viernes, 31 de julio de 2009

Nuevos vestigios arqueologicos del trazado viario de Colonia Patricia (Córdoba)

Las obras de canalización en Alfonso XIII con cargo a los fondos anticrisis han venido a demostrar que la arqueología puede consistir también en restos que aún están en uso. La excavadora que abre la zanja para las nuevas canalizaciones topó en la mañana del 28 de julio de 2009 con unas piedras que inmediatamente pusieron en marcha a los arqueólogos para determinar su función. Los primeros trabajos realizados para que la empresa municipal Emacsa pueda renovar la red de alcantarillado de esta eje viario de la ciudad de Córdoba han sacado a la luz las losas de pudinga de una importante calzada romana que forma parte de la Vía Augusta, la principal ruta terrestre de la Bética que unía Cádiz con Roma. En concreto, a poco más de un metro de profundidad, se han encontrado vestigios del Decumanus maximus, que es como se llamaba el trazado de la Vía Augusta en su recorrido por la ciudad, pero en dirección este-oeste, y que atraviesa la calle Alfonso XIII. Se trata, por tanto, de una de las dos arterias principales de Córdoba en época romana, ya que la otra, el Cardus maximus , la atravesaba de norte a sur cruzándose con la anterior. En su intersección solía estar el foro. Una de las particularidades de este hallazgo es que la calzada está perfectamente conservada.

Pero todo no queda ahí y el segundo descubrimiento no es menos llamativo. Junto a estas grandes losas que son el fragmento de una calzada de época romana estaba algo que se identificaba con claridad como una cloaca del mismo momento histórico, que está a pleno rendimiento; por ella todavía corría agua; es decir, está todavía cumpliendo su misión después de casi 2.000 años. Los técnicos quisieron comprobar el área de acción de este veterano colector y para hacer una prueba vertieron en un imbornal de la parte más alta de Alfonso XIII una cubeta de agua teñida con colorante. A los pocos instantes pasaba con toda normalidad por el trozo abierto casi en la esquina de Capitulares. Por ella discurre aún el agua de la lluvia y las aguas residuales, lo que indica que esta vieja red está conectada a las casas de la zona. La hipótesis que se baraja es que esta cloaca baja por la calle San Pablo, llega a un gran colector situado debajo de San Andrés y, después, hasta el de la Ribera. Además, se cree que este sistema se repite en las calles aledañas a Alfonso XIII.

Los restos aparecidos, cubiertos con una lona, en la mañana de ayer.

La primera consecuencia de estos importantes hallazgos ha sido la paralización de las obras para estudiar el alcance de los mismos. Desde que empezaron los trabajos el 21 de julio de 2009, que fue cuando se cortó el tramo final de la calle al tráfico, afloraron testimonios del pasado que están protegidos y, por tanto, no se pueden tocar. Tras las primeras catas realizadas, se decidió parar las obras. Como consecuencia, y según han confirmado distintas fuentes, Emacsa no podrá seguir adelante con sus planes para mejorar la red de saneamiento con los fondos anticrisis como tenía previsto. Entre tanta incógnita que se resolverá en los próximos días, lo que parece más probable es que estos restos romanos se estudiarán, catalogarán y taparán. Estas obras están financiadas con cargo al Fondo Estatal de Inversión Local (FEIL). El plazo de ejecución está previsto en dos meses y consistirán en la colocación de un nuevo colector y a la mejora del alcantarillado. La Gerencia de Urbanismo, por su parte, tiene previsto, una vez terminada esta obra, comenzar la nueva pavimentación de Alfonso XIII y plaza de Capuchinas. Este proyecto, que se ejecutará a lo largo de 12 meses, prevé la reordenación de la calle con nuevas plazas de aparcamiento e instalación de contenedores soterrados de basura.

A su vez, el delegado provincial de Cultura, Joaquín Dobladez, considera que “lo lógico es que se conserven los restos porque son un hallazgo importante”. Dobladez destaca el valor de la calzada romana de losa de piedra que “forma parte de la Vía Augusta que comunicaba Córdoba con Roma y entraría en Alfonso XIII por la Puerta de Hierro”, configurando la avenida principal de la ciudad de Este a Oeste, el Decumanus maximus . De esas mismas losas romanas de pudinga hay una muestra integrada en el mausoleo de La Victoria, al oeste del recinto amurallado de época romana. Además, en la calle San Pablo también aparecieron restos de este tipo, tal y como recuerda. Según la información de la que dispone, la calzada romana es del siglo I después de Cristo y se han descubierto aproximadamente unos tres metros. Dobladez explicó que hay prevista una reunión entre Cultura y Urbanismo para abordar este tema.

Tras las oportunas reuniones técnicas el 30 de julio, el Ayuntamiento, la Delegación de Cultura y la Gerencia de Urbanismo han decidido salvar tanto esta construcción de época romana como el tramo de calzada de la Vía Augusta aparecido esta semana a los pies del edificio consistorial, en la calle Alfonso XIII; se acordó no realizar el cambio de alcantarillado en el tramo comprendido entre Alfaros y María Cristina y seguir utilizando la red de saneamiento de época romana, manteniendo in situ todos los hallazgos.

Isabel Leña: Aparecen importantes restos de la Vía Augusta en las obras de Alfonso XIII, Diario Córdoba, 29 de julio de 2009.
Isabel Leña: Dobladez: “Lo lógico es que se conserven”, Diario Córdoba, 29 de julio de 2009.
J.C.: Descubren una cloaca romana en Alfonso XIII que está aún en funcionamiento, El Día de Córdoba, 29 de julio de 2009
J. Cabrera: La cloaca de época romana seguirá en uso en el futuro, El Día de Córdoba, 31 de julio de 2009

jueves, 30 de julio de 2009

José Lebrero mira al Museo Picasso de Málaga

José Lebrero, actualmente al frente del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), se perfila como el nuevo director del Museo Picasso Málaga (MPM), cargo que está vacante desde la renuncia de Bernardo Laniado-Romero en diciembre de 2008. Lebrero (Barcelona, 1954) será el tercer director del MPM desde que abrió sus puertas, en 2003, para albergar unas 200 obras de la colección de Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del genio malagueño, además de exposiciones temporales, siempre en torno al autor del Guernica.

Una visitante ante Desnudo tumbado con corona de flores (1970), en el Museo Picasso de Málaga. Álex Zea

El nombramiento, que este periódico ha podido confirmar con distintas fuentes, deberá hacerlo público el Consejo Ejecutivo del Museo Picasso Málaga, que preside Bernard Ruiz-Picasso, y del que forma parte la consejera de Cultura de la Junta de Andalucía Rosa Torres. El consejo se reunió en Málaga el pasado 17 de julio para decidir entre los dos últimos seleccionados en un concurso internacional, aunque no dio a conocer el resultado. Cultura acumula un retraso de tres meses sobre su previsión de nombrar un nuevo director después de la salida de Laniado-Romero. Fuentes de la consejería aseguraron que el anuncio se realizará "pronto". El MPM, con una inversión de más de 100 millones de euros, es el proyecto cultural más ambicioso de la administración autonómica andaluza. Lebrero, de vacaciones en Cataluña hasta el 3 de agosto, simplemente comentó: "No sé nada de nada. Estoy trabajando en una gran exposición, Máquinas de mirar, que coproducimos junto con museos de Hungría y Alemania y que reúne a 40 artistas internacionales".

José Lebrero, antes de llegar a Sevilla, era responsable de exposiciones del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA). Es licenciado en Ciencias de la Información y máster en Historia del Arte por la Universidad de Colonia (Alemania). La designación dejará un hueco en el panorama del arte andaluz. El CAAC, una institución con sede en Sevilla que Lebrero dirige desde 2003, ha conseguido gracias a su gestión darse a conocer en Europa y exportar sus propias exposiciones.

Margot Molina, Sevilla: José Lebrero mira al Museo Picasso, El País, 30 de julio de 2009

miércoles, 29 de julio de 2009

'Berruguetes' y 'dalís' en el sótano

Colocadas en estanterías, decenas de esculturas, algunas de los Leoni, artistas italianos que trabajaron para Carlos V, reproducciones romanas y piezas del siglo XIX, se guardan en sótanos impecables, bajo el edificio Moneo del Museo del Prado. En sus almacenes subterráneos, el Museo Reina Sofía, acumula obras de Dalí, Miró, Barceló, Gustavo Torner o Martín Chirino, lotes enteros de instalaciones, esculturas, pinturas y fotografías, embalados en cajas de madera. En los bajos del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), en el centro de la ciudad, hay diez veces más obras de arte de las que se exponen en sus salas.

Estanterías con fondos del Museo del Prado. LUIS MAGAN

Es la maldición de los museos. Obligados a acumular arte por encima de sus posibilidades de espacio. Obligados a atesorar belleza, a conservarla y exponerla... cuando es posible. El Prado, que existe desde 1819, y está considerado como la mejor pinacoteca del mundo, exhibe 800 cuadros, y esconde unos 3.500. Eso sin contar el millar largo de obras prestadas a museos provinciales por todo el país. El Reina Sofía, que heredó fondos del antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC), y se creó en 1985, acaba de presentar una colección permanente de unas mil obras, mientras guarda en distintos almacenes hasta 17.295 piezas de arte. EL PAÍS ha recorrido algunos de los sótanos de los tres museos para ver cómo son y qué joyas atesoran.

Los sótanos del Prado son amplios y luminosos. Se respira orden y limpieza. En uno de los pasillos hay un cuadro de gran formato, apoyado sobre la línea de armarios empotrados, que representa a una familia. Quizá de la escuela de Goya. Un empleado tira de uno de los peines, una especie de delgados archivadores, y aparece de pronto un lienzo del renacentista Pedro de Berruguete. "Este berruguete es parte de las obras que se van a incorporar a las salas", dice Miguel Zugaza, su director desde hace siete años y medio. La penuria de espacio ha sido una constante del Prado, pero desde hace dos años dispone de un magnífico edificio nuevo que permitirá mostrar unas 500 obras más. Muchas quedarán donde están ahora: en los sótanos. "Se habla del Prado oculto, pero es casi una leyenda literaria. La verdad es que, dada la excelencia de este museo, muchas veces lo que no se exhibe es porque no está a la altura requerida", dice Zugaza.

Otra cosa es la colección de dibujos (casi 7.000), con más de 500 obras de Goya, y diseños de Durero, Rubens, Rembrandt y Miguel Ángel, y los más de 8.000 grabados o estampas de Goya y otros artistas célebres, que se guardan en el gabinete de dibujo y grabado. "La obra sobre papel no se puede tener expuesta, es muy frágil, la luz la mata", explica el director, "pero los estudiosos y las personas interesadas en esos fondos pueden verlos". Entre este material, que incluye epistolario y dibujos de Goya y de sus discípulos, y dibujos de las escuelas boloñesa y flamenca, se identificaron hace cinco años dos bocetos de Miguel Ángel. Un legado que queda sólo para los archivos. "Ocurre en todos los museos. Si en nuestros almacenes las obras se cuentan por miles, en el Louvre, o en el Arqueológico Nacional, se cuentan por millones", dice Zugaza.

Y si éste es el caso del Prado, un museo "intenso más que extenso", como decía el fallecido Antonio Saura, un museo con una colección muy hecha, parece lógico que la proporción de lo que se expone sobre lo que se posee sea menor en el Reina Sofía y en el Macba. Manuel Borja-Villel, que dirigió este último durante diez años y lleva desde enero de 2008 al frente del Reina Sofía, se siente cómodo con esta situación. "No está mal que no se pueda exhibir todo. Sería como si una persona pretendiera contarnos de golpe todo lo que sabe. Debe exponerse lo mejor y lo más relevante". Lo demás, bien guardado.

¿No son relevantes esas 40 obras de Dalí que se guardan en los almacenes, según denunció CiU, en 2004? "Lo fundamental de Dalí está expuesto en la colección. Yo comparecí hace unos días en el Congreso y nadie me reclamó nada. Las obras sobre papel tienen que descansar. No se pueden mantener expuestas mucho tiempo", dice Borja-Villel.

Las mismas razones justifican que no se expongan dibujos de Miró. Pero en los sótanos hay muchas obras más, de Miquel Barceló, de Martín Chirino, de Gustavo Torner, por ejemplo. Estas últimas, en los bajos del edificio nuevo de Jean Nouvel. Los sótanos del edificio Sabatini no se pueden visitar, y menos con una cámara de fotos. Tampoco la media docena de almacenes alquilados en Madrid. De uno de ellos desapareció en los años noventa la famosa y gigantesca escultura de Richard Serra, de 38 toneladas, felizmente reproducida de nuevo por el artista.

Lo que se guarda bajo las salas del edificio Nouvel no es tampoco pequeño. Un par de vigilantes del museo precede en la visita a la pequeña comitiva. El director y los periodistas recorremos pasillos silenciosos, que dan acceso a habitaciones amplias de techos altos, con puertas grandes forradas de material ignífugo, cerradas con llave. Los sótanos, climatizados, son testimonio mudo de las vueltas que da el arte. Las modas que lo rigen. En las piezas embaladas, con su identificación bien visible, se lee el nombre de cada autor, Pedro Mora, Mikel Eubo, Antoni Muntadas, y de las obras, muchas de ellas, enormes instalaciones. La nueva colección prescinde bastante de ellas. En otros casos, el sótano refleja la superabundancia de otros géneros. Como la caja con fotografías de Francesc Catalá Roca, del que se expone obra en el museo, que ha hecho de este arte una parte sustancial de su colección.

El arte de arriba y el arte de abajo, el que se exhibe y el que se guarda, es, a menudo, intercambiable. Existe un constante trasiego de obras cada vez que un nuevo director, o una exposición, reclaman cambios en el equilibrio delicado del arte. Estudios para Hologramas (a-e). Cinco serigrafías sobre papel, obra del estadounidense Bruce Nauman, gran pope del arte actual, fue una de las estrellas del catálogo del Macba en 2003. Hoy se guarda en un peine del sótano. Almacenadas bajo las salas del edificio de Richard Meyer hay más de 1.500 piezas de la colección del museo. Y aún faltan muchas más, hasta las 3.500 que constituyen los fondos de una institución que se creó en 1995 con aportaciones del Ayuntamiento de Barcelona y la Generalitat de Cataluña.

"Tenemos cuatro almacenes más diseminados por la ciudad, incluida la zona franca", admite Bartomeu Marí, director del museo desde abril de 2008. Este superávit de arte contemporáneo no impide que el Macba haya seguido comprando. Más de 200 obras en el último año y medio. "España tiene un déficit terrible de arte contemporáneo. Y el arte del siglo XX está todavía peor representado en nuestros museos", alega Marí. Por eso hay que comprar y comprar, aunque acaban de firmar acuerdos con otros dos museos europeos para compartir adquisiciones. Y si esto ocurre en el Macba, la situación se agrava en el Reina Sofía.

Sólo el año pasado, el museo gastó 16 millones de euros en obras. Algunas se exponen ahora en la colección permanente, recién revisada y seleccionada por Borja-Villel, que ha admitido, por primera vez, varias películas en las salas. Acumular, exhibir, guardar, son los verbos más conjugados. "Hay una visión del museo como algo patrimonial, una enciclopedia del arte que tenemos, que no comparto. Yo lo veo como un lugar donde los objetos son patrimonio público y tú los custodias", dice Borja-Villel. Unas veces arriba y otras abajo. Pero los almacenes "están abiertos a los investigadores que quieran venir a ver determinados fondos. Eso sí, con cita previa", dice.

Tener es importante, porque los gustos cambian y las modas con ellos. Y si cambia la valoración de los artistas clásicos, como ha ocurrido con Murillo o El Greco, mucho más la de los contemporáneos, dictada, a veces, por intereses mercantiles. "Los criterios sobre la calidad de las obras no son infalibles, es cierto", señala Bartomeu Marí. Por eso y porque "tampoco se puede prescindir de lo que ha comprado tu antecesor, aunque no te guste", los almacenes están repletos. Marí es partidario de asumir riesgos y de mantener una coherencia estética en un museo, el Macba, que caso de tener que elegir "prefiere ser contemporáneo a museo", aclara.

En estos momentos, el Macba da espacio, sobre todo, a unas 250 nuevas adquisiciones. El Reina Sofía incluye también obra comprada o cedida en su colección remodelada, además de piezas rescatadas de los sótanos, para dar vida a las distintas micronarraciones en torno a las que se ordena. Aunque esto signifique mandar al sótano varios antoniolópez, laffon y palazuelos. Sin renunciar al arte que atrae más público. El Reina Sofía ha recibido en préstamo 16 grabados de Goya, cedidos por el Prado, que es uno de los puntos fuertes de su colección.

Como Marí, Borja-Villell tiene que convivir con compras de antecesores que no necesariamente le gustan. "Los fondos del museo no están mal, pero no se puede exhibir todo. Tenemos unas 200 obras que no se han expuesto nunca porque proceden de las colecciones de premios estatales y, en la mayoría de los casos, tienen poco interés", dice Borja-Villell.

Pese a la necesidad de renovación permanente, el Reina Sofía ha incorporado a su colección 16 grabados de Goya, prestados por el Prado. Un material que podría sumarse al de las obras irrenunciables, esas que nunca bajan a los sótanos de los museos. En el caso del Macba, una veintena más o menos, según Marí. ¿Cuáles? "Nosotros no tenemos El Guernica ni Las Meninas", responde, algo evasivo. El Reina Sofía cuenta con sus picassos, sus mirós, sus dalís y la obra de Juan Gris. Son las joyas que buscan todos los visitantes. Los mismos que en el Prado se dirigen invariablemente a las salas de Velázquez. Lo malo es que hay muchas otras joyas eclipsadas por el brillo de las grandes. "Tenemos la mejor colección de Rubens", dice Zugaza, "y ese es el verdadero Prado oculto, porque está expuesta pero casi nadie la mira".

Lola Galán, 'Berruguetes' y 'dalís' en el sótano, El País / 'Domingo', 26 de julio de 2009

martes, 28 de julio de 2009

Bauhaus para todos

La escuela Bauhaus se identifica a menudo con la costumbre de construir edificios rectangulares y amueblarlos con buen gusto. Sin embargo, 90 años después de que la fundara Walter Gropius, una institución educativa casi centenaria que apenas subsistió tres lustros, todavía mantiene un halo intacto derevuelta y de modernidad radical. La gran exposición Modelo Bauhaus, inaugurada estos días en el Martin-Groupius-Bau de Berlín, presenta más de 1.000 objetos originales de aquellos 14 años entre 1919 y 1933. Muebles y demás menaje, maquetas de edificios, vestidos, dibujos, pinturas o fotografías atestiguan el entusiasmo creativo de los alumnos y los profesores de la escuela. Su enorme disparidad desmiente que existiera algo así como un "estilo Bauhaus", e incita a reflexionar sobre las aspiraciones y los logros de ese proyecto utópico. La codirectora de la exposición, Ulrike Bestgen, destaca las paradojas de la escuela Bauhaus. Pretendían democratizar las artes, pero hoy sus objetos son carísimas piezas de coleccionista. Trataban de "mejorar la vida" de todos, pero la escuela nunca abandonó un elitismo despreciado por la mayoría de sus contemporáneos. Su modelo, el trabajo comunitario y anónimo de los gremios de construcción medievales (las bauhütten), no impidió el aplauso público a los miembros más prominentes, como Gropius o Ludwig Mies van der Rohe. Ni siquiera la aureola de campeona antinazi queda intacta: algunos colaboraron con el régimen, Fritz Ertl, fue oficial de la SS y arquitecto del campo de exterminio de Auschwitz. Para Bestgen, la Bauhaus son "muchas Bauhäuser".

Obra de Ludwig van der Rohe- ARCHIVO DE BERLÍN

Sin duda, un factor del mito popular es su accidentada historia. La victoria local de la ultraderecha la obligó a abandonar Weimar en 1925 y, de las muchas ciudades que se ofrecieron para albergarla, Gropius eligió Dessau: el Silicon Valley de su tiempo, donde Junkers fabricaba sus aeroplanos. El gobierno municipal encargó a Gropius un nuevo edificio para su escuela. En la Bauhaus de Dessau, una construcción de techo plano y enormes cristaleras, la academia vivió sus años dorados. Los nazis los expulsaron en 1932. Ya en Berlín, la Bauhaus sobrevivió hasta la victoria de Adolf Hitler en 1933. La dispersión de maestros y alumnos por todo el mundo sirvió para extender los métodos y las enseñanzas de la institución. Así, Hannes Meyer, comunista convencido, marchó a la Unión Soviética, que tuvo que abandonar por México en pleno terror estalinista. Los otros dos ex directores, Mies van der Rohe y Walter Gropius, emigraron a Estados Unidos. Allí triunfaron como arquitectos.

Precisamente la arquitectura asociada a la Bauhaus alimentó la reputación de su formalismo y frialdad racional. La exposición berlinesa demuestra que es un equívoco. Para empezar, con la policromada Torre del Fuego, obra del docente y estudioso de los colores Johannes Itten. El círculo cromático que diseñó Itten ha servido para ordenar cronológicamente los diferentes espacios de la exposición.

Miembros de la Bauhaus De izquierda a derecha, Josef Albers, Hinnerk Scheper, George Muche, László Moholy- Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl y Oskar Schlemmer, en 1926.

Itten era vegetariano y andaba en una especie de túnica o bata. Resulta la antítesis del atildado Gropius, que admiraba la arquitectura industrial estadounidense y la comparaba con las pirámides de Egipto. Al pasar de una sala a otra, el visitante se topa con estas contradicciones, con diversos estilos, muchos colores y con los más diversos utensilios. Algunos son hoy paradigma de elegancia en medio mundo. El mobiliario de la Bauhaus tampoco se limitó a las celebérrimas y hoy prohibitivas sillas tubulares o a los sofás modelo Barcelona de Mies van der Rohe. Puede verse en un lugar prominente la Silla Africana de Marcel Breuer y Günta Stölzl, hecha de bambú, seda, cáñamo y algodón, cuyo aspecto difiere tanto del sillón B3 de Breuer como podría diferir del trono imperial de la China.

Se asombrará el visitante de que atribuyan el lema "menos es más" a Mies van der Rohe, que entre 1930 y 1933 dirigió una escuela donde cabían tanto los juegos dadaístas de Herbert Bayer como los experimentos de índole práctica con formas, colores y materiales.

Juan Gómez, Berlín: Bauhaus para todos, El País, 26 de julio de 2009

Berlín recupera la utopía de la Escuela Bauhaus

Una pareja pasea por la exposición en el museo Martin Gropius. | Efe

El museo Martin Gropius de Berlín ha abierto la exposición 'El modelo Bauhaus', una retrospectiva consagrada al movimiento vanguardista identificado con la utopía, la linealidad y la estética de lo funcional, desde su nacimiento hace 90 años hasta que el nazismo lo envió al exilio, en 1933. De su fundación, en 1919 por Walter Gropius, en Weimar (este de Alemania), y el traslado y apertura de la Escuela Bauhaus a la vecina ciudad de Dessau, en 1925, a las redadas nazis en Berlín, en 1933; la muestra berlinesa recorre el origen de un movimiento cuyo sello quedó impregnado en la arquitectura y diseño modernos.

Se trata de la primera exposición surgida del esfuerzo coordinado de las tres instituciones que tutelan el legado Bauhaus en Alemania (la Fundación Clásicos de Weimar, su homóloga de Dessau y el Archivo Bauhaus de Berlín), que estará en Berlín hasta octubre de 2009 tras lo cual viajará al MoMA de Nueva York. La muestra incluye más de 1.000 objetos: desde el mobiliario legendario de Marcel Breuer a maquetas de edificios diseñados por Walter Gropius para la municipalidad de Dessau, a los rompedores diseños del maestro de la nueva arquitectura Miers van der Rohe. La exhibición recorre asimismo las múltiples ramificaciones del movimiento y su influencia en corrientes artísticas que van del expresionismo, al futurismo o el dadaísmo, con Wassily Kandinsky y Paul Klee como máximos exponentes.

'Torre de Fuego', de Itten. | Foto: Efe

Un edificio con historia

El lugar elegido para la exposición es el museo Martin Gropius, que lleva el nombre del tío abuelo de Walter Gropius, un edificio de corte neoclásico del siglo XIX claramente en las antípodas de lo que se identifica como Bauhaus. El edificio perteneció a los Gropius y el fundador del movimiento se encargó de salvarlo de su demolición, en 1946, tras haber quedado en pie después los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. La Neue National Gallerie, obra de Mies van der Rohe y exponente del culto a la línea pura, habría tenido una mayor relación con la revolución que representó Bauhaus en la arquitectura moderna.

Con la elección del Martin Gropius se rinde homenaje a los orígenes y evoca los avatares históricos de un movimiento crecido en la República de Weimar y al que el nazismo dio, involuntariamente, el impulso internacional definitivo al mandar a muchos de sus máximos creadores al exilio. "Aquí, en Berlín, trató aún Mies van der Rohe de salvar el movimiento y resistir el embate del Tercer Reich transformando su escuela en privada. Fracasó, pero ni aún así logró el nazismo su objetivo de acabar con él", recordó el presidente de la Fundación Weimar, Helmut Seeman. La Escuela Bauhaus tuvo que trasladarse de Weimar a Dessau por presiones de las fuerzas vivas conservadoras, en 1925, y fue cerrada por decreto de las autoridades nazis en 1932. Mies van der Rohe trató de mantenerla en pie en Berlín, pero tras varias redadas sucumbió y marchó, como tantos colegas, al exilio.

La exposición de Berlín tiene un recorrido cronológico y a la vez cromático por la historia del movimiento. Se abre en los años fundacionales bajo el signo del color amarillo y se cierra en 1933, con el negro representado por la llegada al poder de Adolf Hitler.

90 años de vanguardia

Aún así, la muestra se queda a las puertas la dimensión adquirida tras el exilio y su expansión, no sólo a EEUU, sino al resto de Europa e Israel. Berlín completa con 'El modelo Bauhaus' la ronda conmemorativa del 90 aniversario iniciada en los meses pasados en Weimar y Dessau. La capital alemana se ha reservado el honor de tener un "verano Bauhaus" tras la primavera centrada en Weimar y Dessau.

Cojines con mensajes . | Foto: Efe

Weimar abrió el fuego, en marzo, con la muestra 'Das Bauhaus kommt' ('Viene Bauhaus'), repartida entre varios edificios de la ciudad, como el museo Goethe. Le siguió una doble exposición en Dessau, en los edificios de acero, hormigón y cristal característicos del estilo Bauhaus y diseñados por Gropius.

La exposición dio ocasión para visitar el complejo de edificios de la Escuela de Dessau que, tras quedar cerrados como tales por el nazismo, sufrió los estragos de la Segunda Guerra Mundial, mientras en la posguerra, las autoridades germano-orientales remozaron sus partes dañadas sin demasiada fidelidad. A esa primera recuperación siguió otra en los 70, tampoco muy fiel, hasta que en los 90, tras la reunificación alemana, se procedió a su completa restauración según los planos de Gropius, reconocida por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad.

Gemma Casadevall (Efe) | Berlín: Berlín recupera la utopía de la Escuela Bauhaus, El Mundo, 21 de julio de 2009

lunes, 27 de julio de 2009

La arquitectura existe más allá de Madrid y Barcelona

En los últimos años la arquitectura española —especialmente la emergente— ha devenido en un continuo Madrid–Barça en el que, de igual manera que su variante futbolística, las alineaciones parecen en constante trifulca teórico-práctica sobre los modos de entender y ejercer. Actualmente, la alineación madridista exhibe su juego desde la teoría a la práctica, mientras que la de la Ciudad Condal se basa en el camino contrario aunque en generaciones anteriores los papeles eran diferentes. El resto, peninsulares e isleños, asistimos al peloteo con apenas opción a réplica, pero sin dejar de experimentar y aplicar nuestros conocimientos en el entorno cotidiano.

Carroquino|Finner.  Ejemplo de arquitectura desde vacío sonoro.
Carroquino | Finner. Ejemplo de arquitectura desde 'vacío sonoro'.

Si bien la condición geográfica no es del todo exacta, pues los hay más y menos cercanos a los bornes, intentaré analizar la arquitectura desde los 'vacíos sonoros'. Es decir, desde la labor de estudios de diferentes ciudades en las cuales la arquitectura se va abriendo camino casi por empeños personales más que por iniciativas colegiadas, e incluso a veces en contra de éstas, y de los que no se habla tanto.

Por decirlo de otra manera, si otros contertulios hablan de Dior, yo trataré de Adolfo Domínguez, que siendo de igual calidad, resulta más cotidiano. Seré más gráfico: si mi paisano Labordeta enseñó los pueblos con la mochila al hombro, yo intentaré hacer lo propio con la arquitectura de los 'vacíos' -y sin mochila- para proponer que, tal vez, la arquitectura no está solamente en el ombligo de las dos capitales.

El concepto de 'vacío sonoro' describe perfectamente el entorno en el cual se mueve —nos movemos— este grupo de arquitectos. Recibimos la prensa arquitectónica e incluso oímos los ecos de la mítica 'Made in Spain' tan internacionalmente exportada, pero lo que acontece no obtiene sonido alguno. En estos ámbitos -los del 'vacío sonoro', la táctica suele ser más de guerrillas, un 'construyo y modifico la ciudad que habito', haciendo reciclaje bien entendido de materiales y entornos.

Algunos ejemplos de 'vacío sonoro'

Una primera alineación (seguirán otras) estaría compuesta por: Los del desierto desde Almería, Carroquino|Finner desde Zaragoza y Bernalte-León desde Ciudad Real.

Los del desierto lo componen Eva Luque y Alejandro Pascual. Su trayectoria comienza con la trascendencia de la primera decisión. Recién terminada la carrera abandonan Sevilla para trasladarse al 'desierto' —más bien al mar de plástico—, conscientes de que su alejamiento los hará libres de prejuicios. Este hecho, que suena como un buen comienzo, pronto se ve matizado por la realidad del entorno.

La falta de referentes arquitectónicos es asumida por la realidad del lugar, una realidad que no se puede obviar, y por tanto de necesaria incorporación en proyecto y obra. Como ellos mismos cuentan, el mar de plástico no es negable, se ve incluso desde el espacio. Su actitud es en este caso la siguiente: "Esto es lo que hay, pues con ello debemos hacer arquitectura".

Los materiales no son buenos ni malos, sino que se usan bien o mal. Esta máxima se hace evidente en obras de Los del desierto como el Pabellón Polideportivo en Garrucha, el Centro de Salud en Vélez-Rubio o la Guardería de la misma localidad. Todas hablan de un diálogo con el contexto, generando una conversación entre iguales, sin intención de ridiculizar al contrario. Atención especial merece el uso de cortinas plásticas sanitarias en el cierre de los aseos de la Guardería, ejemplo de su actitud bricoleur.

En el polideportivo, el uso de la tecnología de los invernaderos del entorno —desde el entendimiento del zócalo y el vallado de cañas hasta la translucidez de los paramentos— generan una excelente e innovadora pieza arquitectónica, fácilmente asumible tanto por el entorno como por los usuarios.

Los del Desierto hace cosas como ésta.
Los del Desierto hace cosas como ésta.

En pleno centro logístico e intersección del aspa Madrid-Barcelona Bilbao-Valencia, Zaragoza es uno de los agujeros negros arquitectónicos, que, al igual que los estelares, absorbe toda la información arquitectónica del perímetro sin aparentemente emitir respuesta.

Por la parte que nos toca, nosotros, Carroquino|Finner, intentamos realizar una arquitectura desde la sensatez y el entorno. Este equipo de arquitectos lo formamos dos: Finner, arquitecto alemán resultado fortuito de Erasmus en Zaragoza, entonces ciudad sin escuela de arquitectura; y Carroquino, yo mismo, aragonés educado en Galicia que vuelve a su origen. Nos mueve un interés similar por la construcción, así como por poner en práctica en nuestra localidad técnicas asumidas por la arquitectura contemporánea y el convencimiento de que la arquitectura puede resolver problemas de ciudad a través de edificios no icónicos 'callados'.

Las Escuelas Infantiles Oliver y Santa Isabel, así como la Biblioteca y Centro de convivencia Actur hablan de esa actitud que acabo de comentar, definida por Fredy Massad como "la sensatez como principio", que intenta aportar algo de calma y relación con los valores positivos del contexto entre la arquitectura residencial acelerada de la burbuja inmobiliaria.

La Escuela Infantil Oliver, por ejemplo, con la excusa de un nuevo equipamiento educativo, realizó una arquitectura luminosa desde el interior, adaptada a las diferentes escalas de los usuarios, transponiendo en espacio construido la orografía previa y proponiendo una cubierta verde, prolongación del posible parque anexo, como mejor aportación/contraposición a los bloques colmena del entorno. La idea no es negar el entorno, sino ofrecer nuevas oportunidades no cercenando las futuras.

La importancia del entorno frente al nombre

Otro ejemplo destacable es el de Bernalte-León, que realiza una arquitectura de circunstancias, entendiendo ésta como la de las variables de cada entorno concreto. Su relectura de la arquitectura popular, no desde el formalismo, sino desde la actitud anónima, atemporal y eficiente, es el resultado de un aferramiento al contexto potenciando los valores del lugar preexistentes al arquitecto. Sólo bajo este prisma es posible apreciar la sensibilidad de obras como la Casa Patio de Ciudad Real, el Centro de Mayores en Corral de Calatrava y el Centro de Control de Tráfico en la Autovía de los Viñedos.

El Centro de Mayores se adapta a la escala y disposición de la trama tanto de las calles como del arroyo disponiendo su programa según las necesidades de silencio y respondiendo desde el anonimato a la solución necesaria al usuario.

En los tres casos es evidente la consideración del trabajo del arquitecto como canalizador de la potencialidad del entorno, por duro que éste sea, aceptando como reglas del juego las determinadas por el lugar, considerándose dentro del engranaje que componen contexto-arquitectura-usuario. De ninguna manera se puede acusar a esta arquitectura de sumisa, cualquiera de los autores puede refrendarlo por sus desavenencias con organismos colegiados y el costumbrismo 'atradicional'. Más bien es el deseo de que la obra, no su autor, trascienda desde el anonimato y la apropiación por usuario y ecosistema.

Santiago Carroquino: La arquitectura existe más allá de Madrid y Barcelona, www.soitu.es, 23 de julio de 2009

La arquitectura española más vanguardista

La más ambiciosa y vanguardista arquitectura se hace un hueco entre la incalculable (y milenaria) riqueza artística española. Es el caso de esta imagen, el centro de operaciones para las misiones de mantenimiento de paz de la ONU, el primero de España y el segundo de Europa, que se erigirá en 2010 en Quart de Poblet (Valencia). Foto: Delegación del Gobierno de la Comunidad Valenciana.

La más ambiciosa y vanguardista arquitectura se hace un hueco entre la incalculable (y milenaria) riqueza artística española. Es el caso de esta imagen, el centro de operaciones para las misiones de mantenimiento de paz de la ONU, el primero de España y el segundo de Europa, que se erigirá en 2010 en Quart de Poblet (Valencia). Foto: Delegación del Gobierno de la Comunidad Valenciana.

Situado entre el Puente de LAssut de LOr y el Oceanográfico, el Ágora de Santiago Calatrava será una nueva pieza clave para La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Este edificio, concebido como un espacio multifuncional, cuenta con una estructura metálica de planta similar a una elipse apuntada y mantiene la uniformidad del complejo arquitectónico en el que se ubica, vestido a base de paneles de vidrio en su cubierta. Son 4.811 metros cuadrados con vocación de versatilidad cuyos responsables esperan que esté listo, al menos en su mayor parte, para acoger su primer compromiso con la ciudad: el torneo de tenis Valencia Open 500, que se celebrará a principios de noviembre. Su espacio duplicará el de las instalaciones de Roland Garros. Foto: Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.

Situado entre el Puente de L'Assut de L'Or y el Oceanográfico, el Ágora de Santiago Calatrava será una nueva pieza clave para La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Este edificio, concebido como un espacio multifuncional, cuenta con una estructura metálica de planta similar a una elipse apuntada y mantiene la uniformidad del complejo arquitectónico en el que se ubica, vestido a base de paneles de vidrio en su cubierta. Son 4.811 metros cuadrados con vocación de versatilidad cuyos responsables esperan que esté listo, al menos en su mayor parte, para acoger su primer compromiso con la ciudad: el torneo de tenis Valencia Open 500, que se celebrará a principios de noviembre. Su espacio duplicará el de las instalaciones de Roland Garros. Foto: Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia.

La iraquí Zaha Hadid es la responsable de la Torre Espiral. Edificio de oficinas que será sede del Campus Interuniversitario del Besós, en Barcelona. Más de 27.000 metros cuadrados y una inversión de 53 millones de euros que se verán materializados a finales de este 2009. La nueva construcción será puerta arquitectónica de la Ciudad Condal y unirá urbanísticamente las areas del Forum 2004, el distrito tecnológico 22@ y el Campus Interuniversitario de Besós, ubicado en el límite de Barcelona con Sant Adriá, al final de la Avenida Diagonal. Foto: El Consorcio de la Zona Franca de Barcelona.

La iraquí Zaha Hadid es la responsable de la Torre Espiral. Edificio de oficinas que será sede del Campus Interuniversitario del Besós, en Barcelona. Más de 27.000 metros cuadrados y una inversión de 53 millones de euros que se verán materializados a finales de este 2009. La nueva construcción será puerta arquitectónica de la Ciudad Condal y unirá urbanísticamente las areas del Forum 2004, el distrito tecnológico 22@ y el Campus Interuniversitario de Besós, ubicado en el límite de Barcelona con Sant Adriá, al final de la Avenida Diagonal. Foto: El Consorcio de la Zona Franca de Barcelona.

Más allá del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac), la ciudad de León es todo un ejemplo de convivencia arquitectónica que respeta la tradición sin apartar la vista del más próspero de los futuros. El Auditorio Ciudad de León, de Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla, guarda las proporciones adecuadas para no romper con la naturaleza urbanística leonesa. La antigua azucarera de la ciudad también sufrirá la metamorfosis estética que la ciudad está viviendo en los últimos años y se convertirá en el nuevo Palacio de Congresos, diseñado por el reconocido arquitecto Dominique Perrault, Premio Mies van der Rohe. Foto: Auditorio Ciudad de León.

Más allá del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac), la ciudad de León es todo un ejemplo de convivencia arquitectónica que respeta la tradición sin apartar la vista del más próspero de los futuros. El Auditorio Ciudad de León, de Emilio Tuñón y Luis Moreno Mansilla, guarda las proporciones adecuadas para no romper con la naturaleza urbanística leonesa. La antigua azucarera de la ciudad también sufrirá la metamorfosis estética que la ciudad está viviendo en los últimos años y se convertirá en el nuevo Palacio de Congresos, diseñado por el reconocido arquitecto Dominique Perrault, Premio Mies van der Rohe. Foto: Auditorio Ciudad de León.

El edificio Mediapro destaca por su precisa y adecuada solución estructural, así como su resistencia, sencillez y multiplicidad, afirmó recientemente el jurado del premio BigMat de arquitectura, cuyo galardón principal (dotado con 18.000 euros) recayó en este edificio creado por los arquitectos Carles Ferrater, Patrick Genard y Xavier Martí. Situado en el innovador distrito 22@ de Barcelona, esta construcción ha renovado los antiguos terrenos de la emblemática fábrica textil de Ca lAranyó y dedica más de 50.000 metros cuadrados a la industria audiovisual. Especialmente valorado en este proyecto ha sido su capacidad por convertir los problemas en soluciones desde el punto de vista urbanístico, estableciendo una perfecta comunión entre los intereses del Ayuntamiento de la ciudad y los de la poderosa empresa dueña del inmueble. Foto: Carlos Ferrater Partnership.

El edificio Mediapro destaca por "su precisa y adecuada solución estructural, así como su resistencia, sencillez y multiplicidad", afirmó recientemente el jurado del premio BigMat de arquitectura, cuyo galardón principal (dotado con 18.000 euros) recayó en este edificio creado por los arquitectos Carles Ferrater, Patrick Genard y Xavier Martí. Situado en el innovador distrito 22@ de Barcelona, esta construcción ha renovado los antiguos terrenos de la emblemática fábrica textil de Ca l'Aranyó y dedica más de 50.000 metros cuadrados a la industria audiovisual. Especialmente valorado en este proyecto ha sido su capacidad por convertir los problemas en soluciones desde el punto de vista urbanístico, estableciendo una perfecta comunión entre los intereses del Ayuntamiento de la ciudad y los de la poderosa empresa dueña del inmueble. Foto: Carlos Ferrater Partnership.

Parece la sede de un museo de arte contemporáneo pero realmente es un templo religioso. La Iglesia de Santa Mónica de Rivas Vaciamadrid (a 15 kilómetros de Madrid) ha despertado el interés de la comunidad arquitectónica internacional y las iras de los vecinos de la localidad madrileña, en su mayoría perpetuos votantes de Izquierda Unida. La creación de Ignacio Vicens y José Antonio Ramos se inauguró a finales del 2008 tras más de una década en construcción. Inmediatamente después fue escogida por la prestigiosa revista Wallpaper como uno de los proyectos más interesantes del planeta. En este caso, esta explosión de cristal y acero aporta una buscada inquietud en el entorno urbano que rodea a esta iglesia. La ruptura con lo establecido deja fuera del conjunto un símbolo imprescindible en una iglesia, la cruz que corona un campanario también inexistente. Foto: Estudio Vicens+Ramos.

Parece la sede de un museo de arte contemporáneo pero realmente es un templo religioso. La Iglesia de Santa Mónica de Rivas Vaciamadrid (a 15 kilómetros de Madrid) ha despertado el interés de la comunidad arquitectónica internacional y las iras de los vecinos de la localidad madrileña, en su mayoría perpetuos votantes de Izquierda Unida. La creación de Ignacio Vicens y José Antonio Ramos se inauguró a finales del 2008 tras más de una década en construcción. Inmediatamente después fue escogida por la prestigiosa revista 'Wallpaper' como uno de los proyectos más interesantes del planeta. En este caso, esta explosión de cristal y acero aporta una buscada inquietud en el entorno urbano que rodea a esta iglesia. La ruptura con lo establecido deja fuera del conjunto un símbolo imprescindible en una iglesia, la cruz que corona un campanario también inexistente. Foto: Estudio Vicens+Ramos.

También polémica es la Torre Cajasol que debe construirse en Sevilla con el diseño del argentino César Pelli, responsable de las célebres Torres Petronas que marcan el tope arquitectónico desde Kuala Lumpur (Malasia). Un espectacular edificio de 180 metros amenaza la hegemonía estética de La Giralda, la mitad de alta y situada a menos de dos kilómetros del solar en el que se pretende construir este nuevo hito arquitectónico. La Unesco ya se ha posicionado y ha instado recientemente la paralización de las obras de construcción de la Torre debido al impacto que puede ejercer sobre los bienes del Patrimonio Mundial (el conjunto que conforman el Alcázar, el Archivo de Indias, y la Catedral con la Giralda). Este rechazo significa que el conjunto histórico de Sevilla podría quedar fuera del catálogo de la Unesco, algo que la organización no ha dudado en hacer con la ciudad alemana de Dresde hace apenas dos meses.  Imagen: Cajasol.

También polémica es la Torre Cajasol que debe construirse en Sevilla con el diseño del argentino César Pelli, responsable de las célebres Torres Petronas que marcan el tope arquitectónico desde Kuala Lumpur (Malasia). Un espectacular edificio de 180 metros amenaza la hegemonía estética de La Giralda, la mitad de alta y situada a menos de dos kilómetros del solar en el que se pretende construir este nuevo hito arquitectónico. La Unesco ya se ha posicionado y ha instado recientemente la paralización de las obras de construcción de la Torre debido al impacto que puede ejercer sobre los bienes del Patrimonio Mundial (el conjunto que conforman el Alcázar, el Archivo de Indias, y la Catedral con la Giralda). Este rechazo significa que el conjunto histórico de Sevilla podría quedar fuera del catálogo de la Unesco, algo que la organización no ha dudado en hacer con la ciudad alemana de Dresde hace apenas dos meses. Imagen: Cajasol.

De nuevo Barcelona. El estudio de arquitectura Willy Müller ha sido el encargado de llevar a cabo el proyecto de remodelación, adecuación y construcción del nuevo Mercabarna-Flor, asentado en un edificio de forma angular y multicolor cercano al Aeropuerto Internacional del Prat y con marcada intención de utilidad pública. Según Müller, el gran reto del proyecto ha sido agrupar los tres sectores, que tienen necesidades totalmente diferentes, bajo una misma estructura arquitectónica, y que cada uno de ellos disfrutara de las infraestructuras necesarias para su exposición, conservación y comercialización. Foto: Mercabarna-Flor.

De nuevo Barcelona. El estudio de arquitectura Willy Müller ha sido el encargado de llevar a cabo el proyecto de remodelación, adecuación y construcción del nuevo Mercabarna-Flor, asentado en un edificio de forma angular y multicolor cercano al Aeropuerto Internacional del Prat y con marcada intención de utilidad pública. Según Müller, "el gran reto del proyecto ha sido agrupar los tres sectores, que tienen necesidades totalmente diferentes, bajo una misma estructura arquitectónica, y que cada uno de ellos disfrutara de las infraestructuras necesarias para su exposición, conservación y comercialización". Foto: Mercabarna-Flor.

Willy Müller Arquitectos es uno de los quince arquitectos que participa en la construcción de Sociópolis, un proyecto que va a convertir a Valencia en capital arquitectónica y cuyo objetivo es crear un nuevo modelo de barrio de vivienda asequible, que responda a las necesidades de las nuevas unidades familiares. El edificio de Müller es una estructura de organización vertical, que se comporta como un champiñón en un área rural. Mínima ocupación, mínimo impacto, máximo rendimiento, explica la memoria del proyecto. La transformación urbana viene guiada por la voluntad de proteger el máximo de superficie de huertos urbanos, cuidados por los propios habitantes del barrio, además de centros de arte y zonas deportivas que acompañen a las viviendas. Foto: Willy Müller Arquitectos (WMA)

Willy Müller Arquitectos es uno de los quince arquitectos que participa en la construcción de Sociópolis, un proyecto que va a convertir a Valencia en capital arquitectónica y cuyo objetivo es crear un nuevo modelo de barrio de vivienda asequible, que responda a las necesidades de las nuevas unidades familiares. El edificio de Müller es una estructura de organización vertical, que "se comporta como un champiñón en un área rural. Mínima ocupación, mínimo impacto, máximo rendimiento", explica la memoria del proyecto. La transformación urbana viene guiada por la voluntad de proteger el máximo de superficie de huertos urbanos, cuidados por los propios habitantes del barrio, además de centros de arte y zonas deportivas que acompañen a las viviendas. Foto: Willy Müller Arquitectos (WMA)

Héctor Llanos: La arquitectura española más vanguardista, El Mundo / Multimedia, 22 de julio de 2009

domingo, 26 de julio de 2009

La National Gallery ofrece 250 obras maestras en el iPhone

La National Gallery londinense ha lanzado una aplicación para el iPhone y el iTouch, que desde la propia pinacoteca describen como la primera iniciativa de este tipo para un museo, y que permite al usuario admirar hasta 250 pinturas de su colección, acompañada de audio y vídeo.

Este paseo interactivo por el museo, al que han definido no sin cierto toque de originalidad como «Love Art», atraviesa 12 espacios temáticos donde los usuarios pueden disfrutar de una selección de las pinturas más importantes del museo entre las que se encuentran piezas de Leonardo da Vinci, Vincent van Gogh, Rembrandt, Renoir y Botticelli.

«Diseñada para atraer a los amantes y aficionados del arte, esta aplicación es la primera de su tipo en ser lanzado por un gran museo», señaló la Galería Nacional en un comunicado de prensa, y añade que será gratis por un período limitado. Además del audio y el vídeo la aplicación incluye entrevistas con el director de museo, Nicholas Penny, o con la estadounidense Tracy Chevalier, autora de la novela "La joven de la perla ". Los usuarios pueden ampliar las imágenes sobre el lienzo para observar los detalles de las obras de los grandes maestros.

AFP, Londres: La National Gallery ofrece 250 obras maestras en el iPhone, ABC, 23 de julio de 2009

El amor a Tiziano triunfa en Londres

Londres está invadida de turistas y, en este verano gris y lluvioso, los chubascos dispersos invitan al visitante a refugiarse en los museos: no sólo tienen techo, son gratis. La Galería Nacional, que preside de forma estratégica uno de los grandes iconos turísticos de la capital británica, la plaza de Trafalgar, estaba ayer a reventar de visitantes.

Las manadas de alegre muchachada entraban en sonora cola a última hora de la mañana por la puerta principal. En las escaleras que conducen a la planta segunda, donde se despliegan los tesoros de la galería, una pareja de maduros turistas italianos parecía al borde de la típica discusión absurda de quienes quizá ya llevan demasiados días juntos. Aquí y allá, los teléfonos móviles eran el objeto más preciado del visitante.

En un banco discretamente apartado, apoyadas contra la pared, dos chicas jóvenes se afanaban por engullir sendos bocadillos. Una botella medio llena de Coca-Cola, de considerable calibre, coronaba la imagen más bien absurda del improvisado pic-nic en uno de los más venerados templos artísticos de la capital británica. A sus espaldas, en el otro lado del muro, reinaba la paz y la armonía. En una sala discreta y apartada, cerrada con puerta pero de libre acceso, apenas una decena de curiosos se han acercado a ver El triunfo del amor, un tiziano que se exhibe en público por primera vez desde 1960.

El triunfo del amor, de Tiziano, antes y después de ser restaurado.- NATIONAL GALLERY

La tela estará expuesta desde ayer y hasta el 20 de septiembre en el museo londinense cuyos restauradores han recuperado sus colores iniciales. Luego será trasladada al Museo Ashmolean de Oxford, que lo adquirió después de que su anterior propietario lo entregara al Estado a cambio de exenciones fiscales.

Según Catherine Whistler, curator del Ashmolean, Tiziano pintó El triunfo del amor hacia 1540 por encargo del patricio veneciano Gabriel Vendramin. En un principio fue utilizado como “tímpano” o cubierta para ocultar otro cuadro. Se trataba del retrato de una hermosa mujer con la mano derecha en el pecho. La posibilidad más verosímil es que Vendramin quisiera mantener así sólo para sus ojos y los de sus elegidos el rostro de la que quizá era su amante, o su amor platónico.

La tela de Tiziano, que representa a Cupido con arco y flecha, de pie encima de un león, con un paisaje veneciano al fondo, podría ser un mensaje elegido por el patricio veneciano: el amor y el ideal de belleza imponiéndose a las pasiones bestiales.

La National Gallery ha tenido el acierto de mostrarlo en una salita ni grande ni pequeña, apartada del bullicio de los demás pabellones. La pequeña exposición se redondea con otras tres obras a modo de complemento alegórico. Por un lado, los reversos de Mujer de perfil (obra de un discípulo de Botticelli hacia 1490) y Retrato de un hombre, un jacometto pintado entre 1475 y 1498. En la pared de enfrente cuelga un segundo tiziano, Alegoría de la prudencia (1550-1565), en el que se funden los rostros de un hombre joven, otro en plena madurez y un tercero en la vejez.

Walter Oppenheimer, Londres: El amor a Tiziano triunfa en Londres, El País, 22 de julio de 2009

sábado, 25 de julio de 2009

Desenterrada una necrópolis faraónica con 53 tumbas

Un equipo arqueológico egipcio ha desenterrado una necrópolis con 53 tumbas excavadas en la roca que datan del Imperio Medio y Nuevo y de la XXII dinastía faraónica (III, II y II milenio a.C.), según ha informado el Consejo Supremo de Antigüedades (CSA). En un comunicado, precisa que la necrópolis fue descubierta en la región de Al Fayum en una zona arqueológica conocida como Al Lahun, donde está la pirámide del mismo nombre.

Uno de los sarcófagos de maderas encontrados en las tumbas. | Efe

El ministro de Cultura egipcio, Faruk Hosni, ha explicado que hay dos tipos de tumba: unas, con una única cámara mortuoria y otras, más elaboradas, con una sala de entrada que conduce a una segunda superior, desde la que a su vez se accede a un tercer compartimento, situado, curiosamente, a nivel inferior.

A su vez, el secretario general del CSA, Zahi Hawas, ha precisado que en las tumbas se han hallado varios sarcófagos de madera decorada con momias en su interior. Hawas explicó que la decoración de los féretros se encontraba en un buen estado de conservación. Junto a las tumbas fueron halladas 15 máscaras decoradas así como amuletos y recipientes de arcilla cocida.

El supervisor de antigüedades del Egipto Medio, Abdelrahman Al Ayedi declaró, asimismo, que fue hallada una capilla funeraria del Reino Medio (2061-1786 A.C.) que probablemente fue reutilizada durante época romana (30 A.C - 337 D.C). Al Ayedi ha subrayado que habían sido recuperados féretros de barro y joyería de cobre de la era romana, junto a una colección de amuletos en buen estado de conservación.

Desenterrada una necrópolis faraónica con 53 tumbas, El Mundo, 12 de abril de 2009

La iglesia de San Agustín, recuperada para el Patrimonio Artístico de Córdoba

Una generación de cordobeses tendrá oportunidad de conocer a partir de octubre la riqueza monumental de una de las iglesias más singulares de la ciudad. Más de 30 años después de su cierre, San Agustín reabrirá sus puertas al culto y los visitantes gracias a la restauración llevada a cabo en los últimos dos años y medio por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, que ha invertido 3.601.237 euros en la recuperación del templo en el marco del programa de intervención sobre bienes inmuebles Andalucía barroca. Será, por otra parte, el reencuentro emocional de muchos otros ciudadanos de más edad con una iglesia que, ubicada en el corazón de la ciudad, exhibe un vibrante corazón barroco que ahora puede ser disfrutado en todo su esplendor.

Las autoridades durante la visita


La iglesia de San Agustín de Córdoba, situada en el casco histórico de época medieval, es un claro ejemplo de una construcción con corazón barroco encerrado en formas góticas; se encuadraía en el llamado barroco epidérmico, ya que a pesar de haberse construido en 1328 con un estilo gótico inicial -del que aún se conservan caracteres gótico fernandinos tan comunes en Córdoba-, sufrió una gran transformación barroca en 1623 influenciada por Hernán Ruiz. El templo está estructurado en tres naves -dos laterales y una central de mayor tamaño y altura que las anteriores-, y presenta una portada del siglo XV. No obstante, la torre, con dos cuerpos de campanas, se construyó en el siglo XVI. De este templo destacan la bóveda de la nave central, profusamente decorada mediante yeserías y pinturas murales que representan escenas del Credo, y la Inmaculada -del siglo XVII-, situada en el coro y atribuida a Cristóbal Vela. También cabe señalar la riqueza patrimonial de los retablos, carpinterías, pinturas y altares.

La consejera de Cultura de la Junta de Andalucía, Rosa Torres, visitó el 22 de julio de 2009 una iglesia que en su proceso de restauración "se ha ido mostrando poco a poco". En principio exhibió sus naves laterales. "Esta iglesia es una de esas joyas heredadas y olvidadas del patrimonio andaluz", señaló Torres, que destacó que en el prolongado abandono de San Agustín han colaborado diversas circunstancias. "Podemos situar el comienzo de su declive en 1808, cuando las tropas napoleónicas la convirtieron en cuartel", añadió la consejera, que subrayó no obstante la protección que el templo ha recibido "por parte de sus tutores: los agustinos y, posteriormente, los dominicos", así como de "mecenas e instituciones". En este sentido, recordó las intervenciones de urgencia que el Ministerio de Cultura y la Junta de Andalucía realizaron en la iglesia en los años 1982 y 1986.

La restauración de San Agustín, cuyas obras se iniciaron a principios de 2007 y están prácticamente finalizadas, por lo que se prevé que se abra al culto el día 7 de octubre, que es la festividad de la Virgen del Rosario, han consistido en la intervención completa en todas las naves del templo, en las cubiertas, en la consolidación de la torre, la renovación de revestimientos interiores y exteriores, entre otras actuaciones. Asimismo, se ha llevado a cabo la restauración de la decoración de yeserías, de las pinturas murales, del conjunto retablístico, de los frontales del altar de mármol, la carpintería del coro y el púlpito de madera, a lo que hay que añadir la reconstrucción de la decoración de la torre del campanario sobre la base de los restos de color que presentaba.

En el proceso de reforma se han descubierto nuevas pinturas murales bajo encalados y repintes, pertenecientes al siglo XVII y que representan escenas de la nobleza de la época -posiblemente sean mecenas- y a San Agustín ordenado obispo Padre de la Iglesia. También se revelan pinturas decorativas que fingen ricos tapizados, follajes vegetales y cortinajes del siglo XIX. Marina Ruiz, técnico de restauración de la Delegación de Cultura de la Junta en Córdoba, se refirió a los descubrimientos de nuevos murales descubiertos en los ábsides, casi todos pertenecientes a la iconografía agustina. La responsable de restauración explicó que lo más complicado ha sido la recuperación de la yesería, que ha sido sometido a un proceso de restauración muy lento y delicado y que se ha llevado un alto porcentaje de las labores de obra. Además de restaurarse todo lo que estaba en mal estado, se ha recuperado al menos un 30% de lo que estaba totalmente perdido. "En la nave central -explicó Marina Ruiz al preguntarle por un mural resquebrajado- hubo una intervención en los años 90, debida a la emergencia de desplome, que llevó a la deformación de los murales, que son ahora irrecuperables y que se han convertido en testigos de aquel daño". En la fachada se han abierto los óculos que han estado cerrados durante décadas y que ahora le vuelven a dar luz natural al templo.

Por otro lado, se ha dotado al templo barroco de las instalaciones necesarias para su uso y funcionalidad religiosa y cultural, para lo que se ha procedido a la renovación de la instalación eléctrica y de fontanería y del sistema antirrobo y contraincendios.

Las obras de restauración de este inmueble, que harán posible que la Iglesia de San Agustín luzca en todo su esplendor, fueron interrumpidas durante cinco meses en 2007 para albergar la exposición El fulgor de la Plata , una de las seis exposiciones monográficas organizadas por la Consejería de Cultura dentro del programa Andalucía Barroca, y con la que se pretendía mostrar, a través de una cuidada selección de objetos litúrgicos, joyas y piezas de platería civil, la importancia de la platería andaluza en el Barroco. En las últimas décadas se hicieron obras de urgencia -ante la inminencia ruina del templo- en 1982, a cargo del Ministerio de Cultura, y más tarde fue la propia Consejería de Cultura la que volvió a llevar a cabo obras para salvaguardar el estado de la iglesia. Con la restauración actual queda el templo barroco totalmente recuperado.

Alfredo Asensi, Córdoba: San Agustín recupera el esplendor, El Día de Córdoba, 23 de julio de 2009
Antonio Rodríguez: La iglesia de San Agustín abrirá en octubre después de 35 años cerrada, Diario Córdoba, 23 de julio de 2009
Antonio Rodríguez: Descubiertos varios murales perdidos, Diario Córdoba, 23 de julio de 2009

viernes, 24 de julio de 2009

Dalí, eterna caja registradora

La puesta en escena no puede ser más surrealista. Un colorido edificio coronado por huevos gigantescos a través de los cuales se perciben las siluetas de una veintena de maniquíes déco. Entre los muros, el genio de Dalí sigue más vivo que nunca. Éste fue su hogar desde la muerte de Gala y allí está enterrado. El antiguo teatro de Figueres, sede de la Fundación Gala-Dalí, inaugurado en 1983 a mayor gloria de Salvador Dalí (1904-1989), no es sólo una performance continua del artista más popular del siglo XX, sino que, con el paso de los años, se ha convertido en uno de los museos privados que más visitas registra (una media de 6.000 personas diarias, frente a las 8.000 que tiene el Prado) y que más beneficios genera (4.429.000 euros, según la última memoria). El Cadillac lluvioso, las gárgolas o el rostro de Mae West fascinan cada vez más a un público de toda condición. El ex presidente de la Generalitat, Pasqual Maragall, resumió hace tiempo la fórmula del éxito de este museo al decir que a él le interesaba y a su hija le divertía. Estar ubicado en la Costa Brava y a 20 kilómetros de la frontera con Francia son factores que alegran el resultado.

Una vista de la famosa sala del Cadillac, una de las grandes atracciones del Museo Dalí de Figueres. PERE DURÁN

Lo que se conoce como la mayor instalación surrealista de la historia está agrupada en cuatro museos: el teatro de Figueres, una construcción decimonónica destrozada por las llamas al final de la Guerra Civil; la casa museo de Portlligat, el que fuera el único domicilio estable de la célebre pareja; el castillo de Púbol, un espacio privado para Gala, y un anexo al teatro en el que se muestran las joyas diseñadas por Dalí: 37 piezas de oro y piedras preciosas y con 27 dibujos y pinturas preparatorias firmados entre 1941 y 1970.

Todo empezó a principios de los sesenta, cuando el artista era ya universalmente famoso. Decidió crear un museo adecuado a la grandiosidad de su obra. Pronto escogió el viejo teatro del pueblo. De lo más local se pasaría a lo más universal. Hijo más que predilecto de Figueres, el Ayuntamiento no puso ningún obstáculo. Dalí quiso que la estructura se mantuviera tal cual, incluso las vigas dañadas por el fuego. En este lugar pasó el pintor sus últimos cuatro años y por él se desplazaba con la sonda. Aquí celebró un congreso mundial de sabios para hablar de los avances científicos que tanto le entusiasmaron toda su vida y que tan presentes están en su obra. Aquí perviven sus recuerdos y sus mejores obras. El Museo Dalí recibe cada día más de 6.000 visitantes. PERE DURÁN

La inmersión en el mundo de Dalí arranca en la propia plaza que da acceso a la entrada principal. Aquí se acumulan (él era de amontonar, no de seleccionar) todas sus obsesiones: la ciencia (Homenaje a Newton), el arte académico (tres esculturas de Meissonier), el arte más novedoso (el Obelisco de la Televisión, de Wolf Vostell) y el pensamiento catalán (el monumento a Francesc Pujols). Las figuras con chuscos de pan apoyadas en muletas que luego acompañan al visitante por todo el edificio, también están presentes en el entorno. Una gran fotografía del artista en Portlligat, hecha por Marc Lacroix en 1974, el año de la inauguración del museo, preside la zona de las taquillas. Pagados los 11 euros que cuesta la entrada, el visitante se encuentra en lo que fue el antiguo patio de butacas del teatro y ahora es la mayor instalación daliniana. El Cadillac lluvioso es la pieza principal. Regalo de Dalí a Gala, el artista presumía de que sólo había seis iguales en el mundo, que uno de ellos lo tenía él y otro Al Capone. Sobre el capó, apabulla la presencia de La gran Esther, de Ernst Fuchs. La giganta estira con sus cadenas la columna trajana de neumáticos. Allí está también el esclavo daliniano de Miguel Ángel y sobre todo ello pende la barca que Gala utilizaba cuando salía a pescar. En la parte posterior del auto hay dos maniquíes con caracoles incrustados en el cuerpo. Si echas un euro, las figuras se mueven azotadas por la lluvia.

El Museo Dalí recibe cada día más de 6.000 visitantes. PERE DURÁN

A partir de aquí la excursión ofrece de todo. Hay más de 400 óleos esenciales en la obra del artista mezclados con objetos delirantes. Están todas aquellas pinturas conocidas por los amantes del mundo de Dalí que aparecen en los manuales esenciales sobre su obra: los retratos de Gala, el cesto de pan, los Cristos, La apoteosis del dólar, el retrato de Picasso en el siglo XXI, sus figuras rinocerónticas... Y también las fotografías de Amanda Lear, sus esculturas inspiradas en Velázquez, su enloquecida habitación perfectamente conservada, el montaje de Mae West...

Dalí es objeto de culto en todo el mundo. Miami, París, son algunas de las ciudades que cuentan con museos dalinianos. La cantidad y calidad de la obra no es comparable y además, sólo en Figueras se controlan los derechos sobre su obra. Constituida en vida del artista, su objetivo es preservar y difundir la obra del artista. Ramón Boixadós, es, después del propio Dalí, el primer presidente de la fundación. Boixadós presume de unos resultados que muy pocos museos del mundo pueden presentar, más, como cuando en su caso, no cuentan con ninguna ayuda pública. Y no le importa. Explica que la estructura de la fundación funciona como un calco de una empresa privada moderna. Tienen un gerente, Joan Manuel Sevillano Campalans, que controla con mano de hierro los derechos de imagen y una directora artística, Montse Aguer i Teixidor, directora del Centro de Estudios Dalinianos y responsable última de lo que se muestra en las cuatro sedes.

Pero el mayor logro de la fundación tiene que ver con la operación de limpieza sin contemplaciones que los patronos han realizado. "Hemos acabado con la mangancia", asegura Boixadós. "Hemos puesto orden en toda la obra de Dalí. Nuestro prestigio es tal que el FBI no da un paso sin consultarnos". ¿Tan grave era la situación que un organismo internacional como éste se ve obligado a intervenir de manera habitual? "Ha habido mucha falsificación en el mercado. Afectaba a la obra gráfica. Nunca a los óleos. Y también hemos tenido que luchar contra leyendas como que Dalí firmaba en blanco. No lo hacía. Ni él ni Gala. Todo eso han sido mentiras lanzadas por quienes estaban en el negocio de los falsos. Lo que se mueve ahora en el mercado legal no está bajo sospecha. Otra cosa es, como ocurre con muchos artistas, aquello que se negocia sin garantías en lugares no profesionales".

La fundación tiene un comité de autentificación que se ocupa de analizar la obra que sale al mercado bajo el amparo de la herencia o la donación. "Dalí se movió mucho por todo el mundo, especialmente en Estados Unidos", añade Sevillano.

La institución privada disfruta también de los derechos sobre todo lo que se comercialice bajo la marca Dalí. Con los beneficios, han ampliado de manera notable los fondos de la fundación. Recuperan telas, compran esculturas o adquieren cualquiera de las extrañas piezas realizadas por este prolífico y original creador. La colección de joyas llegó, así, gracias a los beneficios del museo. Enterados de manera fortuita de que las tenía un financiero japonés en bancarrota, pagaron siete millones de dólares.

Una de las últimas intervenciones de la fundación en defensa de la imagen de Dalí ha consistido en desautorizar la versión cinematográfica que del artista iba a interpretar Antonio Banderas. Consideraron que el guión vendía un personaje que no se ajustaba a la realidad. "El hecho de que Andy Warhol fuera un alumno desaventajado a la hora de hacerse publicidad respecto a lo conseguido por Dalí, no supone que fuera un estafador intelectual", concluye Sevillano. "Frente a proyectos como éstos seguiremos siendo implacables".

La atracción por el genio se multiplica según pasa el tiempo. El día en el que se hizo este reportaje, la familia Urdangarín al completo se confundía entre los visitantes.

">Monarquía y multitudes. A Dalí le hubiera gustado.

Ángeles García, Figueras: Dalí, eterna caja registradora, El País, 22 de julio de 2009

Solana dice que no pretendía poner en duda la reordenación del Reina Sofía

El director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, Guillermo Solana, ha asegurado que no pretendía poner en duda “la validez” de la reorganización de la colección del Museo Reina Sofía con las declaraciones realizadas durante una reciente entrevista con Efe, que ha considerado hoy “desafortunadas”.

El conservador jefe del Museo Thyssen, Guillermo Solana. EFE/ Archivo

Solana afirmó en esta entrevista que la reordenación diseñada por Manuel Borja-Villel tenía “fecha de caducidad” y añadió que le “inquieta” ver desaparecer movimientos como El Paso o Equipo Crónica e incluso la “cierta dispersión” de grandes artistas como Picasso, Dalí o Miró. “Mi intención no fue en ningún momento con esas declaraciones desafortunadas poner en duda la validez de la nueva instalación del Reina Sofía que considero que es enormemente estimulante”, ha afirmado a Efe Solana.

El director artístico ha señalado que, como ya declaró en la entrevista, la reordenación “quizá no se ajusta a la historia canónica que hemos leído en los manuales de la historia del arte español”. “Considero perfectamente valida la nueva instalación. Los grandes artistas siguen estando ahí y además hay una serie de incorporaciones de nuevos creadores, adquisiciones que ponen en una nueva perspectiva a esas grandes figuras del arte del siglo XX”, ha añadido.

Guillermo Solana ha querido destacar que profesa “un gran respeto” al Museo Reina Sofía “y a Manuel Borja Villel y lamento todo esto”.

EFE, Madrid: Solana dice que no pretendía poner en duda la reordenación

A modo de justificación...

Recomedamos también
El presente blog pretende ser un compendio de los artículos, y publicaciones recogidos en los medios de comunicación (escritos y audiovisuales), principalmente de España, para el estudio de la Historia del Arte. Aspira a ser una guía complementaria para su conocimiento y una referencia para la reflexión y análisis del mundo que nos rodea para difundir la defensa del patrimonio a futuras generaciones. Tuvo su origen a comienzos de junio de 2007, como blog de aula en la materia de Historia del Arte, para la modalidad de Humanidades y Ciencias Sociales de 2º de Bachillerato en el I.E.S. Carbula de Almodóvar del Río (Córdoba). Pero la idea fue creciendo y adquiriendo una dimensión inesperada. Ahora, en un nuevo destino profesional deseamos continuar la experiencia, manteniendo la identidad, para poder alcanzar a nuestros alumnos, en su forzado contacto con la materia, y con el público en general, para que profundice en los entresijos de un aspecto de la civilización de gran calado.