domingo, 30 de noviembre de 2008

Tàpies: "Nunca me he sentido tan libre"

El artista, que celebra su 85º cumpleaños con dos importantes exposiciones en París y Madrid, muestra en su estudio cómo se lanza a diario sobre el suelo para pintar, y reivindica su faceta menos conocida, la de escritor

Está a punto de cumplir 85 años, el próximo 13 de diciembre, y se siente más libre que nunca. Controlados sus últimos problemas de salud (el corazón, la vista) sigue trabajando como siempre. Acaba de inaugurar exposición en la galería Lelong de París y a partir del día 3 mostrará parte de su última obra en la galería Soledad Lorenzo de Madrid. Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) explica que ha llegado a una etapa de su vida en la está desnudo de prejuicios y con más ilusión que nunca. "En mí solamente manda la intuición. Cuando me enfrento a una obra, sólo me dejo guiar por el instinto. Nunca me he sentido tan libre como ahora", afirma. Es el único artista español vivo cuya obra cuelga de las colecciones permanentes de todos los grandes museos del mundo. Cada exposición suya es un acontecimiento. Pero nada de esto parece importarle en exceso. Se mueve al margen de vanidades y leyes mercantiles.

El artista Antoni Tàpies en su estudio de Barcelona rodeado de sus últimos trabajos.

Antoni Tàpies vive y trabaja en pleno centro de Barcelona. Su vivienda y estudio de trabajo forman una suerte de laberinto lleno de escaleras y bellísimos patios interiores. Son tres antiguas casas unidas que él tiene abarrotadas de arte.Rodeado de su impresionante colección de esculturas y máscaras africanas, cuenta que lo que más ilusión le hace de su 85º aniversario es que se le va a reconocer su trabajo de escritor. "Cuando cumplí los 80 ya me hicieron en el MACBA una exposición antológica. Todo el mundo conoce mis cuadros, mis esculturas, pero tengo ocho libros publicados. Siempre he escrito. Las mañanas son para pintar y las tardes para pensar y escribir. Pero parece que pocos lo saben y a mí me importa mucho. Me van a regalar una edición especial con mis textos titulada Tàpies escribe. Están en catalán, por supuesto. D. Sam Abrams, uno de los teóricos que más admiro, hace la introducción".

En la exposición madrileña se podrán ver una docena de obras de gran formato junto a dibujos y maquetas de cuadros. Están fechadas en los últimos tres años, algunas de ellas realizadas este mismo verano. "Sigo trabajando casi al ritmo de siempre, salvo cuando he parado por motivos de salud. Cuando estoy bien, me levanto temprano y bajo al taller. Trabajo cinco horas por la mañana. Muchas veces arranco sin saber lo que voy a hacer. Me dejo guiar por el instinto y siempre se me ocurren cosas". Tàpies es un artista de producción rápida. Tres sesiones le bastan para rematar un cuadro. "Tengo la ilusión de saber dar forma a una cierta visión de la realidad", explica. "Yo sé lo que quiero contar, pero no hay nada que explicar. Cada uno tiene que ver lo que tiene delante. Por eso suelo prescindir de los títulos y si los pongo son alusivos a algún elemento del cuadro no a su contenido". Las piezas que sigue realizando y que le han hecho mundialmente famoso se mueven dentro del más absoluto informalismo. Sus materiales básicos son las arenas, el polvo de mármol, el barro, los papeles y los más variados materiales de desecho o mobiliario casero (cepillos de barrer, cubos de zinc, coladores).

El mundo y la filosofía oriental siguen estando presentes en su obra. "No hay nada como el refinamiento de la cultura oriental". Cuenta que su padre fue el responsable de su aproximación al arte chino. "Tenía muchos libros que me comentaba y yo empecé a interesarme. Luego, ya de joven, viajé a Japón. Conocí personalmente a muchos artistas japoneses y me sentí seducido por ese mundo. Su caligrafía es de una belleza y de una profundidad extraordinarias. Contiene una sabiduría subyugante". Tàpies pinta con el cuadro en el suelo. La edad y sus achaques no le impiden hincar las rodillas y embadurnarse hasta el codo de la pasta que le sirve de base para la obra. "Me ayuda un chico acercándome los materiales, pero la elaboración y colocación de todos los elementos la hago con mis manos".

De todas formas, las estaciones marcan su vida. "Yo voy con la temperatura", explica, y "con estos fríos no me pongo en las corrientes, no me puedo tirar en el suelo. Prefiero dibujar o hacer maquetas para futuros cuadros. Ahora estoy haciendo algunos dibujos con detalles figurativos", cuenta riéndose. ¿No pensará competir en ese campo con Antonio López? "No. Eso nunca, y que conste que Antonio López es un hombre al que respeto profundamente y admiro muchísimo lo que hace. Otra cosa es que mi mundo sea otro".

Respecto a la crisis general y a la que puede afectar al mercado del arte, el artista catalán dice no tener mucha información. "No sé cómo se ha llegado a esto. Y de los precios del mercado y de las subastas, sólo puedo decir que me parecen un disparate, irreales. Han manejado unos precios terribles".

Y qué opina sobre fenómenos artísticos mediáticos como Damien Hirst. "Un disparate. No me interesa nada. Que se diga que esa calavera es arte me hace reír. Que haga lo que quiera. Yo soy de los que opino que la crítica tiene un papel esencial y que es ella, y hablo de la gran crítica, la que tiene que poner a todos estos fenómenos en su sitio. La crítica me merece un gran respeto y es fundamental en todos los campos".

El nombre de Antoni Tàpies ha estado siempre vinculado a la izquierda y al catalanismo y ahí sigue. "Soy una persona de la izquierda, sin concretar demasiado. Y soy catalán. Por ejemplo, quiero decir que el señor Montilla es un hombre tan humano y apegado a los problemas de Cataluña, que me satisface mucho. Ha venido al estudio, conoce mi obra y se lo agradezco. Pascual Maragall es uno de mis grandes amigos. No sólo es un hombre muy simpático, sino que además tiene grandes conocimientos". ¿Y el presidente Zapatero se ha interesado por su obra? "No. La verdad es que nunca he sabido nada de él".

Ángeles García, Barcelona: "Nunca me he sentido tan libre", El País, 30 de noviembre de 2008

sábado, 29 de noviembre de 2008

Palladio, el eterno contemporáneo

Andrea Palladio fue capaz de interiorizar en sus edificios las reglas de la arquitectura clásica para adaptarlas a su época, apuntando un camino a las construcciones actuales. Una exposición itinerante y la reedición de sus Cuatro libros de la arquitectura lo celebran en su 500º aniversario

Iglesia de San Giorgio Maggiore- Pino Guidolotti

El arquitecto más romano desde el tiempo de los romanos fue, en realidad, un clasicista moderno, el primero que supo extraer una lección de los órdenes arquitectónicos clásicos para reformularlos, depurarlos y adaptarlos a otro tiempo. Andrea Palladio (Padua, 30 de noviembre de 1508-Vicenza, 1580) no fue ni escultor, como Brunelleschi o Miguel Ángel, ni pintor, como Rafael o Vasari. Dedicó toda su energía a construir edificios. Sus obras, que rivalizaron con las de los antiguos, han apuntado, además, caminos a los contemporáneos. Ajustados en alardes y economía, sus edificios son de una sobriedad moderna. Y, sin embargo, constituyen una enciclopedia viva de la antigüedad clásica. La clave está en que consiguió construir con un pragmatismo sublime. Sus villas, iglesias y puentes representan el control que puede tener un arquitecto. En los dibujos de Palladio quedaba todo tan medido que era casi imposible un error por parte de los obreros.

Andrea di Pietro della Góndola heredó el nombre de su padre, un molinero que transportaba harina hasta Venecia por lagunas y canales. El oficio, sin embargo, lo tomó de su padrino, que era cantero. Huérfano de madre, con 13 años comenzó a picar piedra cuando no imaginaba siquiera que llegaría a ser arquitecto. Con 32 años, el aristócrata Giangiorgio Trissino le cambió el nombre. Y la vida. Llegaba de Roma con los planos para levantar una villa diseñada con la ayuda de Rafaello Sanzio, que había muerto prematuramente. De Pallas Atenea (la sabiduría) nacería Andrea Palladio, que ya rebautizado reemplazaría al malogrado Rafael. Trissino y él se harían inseparables. El noble lo presentó en los círculos intelectuales, orientó sus lecturas y condujo su vocación. Además lo llevó a Roma. Copió obras de antiguos y contemporáneos. Ésa fue su universidad. Allí nació, en realidad, Andrea Palladio, el arquitecto que cambiaría la cara de Vicenza, la idea de vivienda renacentista y neoclásica y los monumentos de Venecia.

¿Pero cómo pudo el arquitecto más local entre los grandes convertirse en el más influyente en la arquitectura universal? La moda de combinar cultura y cultivo, a la manera de Boccaccio, cuajó en el Veneto cuando los nobles venecianos trataron de asegurar las fronteras y el abastecimiento de su ciudad cultivando terrenos a los que se podía llegar a caballo en menos de un día. Palladio fue el artífice de esas nuevas viviendas. Su personalidad era tan grande que las variaciones sobre un mismo tema parecían temas distintos. Así, en la villa Pisani construyó por primera vez desde una óptica moderna el frontón triangular, una de sus marcas personales. Combinando elementos, Palladio descubrió que la aplicación de las normas no frena la creatividad, al revés: la reta. Por eso, la idea de controlar la arquitectura fue en este arquitecto más servicio que imposición, puro pragmatismo. Y visión de futuro. La villa Foscari, llamada Malcontenta por la localidad donde se ubica, daba al canal de Brenta, por donde podía llegarse desde Venecia. La mayor de sus villas (Almerico o Rotonda) la encargó un cardenal retirado que regresaba de Roma. El resultado fue un templo clásico, con tanto espacio para pórticos y escalinatas como para el edificio en sí. Completamente simétrica, la villa parece buscar la cuadratura del círculo.

Con todas esas villas, a mediados del siglo XVI, cuando todavía no había levantado sus grandes obras religiosas, la sombra de Palladio estaba ya extendida por todo el Veneto. Por todas partes se construían villas a la manera de Palladio, muchas veces sin Palladio. Había nacido la arquitectura palladiana, el palladianismo, en vida del propio arquitecto. Fuera de Italia, de 1578 data la primera traducción de sus libros, firmada por el español Juan del Ribero Rada, que permaneció inédita, y en 1625, Francisco de Praves tradujo al castellano la primera edición europea del primero de sus Cuatro libros. Se sabe que la edición italiana fue celebrada y que El Greco fue dueño de un original. Felipe II se interesó por las ideas de Palladio para la basílica del Real Sitio de San Lorenzo de El Escorial, pero los ecos de la arquitectura palladiana no aparecerían en edificios españoles hasta que Ventura Rodríguez o Juan de Villanueva firmaron algunos de sus inmuebles neoclásicos en el siglo XVIII. Una centuria antes, pero siempre mucho después de la muerte de Palladio, en el XVII, la sobriedad y el pragmatismo del arquitecto casaron bien con la cultura anglosajona, que lo adoptó como sinónimo del buen gusto. Iñigo Jones se convertiría, durante el XVII, en el apóstol del palladianismo por el mundo anglosajón. Y el tercer presidente norteamericano, Thomas Jefferson, lo llevaría a su propia casa en Virginia. Monticello es una evocación de la villa Rotonda palladiana. En realidad, Palladio, el último arquitecto de la antigüedad, fue también el primero del neoclasicismo dieciochesco y el mejor cimiento de la futura revisión posmoderna. Un hombre nacido en el quinientos, cuando la mayoría de las viviendas occidentales tenía un corte medieval, asentaba además las bases de la sobriedad moderna: la simetría, la contención y la desnudez.

Visitar hoy alguna del más de medio centenar de obras que sobreviven a Palladio (todas en un radio de 50 kilómetros con epicentro en Vicenza) y la gran exposición que reúne en esa ciudad maquetas del arquitecto y lienzos de Tiziano, Veronese, El Greco o Tintoretto da que pensar. Mientras en los grandes foros arquitectónicos se debate el alcance de lo que es o no arquitectura, Palladio demostró que el diseño no es una creación cerebral ajena a los problemas técnicos. Y se esmeró no sólo en resolverlos, también quiso atender a las maneras en que habían sido resueltos antes. En los últimos años de su vida, cuando obtuvo el título de arquitecto de la Serenísima República de Venecia, publicó sus famosos Cuatro libros de arquitectura (reeditados ahora por Akal). "Me ha parecido cosa digna de hombre, que no debe nacer sólo para sí mismo, sino también para utilidad de los demás, el dar a la luz los dibujos de aquellos edificios que en tanto tiempo y con tantos peligros míos he recogido, y poner brevemente lo que en ellos he considerado más digno de interés y, además, las reglas que al construir he observado y observo". Así explica su objetivo en el primero de esos volúmenes en los que luego se ocupa de las técnicas constructivas, de los diseños de las casas, de la arquitectura pública o de los templos romanos de la República y el Imperio.

Son muy pocos los arquitectos que reservan para el final de sus días sus mejores proyectos. San Giorgio Maggiore, frente al palacio Ducal de Venecia; la iglesia del Redentor, en la isla de la Giudecca, y el teatro Olímpico de Vicenza, que terminó pocos meses antes de morir, en 1580, son tres de los palladios más monumentales. En su última década no sólo firmó sus mayores obras, también corrió sus mayores riesgos. Por eso aseguró el futuro del palladianismo, el palladio sin Palladio, que, como los estilos clásicos, llega al mundo cada tanto tiempo para revisar sus cimientos. Durante el pasado siglo, Palladio renació en la obra de grandes modernos y posmodernos como Asplund, Ungers o incluso Moneo. Como el propio Palladio hiciera hace quinientos años, entonces, fueron varios entregados arquitectos los que recurrieron al clasicismo para indagar y asentar la esencia de la modernidad.

Los cuatro libros de la arquitectura. Andrea Palladio. Traducción de Luisa de Aliprandini y Alicia Martínez. Introducción de Javier Rivera. Akal. Madrid, 2008. 507 páginas. 24 euros. Las antigüedades de Roma. Andrea Palladio. Edición de José Riello Velasco. Akal. Madrid, 2008. 223 páginas. 26 euros. Palladio, 500 años: la Grande Mostra.

Palazzo Barbaran da Porto, Vicenza (Italia), hasta el 6 de enero de 2009. Royal Academy of Arts de Londres, del 31 de enero al 13 de abril. Se exhibirá en EE UU en otoño. www.andreapalladio500.it.

Anatxu Zabalbeascoa: El eterno contemporáneo, El País / Babelia, 29 de noviembre de 2008

viernes, 28 de noviembre de 2008

Patrimonio Nacional termina la restauración de la Real Colegiata de La Granja

Patrimonio Nacional ha dado por concluidas las obras de restauración integral de la Real Colegiata de la Santísima Trinidad del Palacio Real de La Granja, mandada construir por el rey Felipe V, celebrando hoy su reapertura con un concierto de música del siglo XVIII.

Coincidiendo con la restauración interior del Palacio Real de La Granja, en 2004, Patrimonio Nacional inició la restauración integral de la Real Colegiata, cuya construcción se inició en 1720, con diseño del arquitecto y pintor Teodoro Ardemans. No obstante, la exquisita decoración interior no se terminó hasta el reinado de Carlos III, cuyo diseño encargó a Sabatini, en 1759, mientras que el pintor y grabador italiano Giovanni Tiépolo realizó las pinturas de la cúpula, repartida con estucos de Juan de Bola y Domingo Brili junto a esculturas de Roberto Michel. La muerte de Tiépolo, en 1770, hizo que Sabatini trasladase el encargo a Francisco Bayeu y Mariano Salvador Maella. La reapertura de la Real Colegiata ha coincidido hoy con el último concierto del III Ciclo de Música en la Casa de las Flores, al que han asistido el presidente de Patrimonio Nacional, Yago Pico de Coaña.

Asimismo se encontraban el alcalde de La Granja, el socialista José Luis Vázquez, y numero público y representantes de la cultura, como el bailarín Ángel Corella, que se ha instalado en esta Real Sitio donde dirige su nueva compañía. En esta Real Colegiata, consagrada a finales por el cardenal Borgia, en 1723, se ha sustituido el solado, además de proceder a la reparación del campanario y de los accesos.

También se ha actuado en la cúpula, bóvedas y techos y se han restaurado estucos, molduras, carpinterías, pinturas y dorados. Los trabajos, cuyo presupuesto no ha sido dado a conocer por Patrimonio Nacional, porque está incluido en el proyecto integral, terminaron con la restauración de retablos y sillerías, el coro, balcones y el púlpito. Asimismo se ha restaurado la Capilla de las Reliquias o Panteón Real, donde reposan los restos de Felipe V e Isabel de Farnesio.

El concierto ha estado dedicado al género musical "cantata de cámara alla italiana", que consiste en una serie de recitativos y arias, que tuvo su auge en España en las postrimerías del siglo XVIII. En el mismo ambiente y quizá música que interpretó Farinelli para felipe V, en 1737, el concierto ha corrido a cargo del contra tenor Gérard Lesne, junto con la clavecinista Violaine Cochard; Eric Belloch, guitarra y tiorba, y Joseba Berrocal al violonchelo barroco.

[Efe, Segovia]: Patrimonio Nacional termina la restauración de la Real Colegiata de La Granja, www.soitu.es, 26 de noviembre de 2008

El David de Donatello se expone tras su restauración a la vista del público

El "David" de Donatello, la obra maestra en bronce del escultor florentino del Renacimiento, volverá a exponerse en el Museo Bargello de Florencia, después de someterse a una restauración de 18 meses que pudo ser seguida en directo por los visitantes de la galería.

La directora del Museo Bargello, Beatrice Paolozzi Strozzi (i), observa el "David" de Donatello durante su restauración en Florecia (Italia).

Las restauración ha permitido recuperar el brillo del oro presente en el bronce, sobre todo en los cabellos, pero también la calidad cromática del metal, aseguran los responsables de la Superintendencia de bienes culturales de Florencia.

Para la limpieza de esta obra maestra, considerada innovadora por su manera de tratar el desnudo masculino, se han utilizado técnicas de vanguardia, a partir de un rayo láser que limaba las impurezas para hacer resaltar las partes doradas y más frágiles.

La operación de limpieza del bronce, de unos 158 centímetros de altura, encargado a Donatello por Cosimo de Medici para decorar el patio de su palacio, fue ejecutada en la misma sala del museo Bargello donde siempre se ha expuesto.

Cada movimiento de los restauradores era capturado por unas cámaras y de esta manera, el público que visitaba la galería florentina podía seguir a través de una pantalla el espectáculo de la restauración de la escultura.

El David de Donatello se expone tras su restauración a la vista del público, www.soitu.es, 26 de noviembre de 2008

miércoles, 26 de noviembre de 2008

Una nueva visión para la Corduba romana

Aunque Séneca (Lucio, para los amigos) se fue pronto de Córdoba. Su regreso ha sido grandioso. El Salón de los Mosaicos del Alcázar de los Reyes Cristianos congregó el 24 de noviembre de 2008 a parte de lo más granado de la cultura y el turismo local en la presentación de La Córdoba de Séneca, una nueva ruta con la que el Consorcio Turismo de Córdoba quiere dar a conocer a paisanos y visitantes los hitos del legado romano de la ciudad. Córdoba está salpicada de los vestigios de una época que, aún habiendo quedado solapada por el esplendor Omeya y a pesar de no destacar arquitectónicamente, subyace con un fulgor propio poco explotado. Precisamente, para devolver el lugar que le corresponde a este periodo, el romano, el Consorcio de Turismo ha puesto en marcha esta nueva ruta, que pretende divulgar la importancia histórica de la provincia en el citado periodo, mediante un recorrido que se circunscribe a los principales hitos patrimoniales y culturales de aquellos años. "¿Otra ruta más?", decía un periodista por la tarde al conocer la iniciativa. Y ciertamente, después de Paseos por Córdoba, la Ruta de Manolete, la Ruta Fernandina, Noches de embrujo o Pasión y Duende del Caballo Andaluz. Entre una decena de ofertas de Turismo Córdoba, además de otros itinerarios turísticos dé diferentes entidades, puede parecer una idea poco original. Pero ni mucho menos es así.

Templo romano de la calle Claudio Marcelo, Córdoba

Para ello, Turismo de Córdoba habilita tres fórmulas: un recorrido individual e independiente gracias al uso del material didáctico de la ruta, un itinerario guiado y permanente para los fines de semana y una visita especializada para grupos por Córdoba y la provincia. Esta ruta, que se pondrá en marcha el día 29 de noviembre, se desarrollará todos los sábados y domingos en horario de mañana para grupos guiados de un máximo de 30 personas. La duración del recorrido será de entre una hora y media y dos horas, y su precio será de 10 euros para adultos y 5 para niños de menos de 12 años.


El recorrido arranca en el Alcázar de los Reyes Cristianos, que conserva una de las colecciones de mosaicos romanos más importantes de la ciudad, encontrados en la plaza de la Corredera. En este emplazamiento se guarda también un sarcófago del siglo III d. C. hallado en julio de 1958 en las excavaciones de un solar en la Huerta de San Rafael. A continuación, la ruta continuará con una vista panorámica del Puente Romano. Si bien es cierto que de aquella época tan sólo conserva el nombre y su emplazamiento, también cabe destacar que ninguna de las reformas a las que ha sido sometido transformó su fisionomía original. El paseo continúa por los miliarios del Patio de los Naranjos y de la calle Encarnación. Estos grandes bloques de piedra, que marcaban las distancias entre ciudades, han resultado fundamentales para la reconstrucción de toda la red viaria que desarrollaron los romanos. La visita se prolonga en el Museo Arqueológico y Etnológico, cuya planta baja está dedicada al periodo histórico que ocupa a la ruta. Entre los restos más destacables, se encuentran los del teatro situados bajo el palacio renacentista que alberga al mismo museo y cuya reproducción en una maqueta es la primera pieza visible. Además, se recorrerá la plaza Séneca, en la que se encuentra una de las pocas estatuas romanas que están a la vista del viandante, y que durante la República y el Imperio fueron uno de los ejes fundamentales de la monumentalización de Corduba. No podía dejar de lado al templo de la calle Claudio Marcelo, uno de los monumentos que mejor permite visualizar al paseante la magnificencia del pasado romano. Fue edificado para adorar al emperador convertido en divinidad y considerado como protector de la ciudad. La visita continuará accediendo a la exposición permanente sobre los ritos funerarios ubicada en el Mausoleo de los Jardines de la Victoria. Para finalizar, se está estudiando la posibilidad de visitar el yacimiento arqueológico de la reconstrucción de una cloaca romana recientemente puesto en valor en los sótanos de un bloque de nueva construcción frente al parque Juan Carlos I.


Mausoleo romano de Puerta Gallegos, Córdoba


Para aquellos que deseen realizar el recorrido de forma individual, con el uso del material didáctico y divulgativo de la ruta y a información que éste contiene, podrán escoger los hitos que deseen visitar. A los ya citados, se suman otros muchos, como la casa romana del Bailío, en la calle Ramírez de las Casas Deza. Una casa de aquel periodo que próximamente será recuperada para hacerla visitable, y que actualmente se puede vislumbrar desde uno de los patios del hotel, a través de su pavimento transparente. Existen otros lugares de interés. A unos tres kilómetros de la capital, en la carretera 432, es decir, sobre lo que en el siglo I era la vía que conectaba Corduba con Emérita Augusta, la actual Mérida, se encuentran las canteras romanas de Peñatejada. Se trata de un yacimiento que apenas ha sido estudiado por la Arqueología y que, sin embargo, ofrece una clara imagen de cómo debieron ser las explotaciones mineras en la época romana. En la provincia, municipios como Almedinilla, Montoro y Puente Genil, entre otras, conservan restos de aquellos años en los que Córdoba logró convertirse en capital de la Bética.


El catedrático de Historia Antigua de la Universidad Complutense, Julio Mangas, fue el encargado de dar el respaldo científico al nuevo producto que el Consorcio de Turismo ha organizado; Mangas hizo un recorrido por el destacado papel que tuvo Córdoba dentro del Imperio Romano o la importancia de la figura de Séneca, cuya "obra e influjo llegó hasta la Edad Media". Mangas ya daba como consolidada la ruta y propuso aprovecharla para promocionar la obra de Séneca. "Es una ruta de la felicidad", dijo de la iniciativa del Consorcio de Turismo, recordando el escrito de Séneca "De cómo ser feliz y vivir mucho tiempo". Lanzado, Mangas abogó por leer al filósofo estoico y hacer la ruta de La Córdoba de Séneca como una forma de "llegar a una felicidad, que además es barata y no se toma en pastillas", dijo ironizando sobre los tiempos actuales. Lo dicho: el paisano Lucio está de vuelta para darse un garbeo. Y llega con ganas de marcha. Está máxima está, no obstante, muy alejada del tópico de que el estoicismo propugnaba una forma de ser doliente y pesimista. A partir de ese momento, todos los intervinientes hicieron suyo este lema. Del mismo modo, Julio Mangas comentó que una iniciativa de este tipo "es el resultado de una madurez cultural", cuando se comprueba que los regadíos, la arquitectura urbana con los patios, el abastecimiento de agua o la lengua "son de origen romano y no árabe". Por tanto, el catedrático de la Complutense quiso romper lugares comunes y dar el mérito que tienen los romanos en la conformación de las bases de la sociedad occidental, pese a que algunos méritos se le han atribuido al periodo de dominación islámica. "Los árabes sólo dieron cuatro retoques y pusieron un poco de escayola", añadió.

Davinia Delgado, Córdoba: Séneca enseña la Corduba romana, ABC, 25 de noviembre de 2008
Juan M. Niza, Córdoba: De marcha con Séneca, Diario Córdoba, 25 de noviembre de 2008
J. Cabrera: Una ruta turística "para ser feliz y poder vivir mucho tiempo", El Día de Córdoba, 25 de noviembre de 2008

martes, 25 de noviembre de 2008

La mejor colección de arte islámico, en Qatar

¿Qué puede unir en medio del Golfo Pérsico a personajes tan dispares como el presidente sirio, Bashar Asad, el actor Robert de Niro y el ex primer ministro galo Dominique de Villepin? Por supuesto, una inauguración de lujo.

Museo de Arte Islámico de Doha. (Foto: K. Jaafar)

Museo de Arte Islámico de Doha. (Foto: K. Jaafar)

Ajenos a la crisis que empuja a parte del mundo hacia la recesión, los países del Golfo continúan su agenda de fastos y espectáculos como si el precio del barril del petróleo no se hubiese desplomado.

Tras celebrar la 'fiesta de la década' con motivo de la apertura de un hotel de cinco estrellas el pasado viernes en Dubai (Emiratos Árabes Unidos) el sábado le tocó el turno a Qatar, donde se organizó otro memorable espectáculo de fuegos artificiales para inaugurar el Museo de Arte Islámico, una de las colecciones, según los expertos, más impresionantes del mundo en cuanto a objetos artísticos de la civilización musulmana se refiere.

La fiesta contó con 1.000 invitados, entre ellos líderes políticos como sheikh Khalifa bin Zayed, el presidente de Emiratos, artistas árabes de la talla del libanés Marcel Khalifé y el iraquí Nasser Shaama, actores de Hollywood y otras caras conocidas agrupadas en torno a la figura de Sheikh Hamad bin Khalifa al Thani, el emir del Estado de Qatar y promotor de la idea junto a su hija, sheikha Al Mayassa bent Hamad bin Khalifa, a la sazón responsable de la Autoridad de Museos de Qatar.

"El museo, que es una muestra poco común de la riqueza de la historia islámica, servirá como centro cultural para los países de la región", se congratuló el presidente de EUA durante la inauguración, según recogió la agencia estatal WAM. "Pone de relieve los valores de la civilización musulmana y el papel de ésta en la aproximación a otras culturas y valores humanos", destacó por su parte Mayassa. "Queremos mostrar que el Islam es una civilización pacífica, que siempre ha llamado a la tolerancia y a la cohabitación entre los pueblos, que es una religión de tolerancia y conocimiento y no de terrorismo", añadió.

De hecho, el museo está concebido, en parte, como excusa para el diálogo y la promoción del islam. A la exposición, que podrá ser visitada a partir del 1 de diciembre, se añaden una biblioteca y un pabellón académico donde se impartirán a partir del próximo enero conferencias sobre arte, historia y civilización islámica, y que espera convertirse en un centro internacional de estudios islámicos.

El arquitecto Ieoh Ming Pei. (Foto: IBERPRESS)

Edificio de lujo

El edificio que alberga las instalaciones, situado en una isla artificial levantada a 60 metros del paseo marítimo de Doha, es de por sí una obra arquitectónica reseñable. Diseñado por el ganador del premio Pritzker 1983, el nonagenario arquitecto norteamericano de origen chino Ieoh Ming Pei, la construcción –que ha costado 300 millones de dólares- evoca una de sus más aclamadas obras, la Pirámide del Louvre en París, pero también recuerda un castillo de arena al más puro estilo arabesco. Pei encontró la inspiración en la fuente para abluciones de la mezquita cairota de Ibn Tulum, del siglo IX, entre otros edificios.

Sus cinco plantas distribuyen 35.000 m2 donde se exponen 800 valiosos objetos recogidos en tres continentes, desde España hasta India, muestra de la riqueza de la civilización musulmana desde el siglo VII (cuando aparece el Islam) hasta el siglo XIX. Los fondos del museo, sin embargo, ascienden a 4.500 obras de las cuales no se expondrán más de 800 a la vez.

Entre las piezas figuran manuscritos, cerámicas, muestras de la caligrafía islámica, astrolabios, textiles y piezas talladas en cristal, madera, marfil o metal y piedras preciosas, entre ellas 42 colosales piezas maestras que ya fueron exhibidas en el Museo del Louvre de Paris en junio de 2006.

Pero, ¿de dónde ha salido toda la colección, habida cuenta de que Qatar carece de yacimientos arqueológicos ni albergaba otros museos reseñables hasta la fecha? Cuentan que la familia real de Qatar, los Al Thani, comenzaron a adquirir las piezas hace algunos años. Lo hicieron en las subastas europeas a golpe de dólar, dejando estupefactos a los coleccionistas que veían cómo la cotización de las piezas islámicas se disparaba.

Ya habían encargado el proyecto del museo a Pei y necesitaban rellenar el colosal edificio. Y el resultado es, a juicio de los especialistas, sorprendente. "La colección no es muy grande en comparación con el Louvre o el Metropolitan, pero la calidad es increíble. Puede competir con las mejores colecciones del mundo", señalaba al Financial Times el antiguo director del Museo Victoria y del Museo Albert de Londres, Oliver Watson.

Mónica G. Prieto, Beirut, La mejor colección de arte islámico, en Qatar, 24 de noviembre de 2008

lunes, 24 de noviembre de 2008

Arte ¡moderno! indio

Para romper el mito de que el mejor arte indio es el clásico y para convencer al público que aún lo necesite de que hay una activa escena artística moderna en la India, se ha celebrado la Indian Art Summit (Cumbre del Arte Indio). En su segunda edición, se ha convertido ya en el más importante escaparate del arte indio actual. "Me sorprende que un occidental no esperase encontrar videoarte hecho en la India. El Taj Mahal está muy bien, pero desde entonces hemos seguido evolucionando y expresándonos, ¿sabe?". Quien habla es uno de los artistas que han mostrado su obra en la feria. Ha expuesto en galerías de Nueva York, Amsterdam y Bangalore y dice que sus clientes son "inversores ingleses y chinos inteligentes, sobre todo".

Arte indio y modernidad no son dos conceptos que normalmente se asocien. Pero aunque muchos piensen que esta cultura milenaria vive de las rentas de su pasado esplendor, existe una generación que desde los años noventa explora, muestra y vende su arte en todo el mundo. Nombres como Pratul Dash, Alok Bal o Priyanka Gupta gozan ya de un peso específico en las subastas y galerías londinenses o neoyorquinas. Y dicen los entendidos que son, además valores en alza. "Especializarse en arte indio moderno es algo así como aprender a hablar chino. Hace 10 años era una excentricidad, pero ahora todos quisieran haberlo hecho antes. Lo mejor es que aún no es tarde", dice Renu Modi, una galerista de Nueva Delhi. El corrillo a su alrededor asiente y bromea diciendo que eso es cierto desde hace años, y que hoy día ningún inversor en arte que se precie puede permitirse pasar por alto la India.

La India, que será el país protagonista en la edición de ARCO del año que viene, despierta en Europa una expectación creciente que está justificada por los resultados: hace cinco años, el valor de todo el arte subastado en el país apenas llegaba a los cuatro millones de euros. En lo que va de año se han sobrepasado ya los 120. Y según los expertos, el valor medio de una obra de aun artista reconocido ha triplicado su precio en ese período. Dado el éxito alcanzado en la presente edición, los organizadores prevén triplicar todas las cifras en 2009. Además, la convocatoria se ampliará a artistas de otros países. Según erá una experiencia muy enriquecedora para los creadores indios ya que, dice Modi, "estamos acostumbrados a mezclar nuestra cultura con otras, a transformarnos aprendiendo de los demás".

Ambika Soni, ministra india de Cultura

El mercado del arte en la India es el cuarto del mundo y mueve ya 250 millones de euros. En la muestra de Nueva Delhi se han dado cita artistas de todas las disciplinas representados por unas 60 galerías. Un vistazo a algunas de las más de 500 obras presentadas basta para comprobar que si la milenaria cultura india cautiva aún a occidente, el arte indio emergente es excitante, sugerente... y moderno.

M.A. Gayo Macias, Nueva Delhi: Arte ¡moderno! indio, El Mundo, 22 de noviembre de 2008

domingo, 23 de noviembre de 2008

Toda una 'performance' de premio

El arte puede ser tan efímero que no deje huella. Es el caso de muchas de las performances que Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) realizó en las décadas de los sesenta y setenta. "De esa época tengo poquísimo material. Y no me importa nada", dijo ayer la artista desde París, donde reside desde más de tres décadas, horas después de saber que el Ministerio de Cultura le había concedido el Premio Nacional de Artes Plásticas por "su relevante trayectoria artística, especialmente en la performance". El galardón, dotado con 30.000 euros, premia "su fidelidad en este ámbito", que ha tenido "especial incidencia en generaciones más jóvenes a partir de su actividad pedagógica". También valora "su continuada presencia internacional".

Eurorretrato, de Esther Ferrer

Ferrer, que estudió Periodismo y pertenece a la primera promoción de asistentes sociales de España, se define "autodidacta" como creadora. "Yo no decidí ser artista. Desde que recuerdo siempre me interesó el arte en general, la música, la pintura, todo". Pero, ¿por qué decidió Ferrer convertirse en artista de performance? Un día de 1967, por mediación del artista José Antonio Sistiaga, conoció al grupo de artistas de vanguardia ZAJ, que había sido fundado tres años antes por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. Un colectivo que trabajaba la performance y que suscitó la desconfianza de las autoridades franquistas de la época.

Su filosofía era un eco de la de Fluxus, el movimiento internacional creado por George Maciunas en 1962 y que reunió a artistas, músicos y performers que se inspiraban en los principios dadaístas y en la estela de Marcel Duchamp. Ferrer siempre cita al músico John Cage como otra de sus grandes referencias. Su aspiración, como la de los artistas de su generación que comulgaron con todas esas influencias, era el arte por el arte, libre de ataduras políticas, institucionales e incluso de las de la propia tradición artística.

Esa autonomía, espejo de un espíritu anárquico que aún hoy en día reivindica -"felizmente"- Ferrer, supuso que durante mucho tiempo no pudo vivir de su arte: "Yo he tenido que ganarme la vida traduciendo o escribiendo colaboraciones en medios como EL PAÍS o en revistas como Lápiz", señala. Confiesa que también pintó muchas paredes en París, pero como "pintora de brocha gorda". "Yo produzco relativamente poco y no me gusta exponer, me gusta más trabajar en mi taller y, además, la performance no da dinero. Durante mucho tiempo mi trabajo me costaba más de lo que me generaba".

Muchos artistas de performance guardan registros de vídeo o fotográficos de sus acciones, un material que luego sale al mercado como un subproducto que contribuye a redondear los ingresos del artista. No es el caso de Ferrer: "Los artistas americanos y alemanes de mi época ya documentaban sus performances, pero nosotros vivíamos en una cultura pobre y no había nadie para hacer la foto". La artista puntualiza que no tiene nada en contra de ellos, sino de los que buscan directamente la foto y olvidan su "responsabilidad" como artistas.

La performance, en palabras de Ferrer, es el arte que combina el tiempo y el espacio con la presencia de un público que no es un mero espectador, sino que también participa en la acción. "Una performance es una situación polimorfa que se crea en un momento dado, que empieza y nunca se sabe cómo se va a desarrollar".
En los últimos años, la escena artística ha visto un resurgimiento de esta forma de expresión. Pero en los sesenta y setenta, la performance tenía una enorme carga crítica, reivindicativa. ¿Queda espacio para ello en la actualidad? "Los tiempos han cambiado y esta sociedad tiene una capacidad tremenda para institucionalizar las cosas y eliminar su capacidad subversiva. Pero sigue habiendo espacio para la transgresión. El hecho de que hagas una performance en una institución no significa que uno se venda porque siempre puedes sobrepasar los límites que te imponga", asegura. "Vivimos en democracias con muchas comillas pero cada vez estamos más adormecidos. Antes sabíamos dónde estaba el enemigo. Ahora todo es más confuso, más frágil, la gente tiene más angustia por subsistir y lo único que quieren es seguridad. Y eso es muy peligroso".

Ahora, Ferrer ha aparcado por un tiempo sus performances y trabaja en su próximo proyecto, una exposición que presentará en la galería Lara Vincy, de París, en la que -se resiste a revelar más detalles- mostrará "trabajo plástico", antiguo y reciente.

Isabel Lafont, Madrid: Toda una 'performance' de premio, El País, 22 de noviembre de 2008

sábado, 22 de noviembre de 2008

Operación quirúrgica en el templo (la catedral de sevilla)

"Fagamos una obra tal e tan grande que los que la vieren acabada nos tomen por locos". Así lo proclamaron en la Edad Media las personas que decidieron construir la catedral de Sevilla. Si creían al pie de la letra lo que decían, lo cierto es que equipararon la demencia con la maravilla, la pérdida de la razón con el estallido de la belleza. El resultado fue la catedral gótica más grande del mundo. Una mole misteriosa dotada de las características de un ser vivo.

Un momento de la reconstrucción de los pilares en el trascoro de la catedral de Sevilla


Los trabajos para sustituir dos pilares del trascoro de la catedral -una verdadera operación quirúrgica de extraodinaria complicación técnica- han enriquecido con nuevas historias la atmósfera que envuelve este templo. Las obras, que comenzaron en 1995 y concluirán en verano, cuentan con un presupuesto cercano a los dos millones y medio de euros, y están en el centro de una urdimbre de realidades científicas que rozan el terreno de lo legendario. El motivo de la sustitución de los pilares C4 y C5 del trascoro fue la evidente merma en su capacidad de resistencia. Tras el costoso proceso, la nueva piedra podrá aguantar hasta 300 kilos por centímetro cuadrado, cuando antes aguantaba sólo 30 kilos.

"La estructura de la catedral inspira y expira una vez al día según la temperatura con una variación de tres centímetros", explica el arquitecto Alfonso Jiménez, maestro mayor de la catedral y profundo conocedor de todos los rincones del templo y un enamorado de sus sombras y silencios. "Cuando hace calor, la catedral es tres centímetros más alta. Nuestras operaciones [de sustitución de los dos pilares] se inician con el día para aprovechar la subida como si fuera una ola. La catedral respira una vez al día", comenta Jiménez, que cierra los ojos al contarlo con el regusto de un surfista australiano que sueña con el momento de su vida. Los arquitectos saben que todos los materiales se dilatan con el calor. En función de su composición, unos aumentan más que otros. Así, el acero se dilata mucho. La piedra, por contra, es de los materiales que menos se dilatan. La dilatación es también proporcional al tamaño del material. Una pieza de un metro se dilata más que otra que mide medio metro. Un crecimiento de tres centímetros es perfectamente razonable en una estructura tan enorme como la de la catedral. El hecho científico da paso a la poesía de una respiración que se inició en la primera mitad del siglo XV cuando comenzó su construcción. La cadencia respiratoria de los seres vivos es variable hasta el infinito. También hay seres que dejaron hace mucho tiempo de vivir. El templo sevillano se asemeja a ellos: "La catedral es un ser vivo gigantesco, lo más parecido a una especie de gran dinosaurio. Yo veo la catedral como una cosa inmensa, viva, que se mueve continuamente", agrega el maestro mayor.

La catedral -Jiménez recalca que es "la más extensa del mundo"- depara novedades a los conocedores más avezados. "La catedral da todos los días una sorpresa, habitualmente agradable. Nunca se acaba de conocerla", dice. El recuerdo de los arquitectos medievales y renacentistas que la levantaron y perfeccionaron se esconde entre sus claroscuros. Jiménez paladea el placer de andar solo por la catedral de noche. "Cuando estoy solo, la salida a la catedral es un momento impresionante. El aire es denso y está lleno de historia", afirma Jiménez.

La complicada sustitución de los dos pilares consta de dos fases. La primera contó con un presupuesto de 1,1 millones de euros y se extendió entre 1995 y 2006 bajo la batuta del Cabildo. En esos años se llevó adelante un proceso de estudios, zunchado (reforzamiento con abrazaderas) y apeo (apuntalamiento de una obra). La segunda fase, que es la que afecta directamente a la sustitución de sillares (piedras labradas), se inició en 2006 con el apoyo del Ministerio de Cultura. Su presupuesto se eleva a 1,3 millones de euros. Junto a Alfonso Jiménez, la dirección de obras está a cargo de los ingenieros José Luis Manzanares y Antonio Molina. "Hemos dividido cada pilar en tres pisos y cada piso en 16 porciones. Hemos ido trocito a trocito, piso a piso", asevera el maestro mayor. Los dos pilares se construyeron hacia 1435 o 1436. El maestro Carlín dirigió la obra. Las piedras se trajeron desde una cantera de El Puerto de Santa María (Cádiz). Está previsto que las obras terminen el próximo 31 de agosto. Ese día, la catedral de Sevilla seguirá respirando como un dinosaurio de piedra..., aunque con dos nuevos pilares en el cuerpo.

Santiago Belausteguigoiti, Sevilla: Operación quirúrgica en el templo, El País, 22 de noviembre de 2008

jueves, 20 de noviembre de 2008

Lo absurdo de la coherencia. Una humilde opinión sobre la cúpula de Barceló

No soy un especialista en pintura. Es un arte que se rige por sus propias leyes autónomas y autorrefenciales que, a diferencia de la arquitectura, no necesita hacer malabarismos dirigidos a hacer concordar su estructura interna con la exigencia social que la obliga. Esa libertad, contra lo que parece opinarse en forma generalizada (lo digo por la facilidad pasmosa con que cualquiera emite juicios vehementes, basados exclusivamente en su supuesto 'gusto' personal), restringe de manera drástica las valoraciones auténticamente provechosas. Por lo tanto, con mucha humildad y como simple 'aficionao', daré mi opinión telegráfica con respecto a la cúpula de Barceló:

Así se hizo la cúpula de Barceló, en La 2.


  • No soy en general un fan demasiado devoto del mallorquín.
  • En los tiempos que corren, percibo un cierto anacronismo en la expresión 'pintar una cúpula'. Casi un oximoron temporal. No sé si estamos ya para acometer algunas empresas que en su propia definición parecen pertenecer a otra época histórica.
  • Por otra parte, liberarse de la constricción de plano del cuadro, proporcionándole volumen y textura, constituye, en la pintura sobre un soporte tradicional, un lienzo o una tabla, una transgresión innovadora y provocadora de la contemporaneidad. Sin embargo, aplicada sobre lo arquitectónico, sobre una cúpula, se acerca mucho más a la escultura ornamental (en el mejor de los casos) o a la decoración falsa de cartón-piedra (en el peor). Ambas operaciones no son precisamente novedosas ni en arte ni en arquitectura.
  • El espectáculo del proceso de ejecución de la obra que emitió la 2 [sobre estas líneas] fue fascinante. Ver al mito del artista solitario, atormentado e introspectivo, rodeado de un ejército de vulgares especialistas de las más diferentes áreas, armado con su pistola de paint-ball, disparando compulsivamente a su lienzo de 1.000 m2 para señalar la posición exacta de cada una de sus estalactitas es una de las imágenes más contradictorias que he visto. Llevar a su límite escalar máximo las técnicas de la pintura tradicional ha provocado situaciones que podrían ser descritas indistintamente como chiste o como insuperable acción artística contemporánea: investigación alquimista, pero a lo bruto, de las propiedades físicas diversos materiales con apariencia de engrudo; replanteo general de la obra con pistola de paintball manejada con una destreza y velocidad propia del oeste americano; aplicación de primera mano de pintura con pistola y compresor de astillero naviero; vertido de capa gris unificadora mediante bomba de hormigonado, ejecutada por el pequeño artista mallorquín, que se ve frecuentemente zarandeado por la potencia de la manguera impulsora; toques finales de blanco espumoso aplicado de nuevo por Barceló con una clásica escoba de bruja de Halloween.
Solamente por el esfuerzo e ingenio demostrado por el artista para conseguir expandir sus métodos de trabajo tradicionales a una escala tan descomunal, ha merecido la pena. Barceló necesita el contacto directo con el material, la experiencia directa y corporal con la ejecución de su obra. En un esfuerzo titánico de coherencia personal, ha tenido que recurrir a una tecnología paradójicamente antagónica y a elementos manifiestamente fuera de escala. Como digo, el proceso de la obra me parece un magistral ejercicio de fidelidad a sí mismo, aunque por ello se sitúe muy cerca del límite de lo absurdo.

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Vista general de la Sala XX del Palacio de la ONU con la cúpula diseñada por Miquel Barceló, en Ginebra.

Lamentablemente, no he podido visitar la obra en directo. Si en televisión y fotografía el resultado ya parece atractivo, estoy convencido de que en directo será impresionante. A partir de una escala, todas las obras adquieren un valor añadido enorme en razón exclusiva de su descomunal tamaño absoluto (valor que en algunos casos llega a ser exclusivo). Pienso por ejemplo en el trabajo de Christo, o las arañas gigantes de Louise Bourgeois.

Se me olvidaba. Lo de los dineros. Solamente dos cosas. La primera y más importante: aunque a muchos les moleste, el dinero no es la medida de todas las cosas. Y mejor nos iría si lo fuera todavía de menos. Y la segunda: si toda la operación ha costado 20 millones de euros, me parece barato. Me explico: Si son 1.000 m2, esto supone un coste total de 20.000 euros/m2. Todo el acondicionamiento interior de una sala dotada con la más alta tecnología, acabados e instalaciones, no se realiza, tirando muy por lo bajo, por menos de 3.000 euros/m2. Con lo cual nos restan, como mucho, 17.000 euros para comprar un Barceló de un metro cuadrado. ¡Menos de tres millones de las antiguas pesetas! Un chollo para cómo se cotiza la obra de mallorquín.


*Diego Fullaondo (arquitecto y uno de los directores del estudio IN-fact arquitectura): Lo absurdo de la coherencia, www.soitu.es, 20 de noviembre de 2008

miércoles, 19 de noviembre de 2008

El arte de Barceló acalla las críticas

Treinta y cinco mil kilos de pintura suspendidos en el aire: agujeros, estalactitas, olas, colores maravillosos. Desde abajo, el punto de vista cambia a cada paso. El mar, una cueva, un mensaje de esperanza. La obra es tan grande que resulta inabarcable para la mirada. La gente estaba entre embrujada y entusiasmada. Miguel Zugaza, director del Museo del Prado, definió la pieza como "la más importante de Barceló y el mejor proyecto público cultural realizado por España en varias décadas".

Mientras otros seguían hablando de dinero, la pieza empezó a lanzar al mundo sus metáforas: riesgo, solidaridad, innovación, diálogo, multilateralismo real, más derechos humanos. Arte grande, lleno de propuestas y de símbolos: una perita en dulce para cualquier Gobierno capaz de comunicar las cosas de forma razonable. No para éste, que después de tener el acierto de apostar por donar una "obra única" (como la llamó el presidente Rodríguez Zapatero) se enredó en una polémica perfectamente evitable.

La pieza de Miquel Barceló para la Sala XX del Palacio de las Naciones de Ginebra, que desde ahora será Sala de los Derechos Humanos y la Alianza de Civilizaciones, tuvo una puesta de largo deslumbrante. Los Reyes, don Juan Carlos y doña Sofía; el presidente Zapatero, y el ministro de Asuntos Exteriores, Miguel Ángel Moratinos, presidieron el acto junto a Ban Ki Moon, secretario general de la ONU; Tayyip Erdogan, primer ministro turco e impulsor con España de la Alianza de Civilizaciones, y el presidente suizo, Pascal Couchepin. Hubo más de 700 invitados, mucha gente se quedó de pie, y acudieron también los empresarios que han aportado fondos privados, un nutrido grupo de dirigentes de la Comunidad Balear y 40 amigos del artista.

Barceló no se sentó en la mesa y tampoco esta vez se puso corbata. Cuando le tocó hablar, se limitó a leer un texto breve y exquisito sobre la cúpula. En francés, mallorquín y español, por ese orden y aunque había traductores. Luego se proyectó el vídeo de Agustí Torres que narra el proceso de producción de la obra, y una larga ovación reconoció al artista su titánico trabajo. "Más que con la Capilla Sixtina, la cúpula tiene que ver con otras capillas maravillosas, como las de Manet o la de Rothko, y sobre todo con Altamira", explicó Miguel Zugaza. "A Barceló siempre le ha gustado mucho ese mundo. Está en la tradición moderna que representa no el poder sino la diversidad del mundo y la ciudadanía. La obra será muy importante para él y para el siglo XXI. Y es la mejor proyección posible de la modernidad española".

Desde Malí llegaron los amigos del País de los Dogon, donde vive Barceló en invierno. Amon y Amassayu Dolo eran de largo los más elegantes de la fiesta, y dijeron que la cúpula les recordaba a la gruta sagrada de su tribu. "Cuando me muevo al mirarla me sugiere frases y diálogos. Nuestra gruta tiene raíces de árboles. Es sagrada porque allí es donde está el agua. Cuando no hay agua tenemos que hacer sacrificios de animales", contaba Amon. Del arte español estaban Soledad Lorenzo, Elvira González, el catedrático y patrono del Prado, José Milicua, y el profesor Ybars, entre otros. La galerista italiana Pilar Corrias, que la semana próxima inaugura una muestra de acuarelas marinas de Barceló en Londres (precios: de 35.000 euros a 200.000), subrayaba que la polémica sobre la financiación de la obra ha olvidado un factor esencial: "No hay más de cuatro o cinco artistas en el mundo capaces de enfrentarse a un espacio así. Sólo Miquel y un par más podrían haber hecho frente a eso". El escritor guatemalteco Rodrigo Rey Rosa, autor del libro que narra los nueve meses de faena en Ginebra, cree que su amigo Miquel Barceló dedicará una parte de sus honorarios a proyectos de cooperación. "Estoy seguro de que lo destinará, como siempre ha hecho de manera privada, para ayudar a los países africanos".

El pintor calla. Está harto de una polémica que considera arbitraria y estrambótica. Su caché en Ginebra, siendo el pintor español más cotizado del momento, anda en torno a los seis millones de euros, menos de un tercio del coste total de la obra, dijeron a este diario fuentes cercanas al pintor. Si se compara con lo que valen sus obras en el mercado, es una cifra casi ridícula. Pero él está dolido y ha elegido el silencio. Quizá así contagie a esas almas que se han escandalizado ante el costo de una obra que, desde ayer, es ya historia del arte. Y quizá así el Gobierno aprenda a explicar con naturalidad cómo se gasta el dinero público.

Paseando bajo los 1.400 metros cuadrados de emoción creados por Barceló en Ginebra, lo primero que se viene a la cabeza es que pocas veces un Gobierno habrá invertido en un proyecto cultural con tanto criterio como ésta. El sargento de las fuerzas de seguridad de la ONU Elías Sabalo, nacido en Luarca y emigrante en Suiza desde hace 33 años, observaba ayer la cúpula lleno de satisfacción. "Es estupendo, sensacional", decía. "Ahora lo que hace falta es que la sala funcione y mejoren los derechos humanos".

Miguel Mora, Ginebra: El arte de Barceló acalla las críticas, El País, 19 de noviembre de 2008

lunes, 17 de noviembre de 2008

El románico según Peridis

La vida de José María Pérez González, Peridis, transcurre entre dos trazos. Los finos y etéreos que imprime a sus viñetas y el gordo, pesado, de la piedra que asienta una de sus obsesiones: el arte románico. Todos los días dedica unos minutos a dibujar las cuitas de la vida política nacional y un tiempo a recuperar los restos de un arte secular y algo maltratado por el desprecio y los expolios. Así ha logrado completar, liderando un equipo de 500 investigadores, 30 volúmenes de la Enciclopedia del románico en la península Ibérica, editados por la Fundación Santa María la Real, que él fundó y preside. Casi el ecuador de una obra total de 72 en los que se emplearán 25 años de labor. La tarea de una vida .

Iglesia en Aguilar de Codés- FUNDACIÓN SANTA MARÍA LA REAL

Al César lo que es del César y a Dios lo que es de Dios, podría ser el lema de Peridis para muchas cosas. Y el de Miguel Ángel García Guinea, eterno profesor, sabio del románico que ha dirigido junto a él esta obra monumental, también. La obsesión empezó en la infancia en el caso del primero: "Cuando de niños jugábamos en el monasterio de Aguilar de Campoo -el que luego daría nombre a la fundación- y pateábamos el claustro donde había un cartel que ponía "Prohibido el paso". Quizá por un impulso del inconsciente, se le metió en la cabeza tirar esa barrera, convertir los cotos vedados en algo accesible.

"El románico es una seña de identidad", asegura el impulsor de un proyecto que se presenta hoy en la sede del Instituto Cervantes. "Es un arte que unifica Europa, desde Oslo hasta el Mediterráneo. Todo el territorio está marcado por él", comenta. Sellada por los arcos de medio punto, la arquitectura de muro y bóveda que mira siempre a Roma, Europa fue adquiriendo un rostro entre el equilibrio de sus piedras. Y dentro del continente, tres países cuentan con el patrimonio más rico: Italia, Francia y España. Por ahí se fueron esparciendo sus implantadores: las órdenes de Cluny y los benedictinos.

"San Benito de Nursia organizó nuestra vida. Nos obligó a madrugar, a dedicar tantas horas al trabajo, a la comida y al descanso. Ordenó nuestra vida hasta hoy", afirma Peridis. Sus seguidores continúan, junto a los cistercienses, todo un método y una cultura que vertebra el continente: "Implantan la eficiencia del cultivo, la despensa, los horarios, las bibliotecas...".

Construyen iglesias, monasterios y puentes, y contagian un estilo para la arquitectura civil. "En España existen más de 9.000 testimonios románicos. De ellos, unos 4.000 están en Cataluña, la región con más riqueza románica. Le siguen Castilla y León, La Rioja, Navarra, Asturias, Cantabria, Galicia, Madrid, Castilla-La Mancha y toda la franja norte, el mapa que queda tras la batalla de las Navas de Tolosa, en 1212".

Una huella que deja su paso fundamental en la iconografía y el alma europea durante 250 años aproximadamente. "Del 1020 en adelante, más o menos". Un arte que hoy requiere una tarea heroica de restauración del patrimonio que la Fundación Santa María la Real también ha abordado con escuelas taller. Es fundamental no destruir más de lo que se ha perdido. "Aproximadamente un 30% de lo que había. Podrían existir unos 12.000 testimonios en España". El resto quedó destruido, cuando no vendido o robado por el expolio. "Los principales males del románico han sido la quema de iglesias en bienes inmuebles durante la guerra y el expolio en el mobiliario. Erik el Belga hizo varias incursiones por aquí", comenta Peridis. Además de alguna cosa tan patética como folclórica: "La venta de monumentos a magnates estadounidenses. William Randolph Hearst compró el monasterio de Sacromenia (Segovia) y la iglesia de Fuentidueña". Total, para que la primera quedara abandonada en un muelle de Nueva York y acabara en California como un sitio pintoresco donde celebrar bodas y bautizos. De escándalo.

La Enciclopedia es un paso fundamental en la estrategia de esta ofensiva de recuperación. La obra es un trabajo científico, pero también de divulgación. Realiza un inventario, pueblo a pueblo, de absolutamente todos los restos románicos en cada región. "Hemos querido ponerlo en valor para que vuelva a recuperar vida. Se trata de investigarlo, restaurarlo y llevar a cabo un proyecto de animación cultural. Darle contenido, utilizarlo, además de para la liturgia, para exposiciones, conciertos", asegura el arquitecto. "El románico es un arte enclavado en el paisaje. La pureza de sus volúmenes cuadra perfectamente en el espacio donde se asienta". Es un arte para el campo y los pueblos, en contraposición al gótico, que es completamente urbano. Eso lo convierte en un potencial para buscadores con mochila y vara de caminante. Una fuente sutil de riqueza en la época dorada del turismo rural.

Por no hablar de lo que ha supuesto de inspiración para las vanguardias. "Podemos verlo a través de los ojos de Picasso; muchas de sus figuras, de sus formas, son completamente románicas", afirma Peridis. Además de un curioso precedente del cómic: "En las esculturas de los capiteles, de los pórticos, los maestros cuentan cada historia bíblica y juegan con motivos eróticos muy explícitos. Son obras maestras, buscan el juego a través de la luz y la sombra". En ellos se esconden todo tipo de monstruos, arpías, brujas, dragones, santos, ángeles, demonios y condenados que se arrojan a las llamas del infierno tras excesos orgiásticos. "Todo un avance del expresionismo", apunta Peridis.

Jesús Ruiz Mantilla, Madrid: El románico según Peridis, El País, 17 de noviembre de 2008

sábado, 15 de noviembre de 2008

Ya no eres dueño de tu sombra

La plaza londinense de Trafalgar acoge una instalación muy particular y llena de sombras, 'Bajo reconocimiento'. Se trata de una obra del mexicano-canadiense Rafael Lozano-Hemmer que permitirá que el viandante encuentre de pronto a otra persona "viviendo dentro de su sombra", en palabras del propio artista. Desde el atardecer del viernes 14 de noviembre de 2008 y hasta la medianoche del próximo 23 de noviembre, las imágenes de individuos anónimos aparecerán en la sombra de los transeúntes, les mirarán a la cara y les enviarán besos, además de desnudarse o bailar para ellos.


El artista ha definido la instalación, de dos enormes y potentes proyectores de luz, como una "experiencia de fantasmagoría" con la que invita a pensar en la relación entre las personas y en "cómo los ciudadanos pueden tomar la calle de forma directa". Esta obra interactiva, que utiliza "tecnología de vigilancia computerizada" para detectar al paseante y adaptar la proyección al tamaño de su sombra, cubrirá una superficie de 2.000 metros cuadrados en la zona norte de la plaza, justo delante de la National Gallery, uno de los lugares más visitados de la ciudad.
Así funciona

Lozano-Hemmer indicó que se establece una relación "un poco extraña" entre la imagen de la sombra y su dueño. Sin embargo, el artista expresó su deseo de que esta obra sirva para "retomar el placer de caminar sin sentido, sin ir de compras o al trabajo, sino para pasar el tiempo en una plaza compartiendo una experiencia bastante excéntrica con otras personas".
A pesar de la espectacularidad del proyecto, que cuenta con los vídeos de 1.300 voluntarios para colonizar las sombras y con los proyectores de luz más potentes del mundo, el artista considera que es una experiencia de intimidad y complicidad, "porque al final ocurre únicamente dentro de la sombra".

Para crear 'Bajo reconocimiento', se inspiró en 'La invención de Morel', una obra de 1941 del argentino Adolfo Bioy Casares que cuenta la historia de un hombre que se enamora de un retrato proyectado por un 'aparato postfotográfico' capaz de captar la presencia tridimensional de las personas y luego reproyectarla.

Los objetivos del artista

Con esta instalación el artista mexicano también quiere criticar la idea de algunos gobiernos occidentales de que las cámaras de vigilancia, como las que proliferan en las ciudades del Reino Unido, van a hacer más seguras a las sociedades. "Es absurdo y ridículo pensar que la tecnología nos va a librar del terrorismo. Lo que podría hacerlo es un trabajo mucho más amplio de política, diplomacia, cultura, intercambio y socialización", apuntó.

Por el contrario, él utiliza las cámaras para "pervertir el deseo de control", para usos poéticos que hagan pensar "quiénes somos y por qué estamos en un espacio público". Lozano-Hemmer, que se define como "creador de arte escénico y perfomances" en las que el actor es el público, reflexiona en sus obras, en las que hay "un poco de denuncia", sobre los conceptos de "soledad, otredad, inseguridad y fantasía".

Reino Unido es uno de los países más interesados en la obra de Lozano-Hemmer, quien en la actualidad expone en las galerías londinenses Haunch of Venison y Barbican. Además, a mediados del mes de diciembre de este año la Tate Modern mostrará 'Público Subtitulado', una obra que ha adquirido para su exposición y que el artista mexicano inauguró en Madrid en 2005.
En la actualidad, Lozano-Hemmer está trabajando en una obra permanente para Gales titulada 'Turbulencia', instalación consistente en 127 boyas que, aprovechando las mareas en el curso bajo de un río, convierten en luz unas voces previamente grabadas.

El artista canadiense-mexicano aseguró estar también "muy ilusionado" con dos proyectos "bastante importantes" para las Olimpiadas de Invierno de Vancouver de 2010, que por el momento prefiere mantener en el secreto.

Efe, Londres: Ya no eres dueño de tu sombra, ABC, 14 de noviembre de 2008

viernes, 14 de noviembre de 2008

Google Earth permite viajar a la Roma Imperial

El buscador de Internet Google ha presentado en la capital italiana un nuevo programa que permitirá viajar y descubrir la Roma Imperial con sólo un 'clic' de ratón, gracias a un innovador programa incluido en la aplicación Google Earth. Sin moverse de casa, se podrá pasear por las calles empedradas del Foro romano, visitar el circo Máximo o el Coliseo en todo su esplendor, como era en el 320 d.C.

Reconstrucción del Anfiteatro flavio, Coliseo (Foto: REUTERS)

El programa, que fue presentado en el Ayuntamiento de Roma por la sociedad estadounidense y el alcalde de la ciudad, Gianni Alemanno, se basa en la gigantesca maqueta (que se encuentra en el museo de la Civiltà Romana) del arquitecto italiano Italo Gismondi (1887-1974), quien reconstruyó con todo detalle la antigua Roma. El proyecto llamado 'Roma Renace' ha sido desarrollado por las universidades estadounidenses de Virginia y California, en colaboración con la Politécnica de Milán (norte de Italia). En total, el paseo virtual por la capital del Imperio Romano, la mayor metrópoli del mundo en el año 320, permite visualizar 6.700 edificios, 11 de ellos también desde el interior como el Tabularium o el Templo de Vesta, y están acompañados por 250 textos explicativos.

"Cada día llegan a Roma turistas que para entender cómo era Roma tienen que usar tanta imaginación y fantasía (...) Ahora para que todos sepan cómo era la capital del Imperio contamos con un instrumento más fuerte y más concreto y tenemos que agradecer esto a Google", dijo Alemanno.

Efe, Roma: Google Earth permite viajar a la Roma Imperial, El Mundo, de noviembre de 2008

miércoles, 12 de noviembre de 2008

Expondrán dos "nuevos" Caravaggio

Dos pinturas recién descubiertas del artista italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) se exhibirán por primera vez, a partir del 13 de noviembre de 2008, en Escocia, Reino Unido.

"Niño pelando frutas" entre 1600 y 1601.

Los cuadros pertenecen a la familia real británica y se creía que eran copias de obras perdidas de Caravaggio. Sin embargo, cuando se les sometió a un proceso de limpieza para incluirlos en la exposición "El Arte de Italia en la Colección Real: El Barroco", los especialistas en conservación señalaron que se trataba de los originales. Esto fue corroborado por estudiosos de la obra de Caravaggio. Las obras se titulan "El llamado de San Pedro y San Andrés" y "Niño pelando frutas". Según los expertos, la primera fue pintada entre los años 1592-93 y la segunda entre 1600 y 1601.

El rey Carlos I compró este cuadro en 1637.
Joven e imberbe

El rey Carlos I de Inglaterra, Escocia e Irlanda le compró "El llamado de San Pedro y San Andrés" a un marchante de arte en 1637. En la obra aparecen los dos santos junto a un Cristo joven e imberbe.

La exposición se presentará en la Galería de la Reina en el palacio de Holyroodhouse de Edimburgo, la capital escocesa, hasta el 8 de marzo de 2009. La muestra reúne a 31 pinturas y 43 dibujos de artistas como los italianos Gian Lorenzo Bernini y Domenico Zampieri (Domenichino), y el francés Nicolas Poussin, quien creó gran parte de su obra en Roma.

Expondrán dos "nuevos" Caravaggio, BBC Mundo, 12 de noviembre de 2008

Desenterrada en Egipto una pirámide de 4.000 años

Un equipo de arqueólogos en Egipto anunció el descubrimiento de otra pirámide, dedicada en este caso a una antigua monarca .

Esta "nueva" pirámide data de hace 4.300 años y se cree que pertenece a la reina Sesheshet, quien fue la madre del rey Teti (2325-2302 a.C.), el primer faraón de la VI dinastía del Antiguo Reino. La tumba de la reina estaba enterrada bajo las arenas profundas en Saqara, al sur de la capital egipcia. El lugar es conocido como una de las más famosas necrópolis de faraones del antiguo Egipto y allí también se levanta la Pirámide Escalonada, considerada el primer intento de los egipcios por construir esta clase de templos mortuorios.

Secretos en la arena

El secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades (CSA) de Egipto, Zahi Hawass, informó que la pirámide que ahora se eleva cinco metros sobre la superficie, originalmente tenía tres veces esa altura. "Siempre digo que se desconocen los secretos que esconden las arenas de Egipto", dijo, entusiasmado, Hawass.

Los expertos anticipan que entrarán a la cámara mortuoria en las próximas semanas, aunque advirtieron que es muy posible que gran parte de su contenido haya sido saqueado hace mucho tiempo. Aunque es mucho más pequeña que las famosas pirámides de Giza, cerca de El Cairo, el templo Sesheshet ya entró en la lista de las hasta ahora 118 encontradas en el país.

Las antigüedades egipcias son uno de los principales pilares de la vital industria de turismo. Millones de visitantes llegan cada año a la nación africana, gastan millones de dólares y proveen empleo para decenas de miles de personas. No obstante, las antiguas atracciones del país son tan populares que algunos funcionarios han demandado una mayor protección de los derechos de autor que protegen la reproducción de las imágenes más famosas.

Desentierran pirámide de una reina, BBC Mundo, 12 de noviembre de 2008

lunes, 10 de noviembre de 2008

La India, en cuatro reflejos

Cuatro miradas distintas, cuatro reflejos de un mismo país. La India en su totalidad, con todas sus facetas y sus contradicciones, 'cuelga' de las paredes de la Casa Encendida de Madrid, gracias a cuatro artistas de diferentes partes del país. Hasta el 4 de enero de 2009, las obras de Sheela Gowda, Amar Kanwar, Anup Mathew Thomas y N. S. Harsha dan vida a la exposición 'Reflejos de la India Contemporánea'. Es la historia de un país, los sueños y desencantos de un pueblo que vive arraigado a las más profundas tradiciones religiosas y culturales pero que, asimismo, camina hacia la modernidad.

Luisa Ortínez, la comisaria de exposición, pasó más de dos años en la India, investigando su escena artística y descubriendo a sus autores. El resultado de ese trabajo es esta exposición, que presenta cuatro maneras distintas de acercarnos a la realidad del país asiático, ya sea por las diferencias de interpretación, o por los materiales utilizados, que van de la pintura a la instalación artística, la fotografía o el vídeo. La muestra se completa con cuatro documentales sobre cada uno de los artistas, hechos entre 2006 y 2008 por la comisaria, donde los artistas explican su trayectoria, su forma de trabajar y sus influencias.

Sheela Gowda

Es la única mujer en la exposición. Es escultora, pintora y realiza instalaciones artísticas con materiales simples y cotidianos. En la exposición podemos ver dos pinturas, de grandes dimensiones: una en blanco y negro, que parece retirada de un periódico, y la otra, que se parece a un fotograma de una película. La otra obra de Sheela es una instalación artística hecha con planchas de metal y otros desechos usados para construir las viviendas en la India.

Sheela Gowda presenta la obra '2/7'. Es una fotografía en blanco y negro, sobre la cual hace una acuarela. Se parece a una fotografía de un periódico, que muestra una manifestación de trabajadores que se enfrenta a la policía. La violencia es un tema frecuente en su obra.

'Agneepath' es un fotograma de una película de Bollywood, con uno de sus actores más famosos, malherido, que busca consuelo en la mujer. (Obra de Sheela Gowda)

'A Blanket and the Sky' [Una manta y el cielo] es una de las instalaciones artísticas de Sheela Gowda. Representa un poblado de chabolas y, arriba, el cielo, donde se ven las estrellas. Está hecha de placas de metal, un material muy utilizado para la construcción de las viviendas en el país.

N. S. Harsha

Su obra es una mezcla de repeticiones y simetrías. Los dos paneles que se presentan en la muestra forman una obra de más de 15 metros de largo, donde representa los conflictos de la sociedad. En el documental, Harsha confiesa que le gustaban mucho los cómics que devoraba de niño. Esa afición parece influir en su trabajo, en los dibujos y en los colores utilizados. Sus trabajos incluyen desde una detallada pintura miniaturista a la semiabstracción.

Detalle de la obra 'Nausea-Creators den to the Supermarket Shelf' [De la guarida de los creadores de la nausea al estante del supermercado]de N. S. Harsha. Unos ejecutivos de traje oscuro arrojan vapores negros por la boca que dejan, a su paso, cadáveres y basura.

Melting Wit' [Poca gracia] es la representación de payasos que caen ante el precipicio. Representa la angustia. (Obra de H. S. Harsha)

Come and give us a speech' [Ven y danos un discurso] es una pintura de 11 metros de largo. Se trata de una mezcla que incluye personajes de la cultura popular y representantes de todas las religiones, profesiones y clases sociales del país. (Obra de H. S. Harsha)

Amar Kanwar

Su contribución es, quizás, la que deja un recuerdo más fuerte en la exposición. Una sala oscura y ocho pantallas de donde salen imágenes y testimonios de violencia sobre las mujeres, en distintas épocas y lugares del país. El tema es recurrente en el autor, que investiga asuntos como el poder, la política, la sexualidad y las injusticias. Kanwar ha sido realizador de cine independiente pero a menudo recurre a los documentales para representar la realidad.

The Lightning testimonies' es la obra presentada por Amar Kanwar. Son ocho proyecciones distintas sobre el tema de la violencia sobre las mujeres a lo largo de la historia.

Todas las narrativas hablan de la experiencia de distintas mujeres, de sus sentimientos, de su manera de abordar el trauma. (Obra de H. S. Harsha)

Las imágenes, sin embargo, no enseñan esa violencia. La insinúan sin llegar a presentarla ante la cámara. Son instantáneas indirectas sobre los secuestros, las violaciones y las muertes de centenares de mujeres. (Obra de H. S. Harsha)

Anup Mathew Thomas

Creció entre periodistas, fotógrafos y políticos cuyas influencias se reflejan en su obra. Trabaja principalmente con series de fotografías, auténticos documentales fotográficos que le gusta proyectar en las paredes. En la exposición presenta dos trabajos: uno sobre la vida cotidiana de su padre, y otro sobre las discotecas de Mumbai.

'Well, basically, this is about Thomas Jacob' [Bueno, básicamente, esto trata de Thomas Jacob] es una serie de 500 diapositivas en blanco y negro sobre la vida cotidiana del padre de Anup Mathew Thomas, que adentran al espectador en el ambiente de la familia del artista.

En la exposición, Anup Mathew Thomas presenta una serie de 14 fotografías en color de líderes de distintas religiones de la India.

El trabajo de Anup Mathew Thomas se completa con las fotos de 'Light Life' [Vida luminosa], sobre las discotecas de Mumbai, vacías, tras la orden del Gobierno de cerrarlas porque incitaban a la prostitución. Esta decisión dejó en la calle a más de 75.000 mujeres que trabajaban allí.

Joana Rei, Madrid: La India, en cuatro reflejos, El Mundo, 10 de noviembre de 2008 [Multimedia: Reflejos de la India contemporánea, 7 de noviembre de 2008]

A modo de justificación...

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El presente blog pretende ser un compendio de los artículos, y publicaciones recogidos en los medios de comunicación (escritos y audiovisuales), principalmente de España, para el estudio de la Historia del Arte. Aspira a ser una guía complementaria para su conocimiento y una referencia para la reflexión y análisis del mundo que nos rodea para difundir la defensa del patrimonio a futuras generaciones. Tuvo su origen a comienzos de junio de 2007, como blog de aula en la materia de Historia del Arte, para la modalidad de Humanidades y Ciencias Sociales de 2º de Bachillerato en el I.E.S. Carbula de Almodóvar del Río (Córdoba). Pero la idea fue creciendo y adquiriendo una dimensión inesperada. Ahora, en un nuevo destino profesional deseamos continuar la experiencia, manteniendo la identidad, para poder alcanzar a nuestros alumnos, en su forzado contacto con la materia, y con el público en general, para que profundice en los entresijos de un aspecto de la civilización de gran calado.