de otros muchos artistas que ocultaron obras al volver a pintar sobre ellas. 'Grasgrond' ('Parche de hierba'), que representa un prado y fue pintado por el artista en 1887 en París, pertenece a la colección del museo de arte Kröller-Müller de Otterlo (Holanda).

[Elpais.com/Agencias], Los rayos X descubren un 'Van Gogh' oculto en un cuadro, El País, 30 de julio de 2008
[Efe, Bruselas], Una nueva técnica de rayos X desvela con exactitud una pintura oculta de Van Gogh, El Mundo, 3o de julio de 2008

miércoles, 30 de julio de 2008

El IVAM acoge una exposición que descubre la gestualidad y el misticismo del arte chino actual

El misticismo, la expresividad y la gestualidad oriental impregnan las pinturas, aguadas y dibujos realizados por algunos de los más importantes maestros del arte chino actual reunidas en una exposición que hoy se ha inaugurado en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de Valencia.

En la imagen, una visitante de la muestra se retrata junto a una de los artistas. (EFE)

La muestra "2008 arte Chino. Tinta y Papel Contemporáneos", que se prolongara hasta el 31 de agosto de 2008, ha seleccionado una treintena de obras de los maestros Yang Zhengxin, Chen Jialing, Zhang Guiming, Dai Mingde y Lu Fusheng que, formados en el lenguaje tradicional de la Escuela de Shanghai, han evolucionado hacia nuevas formas de expresión muy cercanas a la contemporaneidad. El espectador que contempla estas composiciones descubre como los colores de Zhang Guiming derivan de las máscaras de la Opera de Pekín, Chen Jialing investiga con el papel y como éste absorbe la tinta, Dai Mingde deriva hacia la abstracción a través de la caligrafía, Lu Fusheng simplifica los símbolos del paisaje para expresar el silencio y cómo Yan Zhengxin se inspira en el arte nativo australiano.En todo ellos la estética y el espíritu chino se han constituido como elemento generador de la transformación de su lenguaje,según ha explicado hoy en una rueda de prensa en el IVAM el comisario de la muestra, Yang Jianzhong.

Acompañado por la directora del museo, Consuelo Ciscar, el artista Lu Fusheng y la asistente Youn Yang, Yan Jianzhong, ha explicado a los medios que los dibujos a tinta china y las aguadas ocupan un lugar destacado en el mundo de la pintura tradicional china.Ha indicado que los cinco son maestros modernos de la tinta y el agua residentes en Shanghai y sus composiciones se muestran distintas respecto a la tradición, pinceladas y distribuciones que evocaban los valores tradicionales.
Jianzhong ha recordado que los artistas han seguido el mismo proceso de aprender de los antiguos logros para cambiar y ha señalado que utilizan las mismas herramientas de sus antepasados para abordar la cultura estética con ideas, métodos y técnicas totalmente diferentes.

El comisario ha indicado que el arte chino tiene unas características propias que lo distingue del occidental, y cada uno de los artistas que exhiben sus obras a su vez tiene un lenguaje propio determinado por su educación, formación e interpretación del mundo plástico. Ha dicho que los artistas seleccionados por su edad, algunos ya consagrados, son los mejores representes chinos de este tipo de arte.

Por su parte, Young Yan ha destacado que esta exposición es un claro ejemplo del arte chino actual y refleja el diálogo y el intercambio cultural que existe entre China y España, que cada vez se acrecenta más.

La directora del museo, Consuelo Ciscar, ha destacado en su intervención los estrechos lazos que existen entre el IVAM y China, puesto en evidencia con el intercambio de varias exposiciones itinerantes. Ha dicho que esta exposición muestra como, a pesar de la técnica tan particular y reconocible, los artistas chinos se adentran en los lenguajes de Occidente, para hacerlos propios y cargarlos de matices provenientes de la cultura y un clima social que se libera del mutismo y aislamiento en el que se encontraba hace décadas. En su intervención ante los medios Ciscar ha rechazado que exista algún tipo de censura artística en China y ha precisado que estos se mueven en el marco de la globalización y sus obras están creadas en libertad.

En el mismo sentido se ha expresado el artista chino Lu Fusheng, quien ha señalado que los artistas chinos trabajan en plena libertad y poseen unas características técnicas que los diferencian de los occidentales.

[Efe, Valencia], El IVAM acoge una exposición que descubre la gestualidad y el misticismo del arte chino actual, www.soitu.es, 29 de julio de 2008

Arte europeo entre burbujas

"Será el mayor museo subterráneo del mundo", explica Nathalie Vranken, propietaria de las cavas del dominio Pommery. Quizá no le falte razón. Hace ya cinco años que ella y su esposo abrieron al arte contemporáneo el laberinto de túneles -18 kilómetros en total- en el que reposan las botellas del sabroso y burbujeante néctar llamado champaña.El año pasado visitaron la exposición más de 100.000 personas procedentes de todo el mundo. Casi la mitad de las obras que se pueden contemplar aquí han sido realizadas especialmente para el lugar y un 60% pasarán a formar parte de la colección permanente montada por la pareja francesa.

Instalación del artista español Enrique Marty

El Dominio Pommery está a la salida de Reims, en la plaza del general Gouraud, en un barrio en el que tienen su sede otras grandes marcas de champán. Las cavas aprovechan una antigua cantera galo-romana, un espectacular conjunto de 120 espacios de forma piramidal que se hunden en el suelo pizarroso, a 30 metros de profundidad y unidos por numerosos túneles. Ahí abajo, a una temperatura estable y un grado de humedad altísimo, descansan más de 20 millones de botellas. Y entre ellas, y a lo largo de todo el verano, las creaciones hechas por dos artistas jóvenes de cada uno de los países que componen la Unión Europea.

Que el lugar aún exista tiene algo de milagroso. Reims es una ciudad cuyos habitantes vieron, durante la I Guerra Mundial, cómo el 80% de sus edificios eran destruidos por las bombas. Su célebre catedral, en la que prestaban juramento los reyes de Francia, también resultó dañada. Pero la extravagante arquitectura neogótica de la mansión Pommery sobrevivió. Y las cavas, también.

Ahora, y hasta el 31 de diciembre de 2008, algunos de esos salones subterráneos unidos por un laberinto catacúmbico dedicado a la crianza de vino espumoso están ocupados por una cincuentena larga de obras de jóvenes artistas europeos. "La selección de los artistas la hemos dejado entre las manos de la mejor revista de arte de cada país", explica Fabrice Bousteau, comisario general de la muestra. Para Bousteau, no es extraño que "Europa siga siendo una abstracción, un proyecto en el mejor de los casos, para algunos una moneda, para ninguno una cultura común". Y eso no le sorprende dado que "la comunidad europea, al dedicar un montante ridículo de su presupuesto a la creación cultural, es corresponsable de la situación". En Reims, en esas cavas, elaborando en el sitio el proyecto que antes había presentado cada uno de ellos, aprenden a conocerse. "Hoy, Europa despierta menos deseo que América Latina o Asia", sostiene el comisario, quien justifica haber delegado en diversas revistas de arte por "la imposibilidad de tener buena información de cada uno de los lugares, ya que no existe nadie que centralice todo ese conocimiento".

Espectacular instalación de 'El barco chapapoteado'

Tampoco hay una idea común de Europa, como no puede decirse que exista un arte europeo. La mundialización, que debiera propiciar reagrupamientos por tendencias o técnicas, parece favorecer un individualismo feroz. Los artistas seleccionados tienen en común el tratar la vida cotidiana con espíritu crítico y, a menudo, humor. A partir de ahí todo diverge.

En el caso español, la selección, realizada por la revista Lápiz, ha recaído en el salmantino Enrique Marty, que ha creado una playa, con su parasol y castillo de arena incluidos. "El problema más complicado a resolver ha sido el de la instalación eléctrica", explica el propio Marty, "porque dada la humedad y el hecho de que sea un subterráneo obliga a ceñirse a una potencia determinada". La otra representante española es la bilbaína Abigail Lazkoz, hoy afincada en Nueva York, que ha instalado una gigantesca pintura mural en blanco y negro, que retoma una tradición iconográfica vasca, junto a la escultura de la Virgen que, desde hace ya muchos años, se supone protege estas cavas. Su pintura es una mujer cuyo cuerpo ha sido sustituido por un círculo de peces.

Pero hay arte para todos los gustos en las catacumbas de Reims. El alemán Michael Sailstorfer ha rescatado para la ocasión los célebres tanques hinchables en que -dicen- se basaba el prestigio del Ejército de Sadam Husein. La francesa Céleste Boursier-Mougenot ha instalado en uno de esos pasillos de línea Maginot champañera un grupo de gorriones que van volando del cordaje de una guitarra eléctrica a otra -hay cinco-, construyendo así una música del azar pajaril. ¿Hasta qué punto la intervención previa del artista priva a la casualidad de capacidad creadora? Es un bonito tema para disertación filosófica de examen de bachilleres.

Otras aportaciones interesantes: la del portugués Joâo Pedro Vale, que ha hecho naufragar en el fondo de la tierra un barco negro, totalmente chapapoteado; la de la luxemburguesa Su-Mei-Tse, que ha situado en el techo de la bodega una gigantesca hélice que gira muy lentamente; la de la finlandesa Terike Haapoja, que pinta en las paredes la sombra de unas obras de arte de las que sólo nos quedan los pedestales; o la del maltés Raphael Vella, autor de una magnífica serie de dibujos sobre la relación entre terrorismo y religión que sólo podemos descubrir si vamos abriendo los cajones del impoluto mueble en el que están guardados. Son, todas ellas, obras con un fuerte poder evocador.

El luxemburgués Marco Godinho ha inventado una mesa de pimpón circular en la que la red va girando como las agujas de un reloj, obligando a los jugadores a desplazarse en torno a la mesa. El propio Godinho resume como nadie la difícil identidad europea al coronar de banderas transparentes la avenida que conecta las cavas con la trama urbana; el grupo esloveno Absurd crea otro círculo, esta vez inmóvil, edificado a base de carritos de supermercado. Es su Monumento al consumo.

La hélice gigante de Su Mei-Tse

La variedad de las obras e instalaciones, el simple hecho de que la selección sea fruto de 27 comisarios para conservar el carácter proteiforme y mal conocido de la creatividad europea, y la obligación de los artistas de aceptar el reto de enfrentarse con un espacio mágico, único y estimulante, hace muy atractiva la visita a este Art contemporain en Europe.

Octavi Martí (Reims, Francia), Arte europeo entre burbujas, El País, 29 de julio de 2008

martes, 29 de julio de 2008

El Museo Dalí expone este verano dos obras inéditas del pintor de los años 20

La Fundación Gala-Salvador Dalí expondrá este verano en el Teatro Museo de Figueres dos piezas inéditas del artista, de los años 20, que han sido prestadas por una colección privada.

El dibujo 'Músicos' y el óleo 'La merienda 'sur l'herbe'', ambos de 1921, son obras inéditas o poco vistas de Salvador Dalí y, gracias a la política que desde los últimos años sigue la Fundación, podrán verse en las salas del Teatro-museo de Figueres durante todo el verano. Las dos piezas corresponden a los años de formación del pintor y son fruto de una mezcla de influencias. De una parte las pinturas de Ramón Pichot que, lo ponen en contacto con la escuela impresionista; también las lecciones con el maestro Núñez y el contacto directo con la naturaleza. Los temas más recurrentes durante este primer período son la familia, el paisaje y los autorretratos, aunque también Dalí incorpora escenas costumbristas y revisiones de temas tratados por otros artistas admirados como fue Édouard Manet.

La obra inédita de Dalí, 'La merienda 'sur l'herbe', Museo de Figueres / Efe / Robin Townsend

Precisamente 'La merienda 'sur l'herbe' nos indica con el mismo título las claras referencias a la popular obra que Manet pintó en el siglo XIX y que escandalizó a la sociedad francesa por sus desnudos. "En su obra, Dalí repite el mismo tema y lo aplica con una dicción noucentista como correspondía a la época", ha manifestado el director del Teatro-Museo Dalí, Antoni Pitxot. La pieza de Dalí, realizada 60 años más tarde que la original de Manet, le sirvió para participar en el concurso de la Asociación Catalana de Estudiantes celebrado por las Galerias Dalmau de Barcelona. La Fundación Dalí ya dispone en su fondo de otra pieza del mismo tiempo que representa otra versión del mismo tema y que ahora se expondrá junto a la pieza prestada en la sala de Les Peixateries."Este cuadro respira el aroma de los años veinte y se recrea en la estética popular catalana vinculada sobretodo a las baldosas, en gran expansión en aquellos años", ha comentado Pitxot, señalando especialmente a uno de los personajes que toca un instrumento y que parece "recién salido de una baldosa".

La segunda obra presentada en la Fundación Dalí es 'Músicos' un dibujo que se podrá ver en la sala del Tesoro del Teatro Museo de Figueres. Forma parte del grupo de ilustraciones que el artista realizó para su amigo, el poeta de Figueres Jaume Maurici, quien tenía que publicarlas junto con su traducción de poemas de León Paul Fargue 'Por la música', pero que finalmente no vieron la luz. En el cuadro, Dalí representa a un grupo de músicos extremadamente estilizados, recreados por una fina línea y con rostros simplificados. "Es una pieza de gran agudeza lineal y de intención, con una estética italianizante", ha definido Pitxot. El dibujo recuerda los retratos de Modigliani y otras figuras que el mismo Dalí pintó en esta época de experimentación en la que el joven artista necesitaba innovar.

Las dos obras se han sometido a un intenso estudio por parte del equipo técnico de la Fundación Dalí y especialmente el dibujo ha sido tratado por el taller de restauración para mejorar su estado de conservación. La Fundación Gala Salvador Dalí ha presentado estas obras el día que se pone en marcha la XVII edición de las visitas nocturnas al museo, que se podrán realizar hasta finales del mes de agosto. Esta exposición es la avanzadilla de una serie de actos culturales que la Embajada española en Estados Unidos ha preparado con motivo de la apertura, en 2010, de la Casa de España en Washington. Hasta septiembre, se han organizado conferencias, exposiciones y proyecciones cinematográficas.

Un mapa artístico de la sinrazón

Elena del Rivero ha vivido en un estudio de Manhattan, frente a las Torres Gemelas, durante más de 12 años: entre junio de 1991 y febrero de 2003. El 11 de septiembre de 2001, tras los atentados terroristas, una gran parte de la Torre Sur se desplomó sobre su edificio, reventando los cristales e inundando su casa de polvo, escombros, amianto y papeles... muchos papeles. Del Rivero se encontraba en España en ese momento, preparando su instalación La perfecta casada en la galería Elvira González de Madrid. Un mes después regresó a Manhattan. "Al abrir la puerta de mi casa me quedé aturdida", explica la artista. "No podía reaccionar. El polvo me llegaba a las rodillas. Todo estaba lleno de papeles. cheques, tarjetas, cartas... todo tipo de documentos con los bordes quemados por el calor".

Obra de Elena del Rivero - Aimee Anthony. Corcoran Gallery

La idea de limpiar y catalogar los papeles, para luego ensamblarlos en una gran cortina de 100 metros de largo, no nació enseguida. Primero, Del Rivero cerró su casa para preservar todas aquellas memorias. Luego vivió con ellas y entendió que el papel era el recuerdo físico de miles de personas que podían estar vivas o muertas después de los atentados. "Después de limpiar, tratar y catalogar los papeles, quemé los nombres personales. Como había muchos documentos en chino y japonés, tuve que pedir ayuda a dos traductores", recuerda. Así nació Home: A Chant, una instalación que exhibirá la galería Corcoran de Washington desde hoy y hasta el 16 de noviembre.

La inmensa instalación es un verdadero mapa emocional de los atentados que se cobraron la vida de 2.800 personas en 2001. "Esta obra es un grito para volver a empezar. Es la destrucción del hogar en una sinrazón, y la voluntad de querer curarse a pesar de todo", explica Del Rivero. "Quemé los nombres, primero por respetar la privacidad de aquellas personas. Pero también por darle una dimensión mayor, por querer retratar el dolor y la tragedia que existe más allá del 11 de septiembre".

Esta artista, nacida en Valencia, trabajó en este testamento de los atentados durante cinco años. Expuso la obra en otoño de 2006 y durante tres meses en el Instituto Valenciano de Arte Moderno. De allí la llevó al Museo Patio Herreriano de Valladolid, y ahora ha captado la atención de la Corcoran, todo un referente del arte internacional en la capital de Estados Unidos.

Junto con Home: A Chant, Del Rivero exhibe una obra que precedió a este inmenso tejido contra la barbarie. Se trata de un conjunto de gigantescos trapos de cocina colgados del techo, confeccionados meticulosamente a partir, también, de papel. La artista empapeló el suelo de su casa durante seis meses en verano de 2000, manteniendo su actividad diaria intacta. Posteriormente, recogió este material y creó una instalación "que refleja la opresión a la que a veces nos somete el hogar", dice. "Es un lugar tradicional que puede adquirir dimensiones monstruosas, creando severas molestias". Esta reflexión artística sobre el hogar recibe el nombre de Home, un juego de palabras con la típica expresión americana de "Hogar, dulce hogar".

Esta exposición es la avanzadilla de una serie de actos culturales que la Embajada española en Estados Unidos ha preparado con motivo de la apertura, en 2010, de la Casa de España en Washington. Hasta septiembre, se han organizado conferencias, exposiciones y proyecciones cinematográficas.

David Alandete (Washington), Un mapa artístico de la sinrazón, El País, 29 de julio de 2008

domingo, 27 de julio de 2008

Un 'Belmonte' de Romero de Torres a subasta

La galería de subastas Fernando Durán de Madrid abre su catálogo de la Gran Subasta de Verano, que tendrá lugar durante los días 28 al 30 de julio de 2008, con la obra Retrato de Juan Belmonte novillero, de Julio Romero de Torres.

El cuadro -de pequeño formato (pues tiene unas medidas de 38 por 29 centímetros)- tiene un precio de salida de 110.000 euros y es el lote 222. Se trata de un óleo sobre lienzo firmado y fechado en Córdoba el 31 de agosto de 1909 y dedicado "Al gran novillero Juanito Belmonte en prueba de nuestra amistad y también por tu brindis". La obra, según la información facilitada por la sala madrileña (y que procede de varios estudios y artículos de Mercedes Valverde, directora de los Museos Municipales de Córdoba, gran experta en el pintor y que ha colaborado con Fernando Durán en la catalogación del cuadro), presenta una etiqueta al dorso en la que se precisa que formó parte de la exposición Retratos de Madrid, Villa y Corte.

El catálogo de Fernando Durán señala que se trata de una importante obra que posee un gran interés técnico, ya que corresponde a una época plástica de Julio Romero de Torres de fuerte carácter luminista e impresionista que definió la primera época de su producción. Se trata precisamente de la época en la que obtuvo el artista la tercera Medalla de la Exposición Nacional de 1904 con el cuadro Rosarillo de pincelada completamente impresionista, un contraluz y con un fuerte efecto lumínico de jardín. Retrato de Juan Belmonte novillero, pintado cinco años después, "arrastra esa pincelada luminosa de la primera etapa del artista, tan valorada".

La relación entre el pintor cordobés y el torero sevillano fue muy cercana a lo largo de sus vidas. Existen numerosos documentos y acontecimientos que avalan esta amistad. La admiración y el cariño del artista por Belmonte surgieron cuando éste era novillero. El diestro le brindó un toro y Romero de Torres le regaló su primer retrato, Retrato de Juan Belmonte novillero, "dedicándoselo afectuosamente, como podemos comprobar en nuestra obra", cuando el diestro aún tenía 17 años siendo aún novillero. La relación se mantuvo durante muchos años.

En 1914, a su vuelta de Galicia y en su etapa de residencia en la casa del escultor Sebastián Miranda, Ramón María del Valle-Inclán organizó junto a Romero de Torres y el escultor Julio Antonio el banquete-homenaje a Belmonte en el restaurante Ideal Retiro de Madrid. Belmonte, asimismo, compró el conocido cuadro del cordobés Carmen, que fue presentado en la Exposición Nacional de 1915. El torero era asiduo en aquella época a las tertulias de los cafés madrileños frecuentados por el pintor, El Nuevo Café de Levante, Fornos y El Gato Negro.

Al año siguiente, Julio Romero de Torres comienza el retrato de Belmonte titulado Matador de toros, representándolo como gladiador romano, desnudo y envuelto en un capote de paseo y con el pelo rapado al estar prestando el servicio militar. El cuadro fue origen de chiste y comentarios sarcásticos. Se expuso con gran éxito en la sala Majestic Hall de Bilbao en noviembre de 1919 en la primera exposición individual del artista.

Por último, Julio Romero -explica Mercedes Valverde-- vuelve a acordarse de su gran amigo, en una de las obras de su última etapa Ofrenda al arte del toreo (Museo Julio Romero de Torres, Córdoba) donde incluyó el nombre del torero en la losa de mármol, junto con los toreros más representativos: Lagartijo, Guerrita y Belmonte.

En la presentación del catálogo se subraya que el retrato del joven Belmonte "posee la intensidad y fuerza en la mirada de los autorretratos del joven Picasso; la magistral captación psicológica del mejor Sorolla; la elegancia y nobleza de Raimundo de Madrazo, etcétera. En resumen, estamos ante una obra culmen de la retratística española".

Mercedes Valverde declaró ha declarado que ella no tenía conocimiento aún sobre el interés del Ayuntamiento de Córdoba por adquirir esta obra.

Antonio Rodríguez, Un ´Belmonte´ de Julio Romero de Torres, Diario Córdoba, 16 de julio de 2008
Alfredo Asensi (Córdoba), 'Belmonte novillero' de Romero de Torres será subastado en Madrid, El Día de Córdoba, 22 de julio de 2008

De Rafael a Yoko Ono: 'Love is in the air...'

De Rafael a Yoko Ono... artistas de todos los tiempos se han inspirado en el amor en todas sus formas para crear sus obras, como lo muestra la exposición 'Love', en Londres, dedicada a este sentimiento. Esta muestra temática, conformada por 30 obras y abierta hasta el 5 de octubre de 2008 en la National Gallery, explora cómo los artistas, desde el siglo XV hasta la actualidad, han plasmado ese sentimiento tan universal como cambiante. Pasional, erótico o fraternal, el amor, una de las mayores emociones humanas, es un tema constante en la historia del arte, que ha hallado expresión tanto en las escenas bíblicas de los maestros clásicos, como en las propuestas conceptuales de algunos artistas contemporáneos.

'We Two Boys Together Clingint', de David Hockney, forma parte de la muestra 'Love', de la National Gallery de Londres. (Foto: EFE)

'La virgen de los claveles' (1506-07), del renacentista italiano Rafael, es una tierna estampa del amor materno, con una virgen que mira embelesada a su hijo, al tiempo que éste observa cautivado las flores que ella le tiende. Los claveles simbolizan el amor divino, un sentimiento omnipotente que también captura el 'San Juanito y el cordero' (1660-63), del español Bartolomé Murillo. 'La muchacha ante el virginal' (c.1670), del neerlandés Johannes Vermeer, representa, con una silla vacía, la fidelidad en el amor, mientras que 'Cupido quejándose a Venus' (c. 1525) de Cranach 'el Viejo', es el reflejo del amor erótico. En esa obra, la diosa romana posa frente a un manzano en actitud seductora, mientras su hijo, el dios de los enamorados, se lamenta al ser picado por abejas, en alusión al dolor que puede causar ese tipo de amor, "intenso pero pasajero, como el sabor de la miel", según ha explicado la comisaria de la exposición, Lois Oliver. 'Nosotros, dos chicos siempre juntos' (1961), del británico David Hockney, que toma prestado el título de un poema del estadounidense Walt Whitman, celebra el amor entre dos hombres, en una época en la que la homosexualidad aún era ilegal en el Reino Unido. 'La merienda' (1785-90), de Francisco de Goya, en la que una pareja que ha bebido demasiado se ve abordada por un grupo de majos, que la cortejan a ella, "podría ser una advertencia a las infantas de los peligros del alcohol", señala Oliver. 'El banquete de Cleopatra', de Tiépolo, recrea el épico romance entre la reina egipcia y el romano Marco Antonio. En tanto, el amor que hiere encuentra su espacio en 'A los que sufren por amor (Ya estoy bien)' (2001-5), de la británica Tracey Amin, un poema escrito al revés sobre una tela con rosas bordadas, en el que la artista habla de un sentimiento que puede dejarte insensible. La escultura 'Beso' (2001), de Marc Quinn, en la que una pareja de discapacitados se besa en la desnudez, pretende mostrar otras caras de la pasión. Esa naturaleza del amor como sentimiento común, pero también único e intransferible, queda encapsulada en la obra de Yoko Ono 'Pieza secreta' (2007), un lienzo en blanco en el que los visitantes pueden colgar mensajes o fotos de sus seres queridos.

'Love' es una exposición pequeña o íntima, según se mire, para un tema enorme, pero, como dice Oliver, logra uno de sus principales objetivos: "que la gente salga pensando en cuánto amor tiene en su vida".

[Efe, Londres], 'Love is in the air...', El Mundo, 26 de julio de 2008

sábado, 26 de julio de 2008

Sobre la piel de los edificios

La arquitectura es compleja, y no se trata de una afirmación superficial. Por un lado, está compuesta por fuerzas visibles (estructurales, funcionales, físicas) y, por el otro, por impulsos invisibles (culturales, políticos). Los conceptos que se conectan a estas fuerzas hacen que la arquitectura evolucione hacia nuevas composiciones e intervenciones estéticas. El envoltorio de los edificios, la ornamentación, es uno de los productos de este proceso y, a través de él, el material arquitectónico se organiza para transmitir efectos estéticos.

Imagen de la Torre Agbar, en Barcelona, con la Sagrada Familia al fondo.- Carles Ribas

La editorial Actar ha publicado recientemente una guía gráfica muy detallada dedicada a la ornamentación a lo largo del siglo XX, una edición a cargo de Farshid Moussavi y Michael Kubo, a partir de unos cursos que se imparten en la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard. La función del ornamento habla del envoltorio de un edificio como un medio para transmitir sensaciones específicas, como una parte esencial de una construcción. En los casos que aparecen en la publicación (42 edificios emblemáticos de todo el mundo, entre ellos, la Torre Agbar de Jean Nouvel en Barcelona) se expone cómo cada uno de ellos explota las sinergias entre el exterior y el interior, construyendo un orden interno que, a su vez, genera una expresión contemporánea.

Hoy en día, el arquitecto tiene poco poder de decisión sobre el interior de los inmuebles que diseña (son tareas destinadas a los decoradores o a los consultores, constructores o promotores), así que la impronta que deja recae en la piel. La importancia de ésta como nexo de contacto entre el interior y el exterior del edificio es lo que el libro estudia, con nítidos ejemplos que constituyen un verdadero manual sobre las diversas técnicas y materiales a aplicar, según el efecto que se quiera transmitir, en la elaboración de las fachadas. La tesis de La función del ornamento consiste en demostrar que el envoltorio de una construcción tiene un potencial de expresividad que va más allá de lo que pase o haya dentro, de si es una tienda o un edificio de oficinas, explica Albert Ferré, responsable de contenidos de Actar. Esta visión ha vencido al movimiento moderno que, hasta los años setenta del siglo pasado, abogaba por el funcionalismo de los edificios; es decir, por la expresión del uso interno y del material utilizado, por una completa transparencia. El objetivo era convertir la arquitectura en una disciplina más sincera. Se suponía que la arquitectura ya no tenía que disfrazar sus funciones, sino hacerlas visibles, convirtiendo la ciudad y sus edificios en elementos inmediatamente legibles.

Hoy, esta representación directa de los elementos estructurales y espaciales ha caído en desuso de la mano de la arquitectura posmoderna, que dota al inmueble en cuestión de una expresión que sea independiente del interior y que contribuya a la definición del entorno urbano. Los edificios, así, adquieren un significado a ojos del público y se rompe de forma radical la obsesiva relación arquitectónica entre función y representación del movimiento moderno. Y el ornamento es la figura que surge del sustrato material del edificio, la expresión de los procesos de construcción, no es simplemente una máscara determinada a priori. Así las serigrafías, las láminas cortadas a láser, los tubos de vidrio, los forjados estriados, las pantallas perforadas o los revestimientos cerámicos son algunos ejemplos del material ornamental contemporáneo.

En la piel del único ejemplo español que aparece en el libro, el de la Torre Agbar, se utiliza el color para integrar las ventanas y las zonas del muro en una trama pixelada de cuadrados. Ese juego de color del envoltorio del edificio no da pie a sugerir que se trate de un inmueble de oficinas, ni siquiera es posible averiguar desde fuera cuántas plantas tiene. Por otra parte, la impresión desde el interior está lejos de ser la tradicional, puesto que las ventanas, dispuestas de forma aleatoria en las oficinas, ofrecen una visión fragmentada del entorno urbano.

Creaciones extraordinarias en tiempos de crisis

Las creaciones arquitectónicas de hoy muestran cierta tendencia a la superficialidad y a la uniformidad. Lo dice otra de las nuevas publicaciones de la editorial Actar, Verb Crisis , que advierte del escaso margen de maniobra que tiene el arquitecto debido a las condiciones sociales, económicas, y por las técnicas externas, en un mundo cada vez más pobre, superpoblado y con problemas ambientales. A pesar de lo alarmante que pueda ser esta situación, el libro conserva una mirada optimista y mantiene que de una crisis siempre pueden surgir respuestas "extraordinarias". Por ejemplo, Verb Crisis analiza con detalle el caso de la periferia de Madrid, con sus PAUs, enormes ciudades dormitorio con un ejército de bloques de vivienda casi idénticos. Sin embargo, se yerguen de vez en cuando creaciones, como el Mirador del estudio MVRDV en Sanchinarro, que funcionan como contrapunto a las estructuras anónimas que lo flanquean.

Marta Albiñana (Barcelona), Sobre la piel de los edificios, El País, 25 de julio de 208

¡Viva la evolución!

El joven arquitecto danés Bjarke Ingels cambia las reglas de la profesión con humor y desmesura

Bjarke Ingels (Copenhague, 1974) es el hombre del sí, que no se detiene ante un no. Cualquier situación que deje una puerta abierta le da una razón para salirse con la suya, por ahí se colará. Sus proyectos llevan impresa la cabezona insistencia del espermatozoide triunfador que, a costa de sus convecinos, desea perpetuar la especie. Nunca da una idea por perdida. Con 33 años y una importante carga de ambición, ha conseguido agrupar a más de ochenta profesionales, entre arquitectos, diseñadores y gente con ideas, en una empresa que lanza proyectos hacia Dinamarca y al resto del mundo, allí donde hagan falta, o no. Es como si siempre diera la razón a un reticente interlocutor de otra cultura, en la que negar fuera mover la cabeza de arriba hacia abajo.

La oficina de BIG, Bjarke Ingels Group, está en el segundo piso de un ordinario edificio de oficinas de hormigón y ladrillo de la calle Nørrebro de Copenhague. Desde sus ventanas se puede ver la tapia que encierra al cementerio de Kierkegaard. En este antiguo barrio de clase obrera -reemplazada ahora por una juventud reivindicativa-, situado al noroeste del centro, reside una gran cantidad de población inmigrante y se ha convertido en un área con renovada intensidad creativa y comercial.

Bjarke Ingels tiene el aire de un joven actor de películas de acción americanas. Viste camiseta gris con siniestro motivo de encapuchado negro en el pecho. Golpe de efecto. Aporta ese grado de provocación latente que sirve para explicar algunas contradicciones danesas. "El mejor modo de ser arquitecto -como diría Bernard Rudofsky, autor de Arquitectura sin arquitectos- es no ser arquitecto, sino evolucionar desde otras situaciones y otros ambientes", comenta Ingels. En 1997, estudió un año en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona. "Me resultó extraño el cambio de cultura. Sobre todo lo diferente que era el tempo. En el sur de Europa las cosas requieren maduración. También trabajé en el estudio de [Enric] Miralles. Aquel fue el periodo formativo más importante de mi carrera. Creo que la arquitectura española actual tiene rasgos distintivos que la hacen única. Es reconocible en su materialidad, en la condición portante de su estructura, en la verdad de sus detalles. Además, todavía permanece viva la línea docente desde maestro hasta el aprendiz. Se puede seguir esa trayectoria, que va de Gaudí a la joven arquitectura catalana, pasando por Miralles a través de Albert Viaplana. Ocurre algo parecido en Madrid y Sevilla".

El principal proyecto de BIG ahora mismo es el edificio Bawadi, en Dubai (Emiratos Árabes Unidos). Consiste en cinco torres de 100 metros de altura invertidas y unidas entre sí por una tapadera común que albergarán oficinas, espacios comerciales y viviendas.

En la oficina de BIG no se ven croquis. Todo son maquetas. Parece la colección de coleópteros de un entomólogo a la que sólo le faltan los alfileres. Las hay de todos los tamaños y de todos los materiales. Llenan estanterías y explican la evolución natural de las formas. De un proyecto surgen otros y estudiando la cronología de las maquetas se puede seguir el hilo de la mutabilidad de las especies. Sus trabajos provienen de un ancestro común que condensa la conjunción de dos extremos opuestos: el de una vanguardia llena de ideas locas arrejuntada incestuosamente con la monótona efectividad de una organización empresarial. Ingels llama a este modelo la "utopía pragmática".

"Cuando en 2001, Julien de Smedt, ahora JDS, y yo fundamos PLOT- "trama", en castellano-, era porque inicialmente queríamos hacer una película. Copenhague era el sitio ideal, con el movimiento Dogma y todo eso. Luego nos dimos cuenta de que lo que realmente nos gustaba era la arquitectura. Nos habíamos conocido un año antes trabajando en Holanda para Rem Koolhaas. Pero Copenhague en aquella época era una ciudad anclada en la época dorada del diseño nórdico. Aparecimos sin filiación conocida y sin padrinos. Abrimos el camino a una serie de arquitectos que han destacado después, y que en su mayoría colaboraron con nosotros". Para BIG, cada lugar significa un experimento pragmático y utópico al mismo tiempo. Impone siempre una pauta de amable radicalidad a la realidad y esta tarea de mantenerse en vanguardia parece no desgastar a Bjarke Ingels. Desmesura, ambición, optimismo y humor son las características que definen su obra. BIG ha supuesto un revulsivo motivador para la arquitectura danesa tradicional. De las generaciones anteriores, Bjarke Ingels sólo nombra a Jørn Utzon y a Arne Jacobsen. "Jacobsen fue quien introdujo la modernidad en Dinamarca, pero siempre como una traducción. En el Royal Hotel de Copenhague empleó el mismo lenguaje que SOM ya había utilizado en la Lever House de Nueva York. En sus piezas de mobiliario, su vocabulario provenía de los Eames. Podríamos decir que no aportó nada nuevo. En cambio, lo que me interesa de Utzon fue la apropiación de las formas de otras culturas y su transposición a nuevos lugares. Las pagodas, las pirámides escalonadas son formas potentes que pueden servir en multitud de emplazamientos. Un edificio que planteamos para Suecia y que no funcionó lo hemos reconvertido en un hotel con centro deportivo y de congresos para la Exposición Mundial de Shanghai 2010. Además, luego nos enteramos de que su forma se corresponde con el pictograma chino que significa 'gente'. Por eso ahora lo llamamos People's Building".

Al girar las torres, Bjarke Ingels consigue crear una gran sombra en la vía pública a la vez que acumula la mayor parte del espacio construido en los pisos superiores, donde el precio de venta es más alto. Para redondear el concepto, cada pata se identifica con cada uno de los cinco preceptos del Islam.

Otro caso: "Cuando nuestro cliente nos planteó un Hotel y Centro de Congresos en el aeropuerto de Arlanda, Estocolmo, intentamos darle la vuelta al tradicional edificio de 'torre que sobresale de zócalo' y pensamos que el camino sería una base alta fina y estrecha con una gran plataforma encima. No hubo manera, pero seguimos dándole vueltas. Cedimos en que el prisma saliera del suelo, pero no con planta cuadrada, sino triangular. En cada una de sus caras planteamos un recorte de ventanas que, desde lejos, diera la impresión de gigantescos retratos a lo Warhol de cada uno de los tres príncipes de Suecia. Es como si la familia real viniera a recibirte o a despedirte. Cuando enseñamos nuestro trabajo en Emiratos Árabes, con motivo de la presentación de otro proyecto, esta idea le gustó tanto al califa de turno, que nos propuso que hiciéramos lo mismo con un retrato suyo para un edificio en el desierto".

El principal proyecto que BIG tiene ahora entre manos en Dubai, Emiratos Árabes, es Bawadi, un dorado edificio multiusos, con oficinas, espacios comerciales y viviendas. Se sitúa en duodécima línea de playa y trata de darle la vuelta al antieconómico rascacielos americano de acero y cristal, de manera que, agrupando cinco torres invertidas y colocándoles una tapadera común, a modo de mesa con cinco patas, se consigue un edificio de cien metros de altura con las fachadas rehundidas para evitar la incidencia de los rayos solares y una amplia superficie sombreada en la calle. De esta forma, la mayor cantidad de volumen construido se encuentra en la parte más alta, allí donde el precio de venta es mayor. Para darle sentido al esquema, cada pata corresponde a uno de los cinco preceptos del islam. La solución estructural se obtiene de la conexión catalana con Gaudí, quien investigó el sistema de fuerzas con la catenaria para aplicarlo después, de manera invertida, a los arcos y bóvedas de sus edificios. Bjarke Ingels relaciona estas formas con los mocárabes de las construcciones hispanomusulmanas que convierten, mediante complicados juegos geométricos, lo que es curvo en recto y lo que es bóveda en muro.

Charles R. Darwin escribió en El origen de las especies: "Las razones dadas en este libro pueden chocar con los sentimientos religiosos de algunas personas". Los comentarios de Bjarke Ingels, por su ausencia de principios, pueden escandalizar de igual modo a algunos docentes y teóricos con fuertes convicciones asentadas en la disciplina arquitectónica tradicional, pero por ahí es por donde va el mundo.

Ingels terminó la carrera cuando apareció el libro S, M, X, XL y ha leído a Rem Koolhaas antes que a Le Corbusier. Existen etapas en su formación que no ha cubierto de forma lineal. Por eso, al visitar sus edificios se debe sentir la misma sensación que experimentó Darwin cuando desembarcó del HMS Beagle y se encontró con los marsupiales australianos. Con gran naturalidad, Bjarke Ingels explica que sus obras son el resultado de un experimento de alquimia programática. "Si una idea no funciona en un sitio, irá buscando acomodo en otros proyectos, hasta que termine por concretarse". La revolución ha muerto, ¡viva la evolución! -

The BIG CPH Experiment. Exposición en la galería POP UP. 1- 5 Exhibition Road, Londres. Hasta el 27 de julio. www.BIG.dk

Javier Mozas, ¡Viva la evolución!, El País-Babelia, 19 de julio de 2008

Viviendas-Montaña

Hace pocas semanas se inauguró este edificio (detalles del exterior y aparcamiento en las dos fotos más abajo), cuyo programa consiste en dos terceras partes para aparcamiento de vehículos y una tercera parte para viviendas.

¿Qué pasaría si, en la plana Copenhague, creamos una orografía artificial? ¿Y si juntamos en un mismo edificio 83 viviendas con las plazas de estacionamiento que hacen falta en el barrio? El resultado es una colina de vigas y soportes de hormigón con una cascada de villas envueltas por la vegetación encima, que alcanza la altura máxima de 11 pisos. Ante el dilema de construir un edificio de viviendas y otro separado con los aparcamientos, como proponía el plan, PLOT, ahora BIG y JSD, propuso unificarlo todo en un único volumen.

Las viviendas recuerdan a los apartamentos turísticos construidos en pendiente y esparcidos por la costa mediterránea. Bjarke Ingels cuenta que, cuando estuvo formándose en España, en vez de apuntarse a un viaje de estudios, se escapó al sur, a Frigiliana -donde Bernard Rudofsky construyó su propia y última casa-, y se quedó atrapado en las calles escalonadas, en los adarves y maravillado por la vida al aire libre de este pueblo de la Axarquía malagueña.

Si en el barrio de Ørestad no hay colinas, Ingels y De Smedt las crean montando un pueblito de viviendas sobre una montaña de aparcamientos. Noticia: ¡ha aparecido un marsupial malagueño en Dinamarca! Conjunción de opuestos: residencias suburbanas con densidad de centro urbano en íntima relación simbiótica. Herman Hertzberger y Moshe Safdie también han ido a veranear a Frigiliana. Es broma.

Jesús Mozas, Viviendas-Montaña,
El País-Babelia, 19 de julio de 2008

En la llana capital de Dinamarca hay una pequeña montaña desde hace unas semanas. Se trata de las Viviendas-Montaña que Bjarke Ingels concibió junto con su socio, Julien de Smedt. Ambos formaron PLOT ("trama", en castellano) en 2001.

Aunque el plan contemplaba separar las viviendas y las plazas de estacionamiento, PLOT optó finalmente por hacerlo todo en uno. Las Viviendas-Montaña esconden en su base un gran aparcamiento.

Las Viviendas-Montaña recuerdan a los apartamentos que salpican las montañas del Mediterráneo español. Durante su estancia en España, Ingels realizó un viaje a la Axarquía malagueña y quedó fascinado ante las calles escalonadas de alguno de sus pueblos.

Los retratos de Andy Warhol inspiraron este futuro hotel y palacio de congresos en Arlanda, el aeropuerto de Estocolmo (Suecia). La idea: un prisma de tres caras que, mediante el recorte de sus ventanas, dibujará las caras de los tres príncipes de Suecia. "Es como si la familia real viniera a recibirte o a despedirte", dice Ingels.

viernes, 25 de julio de 2008

El ayudante que se burló de la megalomanía de Hitler

Una exposición de dibujos en el Museo de Arquitectura de Berlín muestra cómo uno de los ayudantes de Albert Speer ridiculizó los planes megalómanos de su maestro para convertir Berlín en una descomunal capital imperial.

El ayudante escéptico

Berlín iba a ser la capital más majestuosa jamás vista. Impresionaría con sus gigantescos edificios y avenidas. La cúpula del Parlamento (Reichstag) empequeñecería la del Vaticano. Ese era el plan megalómano que, diseñó Albert Speer, el arquitecto áulico del Tercer Reich, entre 1937 y 1942. Uno de sus ayudantes, sin embargo, miraba todo aquello con cierto escepticismo. En la imagen, una caricatura de Albert Speer realizada por Stephan. Architektur Museum, Berlín

Un escenario urbano tenebroso

Hans Stephan, que así se llamaba el receloso ayudante, no se tomó muy en serio aquel ambicioso plan urbanístico, llamado Germania, y empezó a ridiculizarlo en una serie de dibujos. Vio aquellos edificios desmesurados como un tenebroso escenario con viandantes desahuciados y asustados ante las mastodónticas grúas encargadas de arrancar los árboles y llenar de hormigón los cimientos de la nueva ciudad. “Cuando todo empiece, los peatones no tendrán de qué reírse”, señala Stephan en uno de sus dibujos. Aquellas ilustraciones se muestran ahora en una exposición titulada 'Reorganización feliz', que se expone en el Museo de Arquitectura de Berlín.

Una ciudad desmesurada

Stephan vaticinó las aterradoras dimensiones que podía cobrar el plan de reforma de Berlín. Es el caso de un dibujo que muestra a unos hombres diminutos que esperan para cruzar una gigantesca avenida de 50 carriles llenos de automóviles. Otro grupo de individuos se refugia entre un montón de escombros mientras un gran cañón de artillería bombardea la Gran Avenida.

A espaldas de Hitler

Uno de los aspectos más llamativos de estos dibujos satíricos es que no erna ningún secreto. El propio Speer conocía las críticas de su subalterno y probablemente no se le escapaba que arremetían directamente contra los delirios de grandeza del dictador. "No se sabe con seguridad, pero creo que no habría pasado nada bueno de haber llegado a oídos de Hitler", especula Hans-Dieter Nägelke, director de la exposición. Si se tiene en cuenta que Speer era adicto al régimen (de hecho, fue procesado en los juicios de Núremberg como ministro de Hitler), aún llama más la atención que nunca denunciara los dibujos, a los que llamaba caricaturas de Germania.

Construir una ciudad nueva

Stephan se sintió llamado a participar en el proyecto porque "se trataba de construir, de repente, una ciudad completamente nueva. Para un arquitecto es muy interesante poder hacer una cosa así", señala Patrick Golenia, otro responsable de la exposición. El estallido de la II Guerra Mundial impidió la aplicación del plan, que ha sobrevivido como objeto de museo.

El ayudante que se burló de la megalomanía de Hitler, El País - Fotogalerías, 24 de julio de 2008

Los dólmenes y la permanencia de la ganadería hacen de Serra Leboreiro un manual de prehistoria

La Serra do Leboreiro, frontera entre Ourense y Portugal, es un manual sobre prehistoria ya que reúne más de 130 monumentos del año 4300 antes de Cristo, y el uso del suelo sigue siendo el de alimentar una gran cabaña ganadera con pastos renovados cada año como en la prehistoria.

Dos jóvenes senderistas se acercan a la "mámoa" llamada "Mota Grande" (montículo al fondo), en plena Sierra de Leboreiro fronteriza entre Ourense y Portugal, destacada por ser la mayor sobre un dolmen en toda la provincia y por conservar pinturas en sus paredes internas.

Entre ellos están varias "mámoas" o "túmulos" -montículos de tierra y vegetación que cubren un dolmen funerario formado por varias piedras verticales cubiertas por otra horizontal- de la cadena del Leboreiro como las llamadas "Mota Grande" y "Motas de Penedo da Canteira" (ambas en Verea).

Así lo explicó a Efe el arqueólogo José María Eguileta, que trabajó entre los años 1988 y 1994 en la prospección, inventario y catálogo de los más de 200 monumentos prehistóricos de la Baixa Limia, repartidos entre la Serra do Leboreiro y en el cercano valle del río Salas, entre los que están aquellos que la Xunta declarará Bien de Interés Cultural (BIC) en pocos meses. Según el investigador, la comarca de la Baixa Limia concentra el mayor número de monumentos megalíticos de toda la provincia pero si la densidad media de estas construcciones es de 0,4 por cada kilómetro cuadrado en la zona, la Serra do Leboreiro destaca con una densidad de 4 megalitos por kilómetro cuadrado. Lo atribuyó a que la abundancia de agua permitió desarrollar una ganadería que se benefició en la prehistoria del uso del fuego como renovador del suelo, ya que la ceniza fue abono periódico para nuevos pastos, garantizados por el encharcamiento permanente de la zona. Según Eguileta, los dólmenes cubiertos de la Serra do Leboreiro son "análogos" a los de la Costa da Morte, también en trámites para su declaración como BIC, ya que tienen "losas grandes, potentes y algunas con grabados y pinturas aún identificables", agregó.

A diferencia de los dólmenes coruñeses, los de Ourense no están excavados y permanecen ocultos por "mámoas" que en la Serra do Leboreiro sirven además de apoyo para varios mojones fronterizos y puntos geodésicos, y se pueden recorrer por una pista forestal paralela a la antigua línea de frontera, lo que los convierte, según el arqueólogo, en "megalitos arraianos".

Por otro lado, en el municipio de Muíños, vecino al de Verea, se encuentra el 25 por ciento de los dólmenes estudiados por Eguileta y entre sus peculiaridades destacó la orientación, habitualmente hacia el punto por el que sale el sol el día 21 de diciembre (solsticio de invierno) pero mientras en el resto de Galicia los dólmenes se orientan hacia el sureste, en el valle del Salas lo hacen al sur. Según el arqueólogo, esta peculiaridad fue descubierta ya por Cuevillas y se debe a que la construcción de monumentos se hacía en la época de descanso de las labores agrícolas -el invierno- y el valle del Salas está rodeado por una sierra que hace que el sol empiece a ser visible a mayor altura que en otros lugares.

Casi todos los dólmenes de la provincia fueron "saqueados" para reutilizar sus losas y para buscar los tesoros legendarios de los muertos, que en realidad, dijo, se limitan a cerámica.

[Efe, Verea (Ourense)], Los dólmenes y la permanencia de la ganadería hacen de Serra Leboreiro un manual de prehistoria, www.soitu.es, 20 de julio de 2008

El "Entierro de Santa Catalina", de Zurbarán, subastado por 210.000 euros

El cuadro "Entierro de Santa Catalina", realizado por Francisco de Zurbarán hacia 1635, ha sido comprado por 210.000 euros para una colección particular en la última subasta de la temporada que ha tenido lugar en la firma Ansorena. Esta obra de Zurbarán, cuyo precio de salida era de 175.000 euros, perteneció "posiblemente a la colección Lázaro Galdiano" y fue publicado en el catálogo de la misma en 1927 y por Diego Angulo en 1931. Los catálogos posteriores del pintor barroco incluyen este cuadro, "pero en paradero desconocido".

"Entierro de Santa Catalina", realizado por Francisco de Zurbarán

La composición del cuadro subastado anoche, que mide 198 por 133 centímetros, presenta el entierro de Santa Catalina en el Monte Sinaí y se inspira en una obra de Martín de Vos difundida por un grabado de Cornelis Cort de 1575, afirma Paloma Díaz de Aguilar, directora de Subastas y experta en pintura antigua de Ansorena, en el estudio que ha realizado de la obra subastada.

"A pesar de la fama que tiene Zurbarán de utilizar estampas para sus composiciones, nunca salvo en este caso había copiado casi literalmente el modelo, por lo que más parece que se deba a una exigencia rigorista del cliente", señala Díaz de Aguilar, para quien el cuadro subastado "se puede catalogar como obra de Francisco Zurbarán con tanto derecho como el de las otras cuatro versiones" que hay del "Entierro de Santa Catalina" y que como tal los catalogan las instituciones que las conservan.

En la iglesia del convento de San José de la Merced Descalza en Sevilla había un retablo dedicado a Santa Catalina, entre otras obras de Zurbarán. Por su tamaño, el conjunto de obras de este convento "es uno de los encargos más importantes de la carrera" del pintor, que los realizó a mediados de la década de 1630, "después de su primer viaje a Madrid y cuando su taller trabaja a pleno rendimiento". Durante la ocupación francesa, muchas obras de arte de este convento se llevaron al Alcázar de Sevilla. Al finalizar la guerra el convento "fue definitivamente desmantelado con la Desamortización" y algunos de los cuadros reaparecieron en diferentes colecciones.

Fuentes de Ansorena han indicado hoy a EFE que el cuadro subastado anoche ha sido visto por expertos de diferentes instituciones y que entre ellos "no hay ninguna duda" en cuanto a la autoría.

[Efe, Madrid], El "Entierro de Santa Catalina", de Zurbarán, subastado por 210.000 euros, www.soitu.es, 23 de julio de 2008

jueves, 24 de julio de 2008

La sátira de los arquitectos de Hitler



'Germania', la colosal metrópolis en que Hitler soñó convertir Berlín, no sólo soportó el impacto de las bombas aliadas durante la guerra, sino que fue objeto de mordaces sátiras por parte de algunos de los arquitectos que la diseñaron a las órdenes de Albert Speer.

Maqueta de Germania. (Foto: AFP)

El Museo de Arquitectura de la Universidad Técnica de Berlín expone por vez primera la colección de dibujos de Hans Stephan, uno de los colaboradores de Speer en el megaproyecto que debía hacer de Berlín una metrópolis gigantesca que reflejara la grandeza del régimen. Stephan asumió los planos urbanísticos de 'Germania' entre 1937 y 1942 y, en aquellos mismos años, dibujó una serie de grabados bajo el título 'Reorganización Feliz', que ofrecen su personal visión de los planes que los nacionalsocialistas tenían entre manos para Berlín.

Con su plumilla, el urbanista diseñó tenebrosos escenarios de ciudadanos desahuciados y asustados por las enormes grúas del tamaño del Reichstag, encargadas de derribar árboles y colocar las moles de hormigón que levantarían la capital del Reich. "Cuando todo empiece, los peatones no tendrán de qué reirse", previene uno de los dibujos. En las escenas previstas por él, unos hombres diminutos esperan atemorizados a poder cruzar una vasta avenida de cincuenta carriles repletos de coches, otros se atrincheran entre las montañas de escombros, mientras un gran cañón abre literalmente a bombazos la Gran Avenida.

El propio Speer conocía de la existencia de los dibujos que ponían en evidencia los delirios de grandeza del Führer, pero estos nunca fueron presentados más allá del pequeño círculo de arquitectos. "No se sabe con seguridad, pero creo que no habría pasado nada bueno de haber llegado a oídos de Hitler", señala Hans-Dieter Nägelke, director de la exposición. Tampoco se conoce el por qué de los grabados, ni siquiera se puede decir que se tratara de una crítica velada al régimen, como demuestra el hecho de que Speer, que posteriormente sería juzgado en Nuremberg como ministro de Hitler, los tolerara. Al parecer, algunas de esas "caricaturas de Germania" -como así las denominaría Speer en 1949-, colgaban de la pared en el despacho de Stephan y provocaban cierta hilaridad entre el equipo de colaboradores, aunque no tenía pensado publicarlas antes de 1950, fecha fijada por Hitler para que la megalópolis estuviera rematada.

Sin embargo, los planes de la gran capital del Reich se vieron aparcados por el estallido de la Segunda Guerra Mundial, como recuerda Patrick Golenia, otro de los responsables de la muestra, quien dice "entender" las razones que le llevaron a Stephan a formar parte del proyecto "voluntariamente". "Se trataba de construir, de repente, una ciudad completamente nueva. Para un arquitecto es muy interesante poder hacer una cosa así". Entre los grandes proyectos de Hitler, todos ellos satirizados por Stephan, destacaba el denominado Gran Pabellón, que debía tener 290 metros de altura, y cuya cúpula debía sustentar la escultura de un águila, símbolo de la fortaleza del Régimen, apoyada sobre el globo del mundo. Una de las escasas piezas del plan estrella de Speer que sí vio la luz fue la cancillería del Führer, erigida en apenas unos meses y arrasada en unas horas por las bombas aliadas.

Itziar Reyero Arregui [Efe, Berlín], La sátira de los arquitectos de Hitler, El Mundo, 23 de julio de 2008

El Reina Sofía compra obras de Medardo Rosso, Georges Grosz, Fahlström y Tàpies

La última reunión del Patronato del Museo Reina Sofía aprobó la compra de dos esculturas de Medardo Rosso ('Bambino malato' y 'Bambina che ride'), una pieza de Antonio Tàpies ('Blau amb guatre barres roges' 'Azul con cuatro barras rojas'); varias obras de Georges Grosz y un óleo del artista y escritor sueco Öyvind Fahlström, entre otras piezas. En total, se han adquirido una docena de obras, cuyo presupuesto global asciende a s de cuatro millones de euros, según la lista de las adquisiciones. Por su parte, el Ministerio de Cultura, por encargo del director y del Patronato del Reina Sofía, ha comprado, para exhibir en el Museo, una pieza de Jean Tinguely (490.000 euros), una de Alighiero Boetti (290.000 euros) y otra de André Masson (11.691 euros).

El director del Reina Sofía. (Foto: Jose Aymá)

El director general de Bellas Artes, José Jiménez, destacó la compra de las dos piezas de Medardo Rosso, un "grandísimo escultor del siglo XIX", descrito por Juan Muñoz, recordó Jiménez, como uno de los "eslabones perdidos de la modernidad". En opinión de Jiménez, las dos obras de Rosso (adquiridas por 909.500 y 802.500 euros respectivamente) permiten establecer un "diálogo" con el escultor madrileño Juan Muñoz, "uno de nuestros artistas más importantes", apuntó el responsable de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura. Del pintor alemán Georges Grosz, Jiménez resaltó la pieza titulada 'Spain' (1937), un dibujo "típico" de la Guerra Civil, en el que aparece un soldado apuntando a un trabajador con las manos levantadas, realizado por Grosz en Estados Unidos mientras se desarrollaba la contienda en España. También mencionó la pieza de Oyvind Fahlström, quien fue "uno de los grandes maestros del Pop Art" o el óleo de Tàpies de 1966, adquirido en una subasta de la casa Christie's en Londres a finales de junio, perteneciente a una etapa del artista catalán "poco representada en el Museo", señaló Jiménez.

Como piezas 'menores', y con un valor que se sitúa en torno a los 16.000 y 90.000 euros, el Museo Reina Sofía ha comprado la producción audiovisual completa de Antoni Miralda, una película de Florian Pumhösl (con un precio especial para el museo de 16.660 euros) y una instalación de Jon Mikel Euba (90.000 euros). En este sentido, el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel ya anunció en su última comparecencia la intención del Museo de activar la política de adquisiciones para cubrir "las lagunas" que existen en la colección permanente del Museo, sobre todo en lo referente a la década de los 60 y 70. "Haremos bastantes compras que se incluirán en el presupuesto del Museo, que no es precisamente modesto", reconoció el responsable del Reina Sofía.

Precisamente esta semana, Borja-Villel presentará a la prensa las exposiciones temporales que se podrán ver en la sede central del Museo y en los palacios de Cristal y Velázquez del Parque de El Retiro en la próxima temporada. El responsable del Reina también explicará las acciones que se van a llevar a cabo en torno a la Colección, como son las muestras de Gabinete y la idea del Museo como red de redes "que ya ha permitido acuerdos con importantes entidades de arte contemporáneo", explica el Museo en una nota. Igualmente se presentarán las líneas maestras del programa de actividades públicas, pieza fundamental en la nueva organización del Museo, que incluyen novedades en el campo de la experimentación, la producción y la difusión.

Los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía abarcan obras realizadas desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Hoy, la institución cuenta con aproximadamente 16.200 obras, que dan cabida a todo tipo de técnicas artísticas: en torno a 4.000 pinturas, más de 1.400 esculturas, casi 3.000 dibujos, más de 5.000 grabados, más de 2.600 fotografías, alrededor de 80 vídeos, una treintena de instalaciones y otras tantas vídeo-instalaciones, más de 100 piezas de artes decorativas y 30 de arquitectura. Según informa el Museo Reina Sofía, de ellas, sólo se exhibe formando parte de la exposición permanente una selección de aproximadamente un 2%.

[Europa Press, Madrid], El Reina Sofía compra obras de Medardo Rosso, Georges Grosz, Fahlström y Tàpies, El Mundo, 22 de julio de 2008

El secreto del retrato olvidado en el Retiro

La historia culmina hoy en A Coruña, pero había comenzado en Madrid 70 años atrás, donde vivió los episodios principales de su laborioso despliegue. Es la historia de un lienzo, más precisamente un retrato al óleo pintado en los albores de la década de 1930 por un pintor que, como el personaje femenino que representaba, permaneció en el anonimato durante muchos años. Ahora, el secreto ha sido desvelado y el cuadro se ha salvado gracias a la tenacidad de un ciudadano, experto en restauración, y a una conjunción feliz de circunstancias. El lienzo, de 150 por 91 centímetros, representa a una dama elegantemente vestida con un atuendo de fiesta, negro y con bordados plateados. Mira al frente y en sus ojos parece esconderse un enigma indescifrado.

Retrato de Gloria Pérez - J. A. B.

El relato comienza cuando el vistoso cuadro, enmarcado en pasta negra, queda abandonado en un piso vacío de la calle de Alfonso XII, número 50, al finalizar la Guerra Civil en 1939. Algunos inquilinos ilustres han huido al exilio, pero el silencio se adueña del pasado y nadie parece saber nada. Transcurren 30 años. Las escorrentías subterráneas del cercano parque del Retiro, que bombean agua hacia las calles aledañas, llevan a los inquilinos del inmueble a revisar la resentida cimentación del edificio. Entonces, el retrato de la dama es descubierto junto a la sala del ascensor. Nadie se atribuye su propiedad. Por ello, José Antonio Buces, hijo de la dueña de una de las viviendas, tras realizar infructuosas indagaciones, decide rescatarlo. Buces, que cuenta entonces con 20 años, va a comenzar a estudiar restauración artística en el cercano Casón del Buen Retiro.

El lienzo recién hallado le atrae sobremanera, por la belleza de su hechura y la elegancia de la dama retratada. No está en mal estado, se dice, pero presenta dos orificios hechos presuntamente a conciencia en las inmediaciones del rostro de la mujer representada. Así, tras restaurarlo, instala el cuadro en el comedor de su casa y un día invita a cenar a dos amigos, Rosa Suárez Inclán y José Ignacio Sáenz Díez. Rosa es sobrina de Pilar Ducassi, inquilina de Alfonso XII, número 52, desde antes de la guerra, cuando se llamaba calle de Niceto Alcalá Zamora. De Ducassi, Buces obtiene la primera respuesta a sus múltiples preguntas: "Ella, la dama del lienzo, era la esposa de Santiago Casares Quiroga". Gloria Pérez Corrales, hija de un militar cacereño republicano y de una cigarrera coruñesa, era desde 1920 la esposa de Santiago Casares Quiroga, presidente del Gobierno de la República entre el 13 de mayo de 1936 y el 19 de julio de aquel mismo año, cargo que simultaneó con el de ministro de la Guerra en los albores de la contienda civil. Leal a Manuel Azaña hasta el final y también al doctor Juan Negrín, se exilió a Londres al acabar el conflicto.

Gloria y Santiago tuvieron una hija, María Victoria. Gloria sirve como confidente en la confección de las listas electorales y el republicano Manuel Guzmán la propone como candidata a diputada a Cortes, invitación que no acepta. Durante los primeros meses de la guerra, trabaja en hospitales de campaña. A mediados de octubre de 1936, Casares lleva a las dos a Barcelona y de allí pasan al exilio en Francia. En la capital gala se instalan en el hotel Paris-New York y en 1946 Gloria muere víctima de un cáncer de estómago en París. José Antonio Buces es pertinaz y reconstruye lo sucedido. Averigua que el matrimonio Casares vivió primero en la calle de Alfonso XI, cerca del Ministerio de Marina, donde el ministro y dirigente de Izquierda Republicana sesionaba. Luego se cambiaron a la de Alfonso XII, donde colgaron el retrato hasta que el desenlace de la contienda llevó al ministro al exilio londinense y a ella, a París. Allí su hija María Casares llegaría que con el tiempo a ser gran actriz de la escena francesa y europea.

Con ella José Antonio Buces intentó ponerse en contacto en París. Tras numerosas gestiones, su propósito fracasó. María falleció y el retrato de su madre permanecía en España. Mediado 2007, a través de un periodista amigo, Buces entra en contacto con Isabelo Herreros, dirigente de Izquierda Republicana, que posee una tenacidad documental extraordinaria. Así, localiza una pequeña fotografía, en blanco y negro, del misterioso lienzo en el Archivo del Reino de Galicia. "Se daba por desaparecido", explica Herreros. En cuanto al autor del cuadro, descubren que fue Luis Mosquera (La Coruña, 1899-Madrid, 1987), académico de Bellas Artes y afamado retratista. Tras la contienda, llegó a retratar a Francisco Franco y a Josemaría Escrivá de Balaguer, máximo dirigente del Opus Dei.

Herreros informa a Buces de que existe en A Coruña una fundación municipal recién creada que lleva el nombre de Casares Quiroga. Buces puede ver así cumplido su deseo de devolver el retrato de Gloria Pérez. La entrega del lienzo se consuma hoy en la capital coruñesa. La memoria es, por encima de todo, justicia.

R. Fraguas (Madrid), El secreto del retrato olvidado en el Retiro, El País, 23 de julio de 2008

miércoles, 23 de julio de 2008

Datos de gran relevancia en las excavaciones en Medina Azahara

La intervención arqueológica en la muralla meridional de Medina Azahara, que comenzó el 16 de abril de 2007 hasta la actualidad, ha deparado grandes hallazgos para el conjunto arqueológico del siglo X. Entre ellos, los restos de una mezquita que presenta grandes singularidades y que fueron dados a conocer hace varios meses, el conocimiento del trayecto de la muralla sur (de la que no se ha conservado nada) y, sobre todo, la existencia de la mayor calzada islámica de España.

La delegada de Cultura, Mercedes Mudarra, y el director del conjunto arqueológico de Medina Azahara, Antonio Vallejo, presentaron ayer a la Comisión Arqueológica de la Junta de Andalucía los resultados de la excavación arqueológica realizada; este proyecto constaba de cinco sondeos arqueológicos, tres de ellos con unas dimensiones de 35 x 20 metros y los otros dos restantes de 50 x 20 metros. Esta intervención ha sido financiada por el Ministerio de Cultura y cuenta con un presupuesto de casi 600.000 euros.

Mercedes Mudarra manifestó ayer que "estamos ante una de las excavaciones más importantes que se están realizando en la actualidad en Europa sobre época islámica", debido fundamentalmente "al alcance y relevancia de los restos aparecidos a lo largo de más de un año de trabajo y, sobre todo, por el relieve y trascendencia de la ciudad de Madinat al-Zahra no sólo en al-Andalus sino en todo el Mediterráneo, Oriente y Europa cristiana", añadió la delegada de Cultura de la Junta. También apuntó que esta intervención aportaba para Córdoba "datos importantísimos que nos muestran que lo que conocíamos hasta ahora sólo era una parte del palacio. En este proyecto teníamos tanto interés porque estamos comenzando a conocer la ciudad"; aseguró que el plan de futuro del yacimiento establece la ampliación significativa de la superficie excavada (15%, en la actualidad), llegando a conseguir en años próximos (eso sí, "de forma progresiva y lenta") descubrir el 75% del conjunto y "convertir a Medina Azahara en el mayor complejo a nivel europeo de un solo siglo". Por otro lado, en nombre de la comisión habló Juan Campos, profesor de Arqueología de la Universidad de Huelva, que calificó la operación realizada en Medina Azahara de "modélica", desde un punto de vista científico.

En primer lugar, se ha constatado la presencia de una mezquita ubicada en el interior de la medina, que data del siglo X y se encuentra orientada hacia el sudeste con una planta rectangular con unas dimensiones totales de 25 metros de largo por 18 de ancho. La mezquita se estructura en tres naves cuyas puertas abren a un patio cubierto con losas de piedra. Destaca su alminar del que aún se conservan varios peldaños. Además de estos elementos merece resaltarse el mihrab de forma poligonal al exterior. Toda la mezquita se construye en sillería del mismo modo que la muralla. Antonio Vallejo declaró que la mezquita está bien orientada hacia la Meca y se trata de una mezquita relevante y singular; afirmó que la posición del alminar en el ángulo sur es un rasgo novedoso, "pues está ahí para llamar a la gente que vive fuera de la ciudad, en la zona sur".

Alrededor de la mezquita se disponen las viviendas de los habitantes de la ciudad. De dimensiones y formas constructivas más modestas que las grandes estructuras ya mencionadas, marcan con notable precisión las modificaciones a las que se ven sujetos sus propietarios. En un doble plano relativo tanto a su funcionalidad como a sus necesidades espaciales, se constata una progresiva modificación de estas edificaciones a lo largo del tiempo. Y estos cambios no son sino síntoma de la intensa vida que se desarrolla en el interior de la ciudad. Del mismo modo, hay que relacionar estas modificaciones con el importante volumen de material cerámico aparecido en estos espacios. Se ha encontrado una vajilla dedicada a un uso cotidiano en la que, sin embargo, destaca un importante número de piezas reservadas para ocasiones puntuales. Se trata de los repertorios cerámicos fabricados mediante la técnica conocida como "verde manganeso" junto a otro conjunto importante de cerámica vidriada en tono melado.

Igualmente, destaca la documentación de la muralla de la ciudad, objetivo prioritario de esta intervención. Tal y como se preveía, presenta unas dimensiones considerables que superan los dos metros de anchura, explica Antonio Vallejo. Al mismo tiempo, se ha registrado el expolio de parte de la misma cuya consecuencia es que solo se conserva su cimentación. Se construye en sillares tallados en calcarenita que superan, en ocasiones, el metro de longitud y que se disponen siguiendo un aparejo a tizón. Se encuentra jalonada de torres de planta rectangular cuya alternancia entre ellas sigue el mismo esquema que aparece en la muralla que circunda la zona del Alcázar de la ciudad.

Su construcción provoca la creación de un espacio urbano que rebasa los propios límites de la muralla. Se trata de una gran calzada construida con sillares de que forman cuadrículas de distintos tamaños, cuyo interior se rellena con cantos rodados y piedras de la montaña. "Al igual que la muralla, la calzada aparece a lo largo de todos los sondeos arqueológicos, superando en ocasiones, los nueve metros de anchura. Se convierte así en uno de los elementos más espectaculares de la ciudad palatina, impactando así al visitante incluso antes de su entrada en la misma", explica el director del conjunto arqueológico. Explica Vallejo que las cuadrículas de la calzada, hechas con cantos rodados, y a base de calcarenita, le dan un efecto colorista. "Se trata de una calzada hermosa que nos introduce en lo que hay fuera de ella, lo que significa que el muro sur es por el que se accedía a la ciudad. Y por otro, que la muralla sur no tenga una puerta sino varias". Las fuentes afirmaban al contrario que sólo poseía una entrada, mientras que la excavación confirma que "poseía varias entradas dedicadas a funciones distintas". Añadió que "siempre estamos en el siglo X, aquí no hay estructuras anteriores".

Destacó el director del conjunto que "resulta muy interesante la relación entre estos tres grandes espacios. La muralla y la calzada rodean la mezquita a lo largo de todo su sector sur creándose una zona de gran relevancia para la ciudad en la que se produce la simbiosis del espacio religioso y profano". Este dato confirma que la muralla, levantada con posterioridad, evita la mezquita para no destruirla. "Esto vuelve a poner de relevancia el papel de planificación de la ciudad", destacó Vallejo.

En toda la excavación no se ha encontrado ningún resto arqueológico que pueda datarse con posterioridad al siglo X. Sin embargo, sí hay conocimiento de datos posteriores que guardan relación con la fase de expolio del conjunto. Una acumulación de sillares encontrada en la intervención arqueológica, en lo alto de la calzada y con una disposición totalmente ordenada, sirve, según Vallejo, para saber que la fecha de expoliación de esta zona data de finales del siglo XIII y la primera mitad del siglo XIV. "Una fase muy temprana que señala que la ciudad, como era previsible, se expolió de sur a norte; es decir, las zonas más accesibles fueron las primeras en ser limpiadas y las zonas de palacio fueron las últimas", aseguró Vallejo. El director recordó que la fecha hasta hora conocida giraba en torno a los datos aportados por Ambrosio de Morales, que relató que se habían desmontado algunas estructuras de la ciudad palaciega con motivo de la construcción del Monasterio de San Jerónimo, en el siglo XV.

Con vistas al futuro, se pretende recuperar todos los elementos que se encuentran alrededor de Medina Azahara y la próxima función será su puesta en valor. La perspectivas para Medina Azahara son construir un gran complejo por el que se pueda recorrer, a partir de distintas rutas, toda la ciudad que rodeaba al palacio. No existe un plazo límite para concluir esta iniciativa ya que se trata de un proyecto de gran envergadura que se prolongaría a lo largo de los años. «Medina Azahara será una fusión de paisaje, patrimonio y cultura», afirmó la delegada.

El yacimiento arqueológico de Medina Azahara se enfrenta, pues, a unos meses muy decisivos para su futuro gracias a los proyectos en los que está sumergido y que cobran una gran relevancia. La restauración del Salón Rico y la inauguración de su esperada Sede Institucional son sus dos objetivos más inmediatos.

Por un lado, la restauración del que fuera el lugar en el que Abderramán III celebraba la recepción de las embajadas y las fiestas de ruptura del ayuno y de los sacrificios comenzará en los próximos meses, como así señaló el director del conjunto, Antonio Vallejo. Una fase de restauración en la que, según un acuerdo cerrado el pasado abril por el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Fomento, se invertirán 1,03 millones de euros, cantidad de la que la mayoría, el 75%, correrá a cargo de este último departamento. El Salón Rico, edificado entre los años 953 y 957, es una de las joyas de la ciudad palaciega.

Respecto a la Sede Institucional, cuya primera piedra fue colocada en diciembre de 2003, la delegada de Cultura, Mercedes Mudarra, recordó ayer que está previsto que en este año se ponga en marcha. A pesar de que las obras están ya finalizadas, existen todavía algunos detalles por ultimar, como es el caso de la vigilancia, el personal o los aparcamientos. La delegada, asimismo, señaló que esta sede va a dejar impresionados a los visitantes puesto que aporta "una perspectiva diferente no sólo a nivel interno sino también para la ciudadanía". Para corroborar esta afirmación, Mudarra destacó que dos de las grandes apuestas de este nuevo centro de recepción de visitantes serán el museo y los medios audiovisuales de los que dispondrá.

Para facilitar la contextualización del yacimiento, se ha creado una película que reconstruye la ciudad palaciega y "que sirve para recorrer Medina Azahara como si se estuviera viendo en esa época", señaló la delegada. Sin duda, 2008 es un año muy importante para la proyección patrimonial y cultural del conjunto arqueológico de cara al futuro.


Antonio Rodríguez, Descubierta una mezquita del siglo X al sur de Medina Azahara, Diario Córdoba, 22 de julio de 2008
Antonio Rodríguez, La cerámica revela las técnicas carácterísticas de la época, Diario Córdoba, 22 de julio de 2008
Antonio Rodríguez, Los arqueólogos hallan la mayor calzada islámica de España, Diario Córdoba, 22 de julio de 2008
Pilar Salcedo, La excavación en Medina Azahara descubre la mayor calzada islámica de España, El Día de Córdoba, 22 de julio de 2008
Pilar Salcedo, La sede y el Salón Rico, en el horizonte próximo, El Día de Córdoba, 22 de julio de 2008
Marta Villaseca, Medina Azahara: Resurge la mayor calzada islámica de España, ABC-Córdoba, 22 de julio de 2008

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