lunes, 30 de noviembre de 2009

La «Cosmética dogmática» de Gordillo

Un centenar de piezas de más de sesenta artistas pertenecientes a la Colección de Arte Contemporáneo Fundación la Caixa se exhiben a partir de mañana en una muestra organizada en CaixaFórum Barcelona bajo la óptica creativa del pintor sevillano Luis Gordillo. Premio Nacional de Artes Plásticas de 1981 y exponente destacado del arte abstracto español, el pintor ha ordenado y escogido la selección de obras entre las ochocientas del fondo de esa institución y la ha titulado "Cosmética dogmática".

El pintor Luis Gordillo posa ante una obra de Miquel Barceló
/EFE

La exposición muestra obras de Jorge Oteiza, Manuel Millares, Concha García, Miquel Barceló, Chema Cobo, Ferran García Sevilla, Martin Kippenberger, Robert Gober, Sue Williams, Ernesto Neto y Juan Ugalde, Antoni Tàpies o Manuel Millares, entre otras. Tras aclarar que no se considera un comisario de exposición "porque si lo fuera tendría imperativos ortodoxos que guardar", Gordillo ha explicado que ha "utilizado obras de artistas para crear una obra propia". El pintor afincado en Madrid ha trabajado en "Cosmética dogmática" más de un año, primero con imágenes y después en vivo, y ha puesto a "dialogar las obras" en una contraposición "peligrosa pero atractiva" porque cada obra "tiene un elemento que la potencia y si las juntamos tienen elementos teatrales, como personajes que hablan entre sí".

Un hombre, ante una obra de Antoni Tapies /EFE

La selección de Gordillo

"He elegido buenos personajes, no tanto obras excelentes -ha señalado el pintor- he juntado los personajes y los he colocado en un espacio para que el espacio se tense y produzca un espacio teatral". A juicio de Gordillo el título de la exposición "es un chiste" porque el arte "es un elemento cosmético ya que la realidad es dura y nosotros tendemos a engañarnos y a ponernos guapos".

Gordillo ha destacado su preferencia por el pintor alemán Martin Kippenberger, un artista, sobre todo pintor, que vivió en Carmona y "que se lo pasó muy bien en España", un artista físico, "muy libre, muy directo" con una sola obra en el fondo de CaixaFórum. La obra de Kippenberger es una escultura de madera recubierta de papel, el mismo que recubre los lavabos de Robert Gober que se exponen en la misma sala en donde también se puede ver otra escultura de la gallega Angela De La Cruz formada por un hule doblado y pintado de amarillo.

Otra sala de obras muy coloristas está presidida por el cuadro "Mapa de Carn" del "primer momento" y "una de las mejores obras", según Gordillo, de Miquel Barceló que "dialoga" con obras de Juan Ugalde, Carlos Franco, Chema Cobo y Ferran García Sevilla.

En otro punto de la exposición ha dispuesto en la pared a modo de "gran anuncio", varias obras de Rogelio López Cuenca "muy comprometidas al darle la vuelta a los logotipos de marcas y convertirlas en una crítica al capitalismo". Óleos de Antonio Saura y Manuel Millares colgadas en un espacio rosa vivo muestran "un trozo de la historia, cuando España estaba gobernada de manera autoritaria" como el cadáver con vísceras al aire que representa Millares, así como una obra de Antoni Tàpies.

El pintor Luis Gordillo, junto a una obra del brasileño Ernesto Neto /EFE

En otro espacio de paneles abiertos se han situado varias esculturas pequeñas de Jorge Oteiza, que "se pueden contener entre los brazos", según palabras del artista parafraseadas por Gordillo. La exposición forma parte del ciclo "La mirada del artista", realizado con obras de la colección de arte contemporáneo de la Fundación "la Caixa".

EFE, Barcelona: La «Cosmética dogmática» de Gordillo, ABC, 19 de noviembre de 2009

domingo, 29 de noviembre de 2009

El mejor Pedro de Campaña en la Catedral de Sevilla

Restauración de la capilla del Mariscal de la Catedral. Vídeo: Javier Díaz.

No es un retablo más de los 63 que hay en la Catedral. Muchos especialistas la califican, de hecho, como la obra más interesante que realizó a lo largo de su extensa vida Pedro de Campaña, nombre castellanizado del pintor flamenco Peter Kempeneer (1503-1580). Una de las obras capitales del Renacimiento en Andalucía, el retablo de la Purificación de la Virgen, situado en la capilla que dotó para su enterramiento el Mariscal de la Isla La Española Diego Caballero, ha recuperado su esplendor original gracias a la restauración integral que el Cabildo catedralicio está acometiendo sobre esta joya monumental.

Aunque faltan por colocar todavía la tabla de la Crucifixión y la célebre tabla central de la Purificación de la Virgen, que da nombre al conjunto, la restauración se encuentra muy avanzada, por lo que en febrero de 2010, después de 18 meses de trabajos, se dará por concluida la misma. Con un presupuesto total de 305.055 euros, los trabajos han abarcado el tratamiento integral del retablo (8,83 metros de alto por 5,70 metros de ancho) y su arquitectura portante, la restauración de seis de las diez pinturas sobre tabla que conforman el conjunto (las otras cuatro habían sido intervenidas recientemente), los restos de pintura mural conservada en la capilla, el frente de la sacristía y su barandilla y la mesa de altar con su frontal, además de una actuación de conservación preventiva en la bóveda.

A decir de la responsable de Bienes Muebles del Cabildo Catedral, Teresa Laguna, la restauración integral del retablo de la Purificación de la Virgen, que ha llevado a cabo la empresa Ágora SL, aporta nuevas perspectivas sobre la obra de Pedro de Campaña. De hecho, la retirada de los antiguos repintes dispuestos en la primera intervención documentada (1880-1884), ha permitido sacar a la luz la verdadera policromía del retablo con su lenguaje cromático renacentista, realizado con colores complementarios y cálidos. "Éste es otro Campaña. Ahora es un retablo mucho más cálido, mucho más renacentista y su percepción cambia aspectos importantes de la historia del arte", subrayó Laguna. Tan importante como la limpieza de los barnices oxidados y repintes en las tablas pictóricas ha sido la laboriosa tarea de desmontaje y nueva disposición de las piezas del retablo, realizadas pieza a pieza, así como la desinsectación y desinfección de toda la estructura portante. Todo ello ha puesto de manifiesto la excelente calidad material del retablo, "roble de primera calidad".

José Gómez Palas, El mejor Pedro de Campaña, El Correo de Andalucía, 10 de noviembre de 2009

Murillo no se casó por amor

Ni Bartolomé Esteban Murillo pretendió insistentemente a Beatriz de Cabrera y Villalobos para convencerla de que se casara con él, ni ésta de resistió hasta el punto de llegar a dudar en el altar, ni el pintor sevillano llegó a su boda con escasos recursos económicos. El siglo XIX rodeó la vida de este matrimonio de un halo de romanticismo y una leyenda de amor que acaba de desvanecerse gracias a un amplio estudio biográfico sobre la mujer de Murillo, realizado por el investigador y profesor de Secundaria Francisco Miguel Ruiz Cabello, que ha titulado Doña Beatriz de Cabrera y Villalobos, la doncella que enamoró a Murillo. El Ayuntamiento de Pilas incluye este estudio dentro del VII Volumen sobre Historia de Pilas. El trabajo, elaborado tras varios años de investigación en diferentes archivos, versa sobre la trayectoria vital de esta pileña afincada en Sevilla y casada en 1645 con el pintor sevillano.

La principal novedad que aporta este estudio es la trascripción de la inédita escritura de dote que Beatriz de Cabrera aportó al matrimonio, y que este investigador halló en “pésimas condiciones” en la sección de Protocolos del Archivo Histórico Provincial de Sevilla. Este documento confirma que la boda fue por conveniencia, acordada entre las dos familias, siendo su principal artífice el tío y tutor de la novia, el platero Tomás de Villalobos, al tiempo que ofrece importantes datos sobre la posición económica de los contrayentes.

Beatriz de Cabrera, a la que algunas leyendas consideraban una noble de la época, era una mujer proveniente de una familia desestructurada y alejada de la aristrocracia. Su padre murió siendo ella una niña y su madre fue encarcelada por culpa de su padrastro, que dilapidó la fortuna familiar. Con 20 años, su tío Tomás de Villalobos se la llevó a Sevilla, donde tres años después, en 1645, contrajo matrimonio con el pintor. A esta unión aportó la dote valorada en 2.000 ducados, lo, según explica a este periódico el investigador, supone una cantidad “aceptable, pero que demuestra que no era rica”, sobre todo “porque le llevó tiempo reunirla y precisó de donaciones familiares”. Murillo, por su parte, aportó 500 ducados, “una cifra que en relación con la que solían aportar los varones al matrimonio nos habla de que ya entonces estaba ya bien situado económicamente y no era un zarrapastroso que pintaba por las calles, como algunos sostienen”.

Pese a todo, el investigador defiende que este matrimonio llegó a amarse con los años. Tuvieron diez hijos –Beatriz murió la noche de fin de año de 1663 pariendo al último– y cuando Murillo se quedó viudo, con 41 años, no volvió a casarse. Por cierto, sólo uno de sus hijos, el que se trasladó a América, tuvo descendencia. El resto murió o ingresó en la Iglesia. De modo que la descendencia del pintor, de haberla, estaría al otro lado del charco.

José Gallego Espina, Murillo no se casó por amor, El Correo de Andalucía, 25 de noviembre de 2009

sábado, 28 de noviembre de 2009

František Kupka, el desconocido fundador del arte abstracto

František Kupka (Opočno, Bohemia oriental, 23 de septiembre de 1871 - Puteaux, Francia, 24 de junio de 1957) fue un pintor y artista gráfico checo considerado como uno de los pioneros y co-fundador de las primeras etapas del arte abstracto y cubismo órfico (orfismo). Las obras abstractas de Kupka surgieron de una base de realismo, pero más tarde evolucionaron hasta el arte abstracto puro.

«Autour dun point» es la obra que mejor representa el universo pictórico de Kukpa /FUNDACIÓN JOAN MIRÓ

«Una vez más, hay que hacer arte puro». Esta frase tan aparentemente inocua para la historia del arte resume los principios creadores (y vitales) de František Kupka, cuya abstracción pictórica puede contemplarse desde el hoy y hasta el 24 de enero en la Fundación Joan Miró de Barcelona, con el patrocinio del BBVA. El aire que se respira entre los muros de este museo, bella semblanza arquitectónica que observa Barcelona con dulzura, es tan limpio que hasta se aprecia la respiración de la comisaria de la retrospectiva de Kukpa, Brigitte Léal, conservadora del Museo Nacional de Arte Moderno – Centro Pompidou.

Su aspecto enjuto y entrañable forma parte de la femenina comparsa que presentó en (exclusiva) sociedad la obra de este pintor checo, tan personal como olvidada. Junto a ella comparecieron Rosa María Malet, directora de la Fundación Joan Miró, Concepción Badiola, directora de actividades culturales del BBVA y Martina Millá, también de la Fundación y artífice junto a Léal de que Kupka deje de ser el gran desconocido del arte abstracto europeo, al menos en España.

Si Malet comenzó presentando a Kupka como el «creador fundacional del arte abstracto», Badiola se detuvo en la magnitud de la muestra y Millá destacó el objetivo perseguido por la Fundación de «dar a conocer a uno de los más intrigantes maestros abstractos», la verdadera clase magistral vino de la mano de la comisaria, Brigitte Léal. Y es que junto a ella tuvimos ocasión de disfrutar de un exhaustivo y didáctico recorrido por las cinco décadas de producción que componen la muestra de este pionero del arte abstracto. Desde sus inicios figurativos hasta su creativo retiro en la abstracción.

Un artista melancólico

Ubicado en París desde principios del siglo XX, Kupka tuvo la suerte de estar en la ciudad adecuada en el momento adecuado, pues la ribera del Sena vio aparecer los principales movimientos artísticos del siglo XX. Entre ellos el arte abstracto, de cuya escuela fue Kupka (casi) fundador pero desconocido integrante. Su personalidad melancólica y solitaria, tal y como explicó Léal, le mantuvo aislado del mercado y finalmente se vio eclipsado por la gran estela de Kandinsky, con el que muchos insisten (ahora) en compararle.

El Centro Pompidou posee desde 1963 y gracias a la generosa aportación de la viuda del pintor checo, la mayor colección de František Kupka de todo el mundo. Es del centro francés de donde proceden gran parte de las 80 obras que constituyen la muestra, además de valiosos documentos del artista checo pertenecientes a la colección de Pierre Brullé, considerado uno de los mayores expertos del mundo en Kupka.

Y es que la sensibilidad de František Kupka, al que se han dedicado amplias retrospectivas en Japón, Estados Unidos o Francia, le llevó a crear, como destacó la comisaria de la exposición «su propia abstracción a través de un desarrollo en el que se mezclaba su interés por el campo científico y espiritual». Kupka encarna el dinamismo de la vida moderna y la filosofía. Su mezcla de colores, vivos y llamativos, dejan una estela infinita en ese universo al que intentó acercarse a lo largo de toda su obra, pues «su investigación pictórica buscaba siempre el sentido humano».

Su relación con la música, sus dudas respecto a su obra, su paso por el grupo de Puteaux o la fundación del grupo Abstraction-Création como respuesta al surrealismo de Breton se van deslizando por la retina del afortunado descubridor de su obra. La obra de un artista sensible al paso del tiempo que ya es inmortal en las paredes de la Fundación Joan Miró.

Inés Martín Rodrigo, Barcelona: František Kupka, el desconocido fundador del arte, ABC, 28 de noviembre de 2009

La Sala Retiro Caja Madrid subasta dos óleos de Romero de Torres

La Sala Retiro Caja Madrid presentará este año en su tradicional subasta extraordinaria navideña, que se celebrará el próximo 10 de diciembre, dos óleos de Julio Romero de Torres, Pastora Imperio y un Retrato de Elena Pardo, que tienen un precio de salida de 380.000 y 120.000 euros respectivamente. El director de la sala, José Pedro Bailén, augura un elevado interés por estas piezas que tienen un "atractivo" precio de salida, en comparación con los recientes remates obtenidos por piezas similares a nivel internacional, "cuyos precios han superado el millón de euros".

'Pastora Imperio', de Julio Romero de Torres

Julio Romeo de Torres retrató en varias ocasiones a Pastora Rojas Monje, Pastora Imperio, una de las cantantes, bailaoras y actrices más carismáticas de su tiempo. En este retrato, firmado y realizado en 1922, presenta a la artista como una hermosa y altiva reina gitana, vestida con traje de lunares y mantilla granadina. La mujer aparece sentada en una repisa de piedra, sobre un fondo neutro sin apenas referencias anecdóticas, lo que hace resaltar más la personalidad de la retratada y refuerza la intensidad de la expresión de sus ojos verdes, que el pintor supo captar en toda su fuerza expresiva.

Este retrato, de óleo y temple sobre lienzo de 95 x 110 centímetros, se expuso en la Galería Whitcomb de Buenos Aires, en la exposición monográfica de Julio Romero de Torres en 1922, y sale a subasta por 380.000 euros, frente a los 120.000 euros por los que sale El Retrato de Elena Pardo, un óleo y temple de 60 x 50 centímetros. Junto con el óleo se adjunta un certificado de autenticidad firmado por Mercedes Valverde Candil, directora del Museo Julio Romero de Torres, emitido en 2004. Valverde identifica esta obra cono uno de los retratos que Romero de Torres realizó a Elena Pardo, vicetiple del Teatro Romea de Madrid y una de las modelos más representadas por el pintor en la década de los años 20.

Por otra parte, Un retrato de una dama, de Joaquín Sorolla, con un precio de salida de 300.000 euros, será otro de los cuadros más significativos de la subasta. El óleo sobre lienzo de 128 x 78 centímetros, firmado en 1920, es un retrato de cuerpo entero de una joven, ataviada con el traje de fiesta de las labradoras valencianas. Técnicamente es un retrato de una ejecución rápida y segura, con unas pinceladas muy empastadas y vibrantes, resuelto en puras manchas de color. Fue pintado en el estudio de Sorolla, como lo demuestra el cuadro titulado Rincón del estudio, en el que aparecen la silla y el atuendo de valenciana con el que posó la retratada. Al estar fechado en 1920, es uno de los últimos retratos que realizó el pintor antes de sufrir una enfermedad que le impidió continuar su obra.

Europa Press, Madrid: La Sala Retiro Caja Madrid subasta dos óleos de Romero de Torres, El Día de Córdoba, 28 de noviembre de 2009

viernes, 27 de noviembre de 2009

Las obras de un aparcamiento amenazan los restos de la Murcia árabe

El Rey Alfonso X el Sabio pisó el mismo suelo que hoy, casi 800 años después, atraviesan atareados los arqueólogos que investigan el descubrimiento -"inusitado por su extensión"- del céntrico solar de San Esteban. Aquí, casi en el ombligo de Murcia, han aparecido en los últimos meses los muros de 48 casas árabes, siete palacios y hasta una pequeña mezquita con la base de su minarete. Los restos se extienden por debajo del Palacio de San Esteban, un convento del siglo XVII que actualmente es sede del Gobierno regional. Todo en una hectárea de terreno.

Imagen de las obras del aparcamiento subterráneo en el solar de San Esteban, en Murcia. Marcial Guillén

En ese mismo lugar hay proyectado, desde hace varios años, un aparcamiento subterráneo que el Consistorio de Miguel Ángel Cámara (PP) dice querer compatibilizar con el hallazgo. El método elegido es desmontar los restos para reconstruirlos sobre el aparcamiento. La polémica, y el hallazgo, nació hace seis meses con las obras de construcción del aparcamiento que promueve el Ayuntamiento, apoyado en la empresa La Generala. Tras las primeras catas arqueológicas, los restos de la Murcia árabe empezaron a aflorar.

Según la descripción de los técnicos, "se trata de un entramado urbano en torno al palacio y la iglesia de San Esteban dividido en dos partes: un gran barrio con algo menos de una cincuentena de casas pequeñas y un conjunto de complejos palatinos presumiblemente para hospedar a altos dignatarios de la época". El mapa del yacimiento se completa con una gran avenida, un pequeño oratorio, la base de un minarete y una pequeña necrópolis donde no se descarta la localización de restos humanos.

Estos días se ha conocido el informe de los técnicos de la Dirección General de Bellas Artes de la Comunidad. Su responsable, Enrique Ujaldón, no ha dejado a nadie indiferente: propone sacar los restos del terreno para "preservarlos de la humedad, poder seguir excavando y que se pueda construir el párking subterráneo". Tras la construcción del aparcamiento, se colocarán encima, creando un parque arqueológico en pleno centro de la ciudad.

Esta decisión técnica no ha gustado a algunos expertos arqueólogos. De hecho, el mismo día en el que se conocía el informe, una parte del equipo que trabajó en la excavación, encabezado por su codirector, ha pedido que se conserven los restos in situ y ha expresado su voto particular sobre esta cuestión. Denuncian que "desmontar y mover los restos es destruirlos" y que "no hay precedente de una decisión como esa porque situaría a Murcia, y España, en una situación de ridículo mundial".

Sin embargo, el informe ha sido recibido con agrado por el gobierno municipal de Murcia, que ve con buenos ojos que se conserven los restos, siempre y cuando sean compatibles con el aparcamiento. El Ejecutivo autonómico, apoyado en su Consejería de Cultura, también lo respalda. Los dos departamentos, ambos del PP, han reiterado en los últimos días las críticas "a aquellos que se atreven a dudar de la honorabilidad de los técnicos".

Sin embargo, ese grupo es cada vez más numeroso. Se oponen al proyecto expertos en arqueología como el científico del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) Julio Navarro, profesores universitarios como García del Toro, el Colegio de Arquitectos liderado por Francisco Camino, la oposición política (PSOE e IU), la Plataforma por la Movilidad de Murcia y los ecologistas. También se ha generado un movimiento de intelectuales y profesionales de la cultura de Murcia, que ha firmado la llamada Carta de San Esteban. Por último, se ha creado una plataforma en la red social Facebook denominado Proteger los restos de San Esteban, que ya supera los 5.000 afiliados y que está sirviendo de base para organizar las concentraciones contra el traslado de los restos.

El pasado jueves, varios vecinos de la ciudad se dieron cuenta de que unos 40 operarios estaban cargando en palés de madera pequeñas piezas de ladrillo provenientes del yacimiento. Saltaron todas las alarmas y, ya por la noche, un grupo de ciudadanos puso una denuncia ante la Guardia Civil por "expolio arqueológico". La versión oficial de la Consejería de Cultura murciana es que los restos arqueológicos del yacimiento de San Esteban no han comenzado a desmantelarse. Según Enrique Ujaldón, "el proceso de desmontaje sólo se hará cuando se presente el proyecto pertinente que asegure la perfecta conservación de los restos arqueológicos hallados". Las distintas plataformas no se fían y van a continuar las movilizaciones. Mañana, a las 17.00, se ha convocado una nueva concentración junto al yacimiento.

Los murcianos aún recuerdan la noche, en la década de los sesenta, en la que las excavadoras destruyeron unos baños árabes.

Facebook al rescate

Algunas protestas contra el proyecto del aparcamiento lanzadas a través de la red social Facebook:
  • "El Ayuntamiento quiere construir el párking [...] sin tener en cuenta el resto de los informes de arqueólogos independientes que aseguran que se destruiría todo".
  • "Paradojas de la política cultural del Gobierno murciano. Murcia es candidata a Ciudad Europea de la Cultura 2016 y se celebra una exposición sobre Alfonso X El Sabio. ¿Y por un párking nos vamos a cargar el yacimiento más valioso del siglo XIII que se puede encontrar en la ciudad de Murcia?".
  • "Esto nos concierne a todos los españoles, no sólo a los murcianos. Es el yacimiento islámico más grande encontrado en España".
Javier Ruiz, Murcia: Las obras de un aparcamiento amenazan los restos de la Murcia árabe, EL PAÍS, 27 de noviembre de 2009

miércoles, 25 de noviembre de 2009

'La niña gitana' de Romero de Torres supera los 330.000 euros en la subasta de Sotheby's

Buen día para el arte español en Sotheby's. Romero de Torres, Sorolla y Anglada-Camarasa defendieron su papel de estrellas de la venta de pintura europea del siglo XIX de la casa de subastas generando un considerable interés entre los compradores. La obra del cordobés, La niña torera, fue vendida por 334.448 euros, en línea con su estimación (entre 275.000 y 385.000), mientras que Barcas en la playa de Sorolla fue adjudicado a un coleccionista privado por 1.848.763 euros (el doble de su estimación baja, que era de 880.000) y Entrando en el palco de Anglada-Camarasa alcanzó 347.771, más del doble de su estimación baja.

'La niña gitana', de Julio Romero de Torres.

Romero de Torres prolonga así su privilegiado estatus en el contexto del arte internacional, reflejado en el gran interés que la subasta de sus obras en Sotheby's y Christie's ha suscitado en los últimos años. En La niña torera, una obra realizada entre 1928 y 1929, el cordobés retrata a una de sus modelos favoritas, la actriz Elena Pardo, ataviada con traje de luces y en pose provocadora en el pasillo hacia el ruedo de la plaza de toros de Las Ventas. Un cuadro que muestra el impacto que le causó el movimiento Art Déco durante su visita a la Exposition des Arts Décoratifs de París en 1925.

La venta de pintura celebrada en la sala de Sotheby's en Londres obtuvo un resultado global de 7.937.589 euros, superando ampliamente la estimación más alta realizada por la casa (7.472.744) y consiguiendo índices de venta del 70,2% por lote y el 88,4% por valor. Instituciones públicas pujaron contra coleccionistas privados y marchantes, logrando que un 41% de los lotes superasen la estimación alta.

El precio alcanzado por Barcas en la playa, que era propiedad del Club Español de Buenos Aires, certifica la enorme revalorización que la obra de Sorolla ha experimentado en los últimos años. Esta escena de la playa de la Malvarrosa pintada durante el verano de 1909 lideró la sección española de la subasta, que alcanzó en ventas un total de 3.033.594 euros, superando la estimación alta para este segmento, que era de 2.780.105, y generando unos índices de venta del 70,8% por lote y el 93% por valor. Más del 47% de las obras vendidas superaron la estimación alta.

Adrian Biddell, jefe del Departamento de Pintura Europea del Siglo XIX de Sotheby's, mostró su satisfacción por los resultados: "Hemos visto gran interés de todas las zonas geográficas del continente, desde Escandinavia hasta España y Alemania. El lote principal de la venta, Barcas en la playa de Sorolla, confirma que Sotheby's es la plataforma mundial idónea para la venta de obras de este artista valenciano tan admirado en el mundo. En los últimos doce meses hemos vendido cuatro obras suyas que en cada caso han superado el millón de libras. También ha sido un verdadero placer ver que se han establecido precios récord en subasta para los artistas alemanes Karl Blechen y Anselm Feuerbach".

Soledad, Granada, una obra temprana de Santiago Rusiñol que refleja su fascinación por los jardines del Generalife, fue adjudicada por 101.306 euros, por encima de la estimación más alta. El retrato Viejos de Ondárroa, de Ramón de Zubiaurre, alcanzó 31.918 euros, el doble de lo estimado, mientras que Campesinos vascos, de Valentín de Zubiaurre, cambió de manos por 54.677, la misma cantidad pagada por el paisaje Rentería y las Peñas de Aya, de Darío de Regoyos.

'La niña gitana' supera los 330.000 euros en la subasta de Sotheby's, El Día de Córdoba, 24 de noviembre de 2009

martes, 24 de noviembre de 2009

El Teatro Romano de Sagunto no se toca

El Teatro Romano de Sagunto no se toca. Así lo ha decidido el Tribunal Supremo. Los magistrados de la sección primera de la sala de Lo Contencioso-Administrativo del alto tribunal han desestimado el recurso de casación presentado por el abogado y ex diputado del PP Juan Marco Molines, en el que instaba a que se hiciera efectiva la sentencia en la que el propio Tribunal Supremo declaró las obras ilegales y el auto posterior en el que instaba a que se cumpliera. Con esa respuesta, el Tribunal Supremo convierte en firme el fallo del Tribunal Superior de Justicia (TSJ) en el que argumentó contra la reversión las obras de rehabilitación del Teatro Romano porque no se garantizaba que el monumento volviera al aspecto que tenía cuando se realizaron a finales de los años ochenta. Existía, dijo, "causa de imposibilidad legal" para ejecutar la sentencia del Tribunal Supremo.

Las obras de rehabilitación del Teatro Romano de Sagunto fueron aprobadas por la Consejería de Cultura de la Generalitat en 1988. Los arquitectos encargados de ellas fueron Giorgio Grassi y Manuel Portaceli. Fue una decisión que se convirtió en polémica política. El PP encabezó una lucha por dar al traste con un ambicioso proyecto de recuperación del monumento saguntino que había sido promovido por el Gobierno autonómico, entonces socialista, y la corporación local, también del PSPV. Y en 1993, Juan Marco Molines, abogado y entonces diputado popular, llevó el asunto a los tribunales.

En el camino judicial, la escena política ha cambiado y ha resultado que la propia Generalitat ha tenido que argumentar en contra de la sentencia que declaró ilegales las obras (por cuestiones normativas) y el auto que obligaba a levantar las placas de mármol que modificaban la cávea y rebajar la altura del muro de cierre de la escena. El PP se ha tenido que enfrentar a las consecuencias de lo que instigó porque en 1995 ganó el Gobierno de la Generalitat. Y poco después, de Sagunto, cuyo Ayuntamiento ha sido parte en el procedimiento.

Tras una sucesión de decisiones judiciales, el 6 de abril de 2009, ya en incidente de inejecución de sentencia, planteado por la Generalitat valenciana, el TSJ consideró que no se podía ejecutar el fallo del alto tribunal del año 2000, en el que ordenó revertir a su estado original las obras de restauración realizadas en el Teatro Romano. Recursos, informes periciales, prórrogas para la toma de decisiones, terminan ahora con la desestimación del recurso de Marco Molines.

En realidad, la inadmisión obedece, como dice el alto tribunal, a que incumple los preceptos legales, no lo ha hecho como la norma establece. Y le impone las costas.

Lydia Garrido, Valencia: El Teatro Romano no se toca, EL PAÍS, 24 de noviembre de 2009

"Punto final" al litigio por el Teatro Romano de Sagunto

La Consejería de Cultura considera que el auto del Tribunal Supremo (TS) que rechaza demoler las obras de rehabilitación en el Teatro Romano de Sagunto (Valencia) "ha puesto punto y final a un largo proceso judicial que se inició hace 20 años" e "impide cualquier tipo de recurso o reclamación sobre el futuro de las obras". La resolución permitirá, además, potenciar el "uso cultural y social" del monumento a través de una serie de obras de adecuación que está previsto iniciar en 2010.

Así lo ha asegurado hoy la directora general de Patrimonio Cultural Valenciano, Paz Olmos, quien ha recordado que en estas dos décadas la Generalitat no ha podido llevar a cabo el mantenimiento del teatro al estar el caso sub iudice. Por eso "ahora está para una rehabilitación", aunque sin modificar lo existente. En este sentido, especificó que la actuación consistirá en la musealización del monumento y en la adaptación a la normativa actual de cuestiones como la accesibilidad y la iluminación del recinto.

El Supremo ha rechazado el recurso del abogado Juan Marco Molines contra la sentencia del Tribunal Superior de Justicia valenciano (TSJCV) que estimó que existía una "causa de imposibilidad legal" para ejecutar un fallo anterior que obligaba a demoler las obras de rehabilitación ejecutadas en el monumento por los arquitectos Giorgio Grassi y Manuel Portaceli a finales de los ochenta. El PP apoyó la lucha de Molines, ex diputado popular, contra la restauración del teatro, y una vez al frente de la Generalitat a partir de 1995, ha cambiado de posición para defender que las obras no se podían revertir.

La directora general subrayó que "ahora que se ha despejado el panorama judicial" el objetivo es potenciar el uso del recinto "como teatro y como museo" con el fin de dar a conocer a todos los ciudadanos "qué significa el Teatro Romano, sus dimensiones y elementos". Las obras de adecuación del recinto se enmarcan "dentro de un plan director elaborado junto al Ayuntamiento de Sagunto que considera la ciudad como un museo y que se completa con actuaciones como el Centro de Interpretación de Visitantes en el Castillo, el Museo Mestre Peña, la Morería o el Circo Romano".

Por su parte, el PSPV de Sagunto ha manifestado su "enorme alegría" por el fallo judicial y ha instado al Consell a "acabar las obras que quedan pendientes y finalizar así una historia que dura casi 20 años". "Ya no hay excusas, Francisco Camps debe cumplir con su compromiso: acabar las obras del teatro y dotarlo de las mejores condiciones para que en él pueda desarrollarse una programación cultural estable que lo dignifique", han añadido los socialistas.

ELPAÍS.com / AGENCIAS, Valencia: "Punto final" al litigio por el Teatro Romano de Sagunto, EL PAÍS, 24 de noviembre de 2009

Los secretos sexuales de Francis Bacon, al descubierto

El sadomasoquismo que mostró el pintor Francis Bacon (1909-1992) en sus tormentosas relaciones con sus amantes homosexuales subyace en sus mejores obras, según el historiador del arte John Richardson. Según explica Richardson, autor de una monumental biografía de Pablo Picasso, en la próxima edición de «The New York Review of Books», el comportamiento del artista británico tuvo consecuencias terribles para su amante Goerge Dyer, que terminó suicidándose. Richardson, cuyo artículo en la revista estadounidense adelanta hoy el diario «The Guardian», conoció a Bacon a partir de los años cuarenta y atribuye sus aficiones masoquistas a la paliza que le propinó un día su padre cuando descubrió que se había puesto la rompa interior de su madre.

Joven prostituto

El historiador británico se refiere también a las aventuras de Bacon como joven prostituto y sus robos en tiendas con la complicidad de su vieja y ya ciega nodriza Jessie Lightfoot. Según Richardson, Bacon dio rienda suelta a su masoquismo en su relación con uno de sus amantes más conocidos, el sádico Peter Lacy. En cierta ocasión, "en un estado de demencia provocada por el alcohol", Lacy pegó a Bacon con tal fuerza que le hizo atravesar el cristal de una ventana. El resultado fue que hubo que darle unos puntos al ojo derecho del pintor, quien, en lugar de odiar a Lacy por lo que le había hecho, le amó aún más intensamente, según Richardson.

Durante semanas Bacon no pudo perdonar el que su colega, el también pintor Lucian Freud, abroncara al agresor, que se fue a vivir a Tánger. Lacy era un apuesto joven de treinta y tantos años que tenía un chalet en el valle del Támesis donde Bacon pasaba mucho tiempo "en situación de cautiverio", según explicó el propio artista. "Desgraciadamente, cuenta Richardson, la bebida estimuló el lado sádico de Lacy hasta extremos propios de un psicópata".

No contento con vengarse en la persona de Bacon también la emprendió con sus cuadros, explica el historiador, quien agrega que su sádico amante inspiró también, justo es reconocerlo, algunos de los mejores cuadros del artista, entre ellos la serie titulada "Hombre de azul".

El más conocido de los amantes de Bacon es George Dyer, sobre todo porque el artista inmortalizó en algunos cuadros su suicidio en 1971 en el cuarto de baño de un hotel parisino, la víspera de la inauguración de la gran retrospectiva del pintor en el Grand Palais. Con Dyer, era Bacon quien daba rienda suelta a su sadismo, la otra faceta de su personalidad, cuenta Richardson, según el cual el artista agredía psíquicamente a su amante hasta que éste terminaba derrumbándose.

Luego, en la madrugada, que eran sus horas preferidas para pintar, Bacon trataba de "conjurar su sentimiento de culpabilidad, su rabia y su remordimiento en imágenes de Dyer que apuntan directamente al sistema nervioso", imágenes que Richardson considera algunas de sus mejores obras. Richardson considera que el arte de Bacon perdió calidad tras la muerte de Dyer y a raíz de su nueva relación con el deportista John Edwards, que, a diferencia de las dos anteriores, no tenía ribetes sadomasoquistas.

El historiador británico considera, por otro lado, que, a diferencia de Picasso, Bacon no sabía dibujar y su "incapacidad de articular una figura o su espacio" estropeaba sus pinturas. Refiriéndose a su famosa serie de los papas, inspirada en el retrato de Inocencio X, de Velázquez, Richardson escribe que Bacon sabía muy bien pintar el grito del pontífice, pero no sus manos, "por eso, las amputa, las oculta o, en caso contrario, lo fastidia".

EFE, Londres: Los secretos sexuales de Francis Bacon, al descubierto, ABC, 23 de noviembre de 2009

domingo, 22 de noviembre de 2009

A un paso de destapar la zona más rica del Teatro Romano de Cádiz

Comienza la función en el Teatro Romano. En la escena. La parte a la que en la antigua Gades todos miraban atentos desde el graderío, y cuya próxima recuperación supone, en pleno siglo XXI, el acceso a la obra más ansiada por los espectadores actuales, la zona más rica y que más información puede generar en la investigación. "La escena es la parte más rica, donde se encuentran las esculturas, las columnas, la fuente del púlpitum. Por tanto, la zona que más información puede ofrecer", explicaba el arqueólogo Ángel Muñoz, en la visita al Teatro Romano que ayer cerraba las jornadas en torno al mismo, organizadas por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Una recuperación que iría a remolque de una de las iniciativas más ambiciosas que se realizarán en el monumento: el proyecto de consolidación de terrenos de las fincas que colindan al Teatro, para la continuación de la excavación arqueológica hasta la zona de la escena y la orchestra. Un proyecto firmado por el arquitecto Emilio Yanes, aprobado por la Junta de Andalucía y a punto de comenzar, que se llevará a cabo a través de un sistema de micropilotes de, aproximadamente, siete centímetros de diámetro que servirán para consolidar las fachadas de los edificios, así como los muros transversales desde las azoteas hasta la cimentación. "Este sistema planteado con gran precisión y que se pondrá en marcha con tecnología punta y una maquinaria muy sofisticada, permitirá tener una visión mucho más global del Teatro Romano", explicaba Ángel Muñoz. Una visión más genérica, gracias a la recuperación no sólo de la escena, sino también de unas seis o siete filas más del graderío y de la orchestra al completo. "Todo ello, mediante una compleja excavación en mina que permitirá avanzar hasta la calle Mesón, ya que se excavará la medianera de todo el frente". Una intervención que se realizará entre 2010 y 2011. La segunda fase de esta obra de gran envergadura, que comenzaría en 2013, será la recuperación de las galerías del Teatro, para lo que se crearán unas bóvedas de tres o cuatro metros de altura. Una obra para la que, con toda probabilidad, el Teatro Romano tendrá que cerrar sus puertas al público, según señaló el arqueólogo. Ángel Muñoz también hizo referencia a la dilatada experiencia del arquitecto Emilio Yanes en la ejecución de proyectos de consolidación de terrenos.

Durante el recorrido por el Teatro Romano, también se pusieron de manifiesto otro de los datos de interés de cara a las futuras intervenciones en el Teatro. El arqueólogo Francisco Alarcón, sumido en las investigaciones desde su descubrimiento en los años ochenta, comentó que una vez que abra el nuevo Centro de Interpretación, el recorrido será distinto. De este modo, añadió el experto, el acceso al monumento será por la calle Mesón, desde donde se accederá al Centro de Interpretación, y desde aquí a las galerías, a través de las caballerizas de la Posada. "Este recorrido será mucho más sorprendente y escenográfico porque sumergirá al visitante en el Teatro Romano desde la galería, para luego descubrir la zona exterior, la del graderío". Así, el nuevo planteamiento ofrecerá una información mucho más completa de esta construcción.

También se detuvo el arqueólogo en la que fue la única obra de remodelación conocida que sufrió el Teatro, justo en la zona de acceso desde el graderío a la galería. Una ejecución que fue descubierta por las distintas soluciones que ofrecen cada uno de los vomitorios que han sido descubiertos de forma gradual, y cuyo estudio demuestra que tuvieron que realzar el nivel de circulación 80 centímetros, por lo que las escaleras de acceso previstas en el trazado original tuvieron que se cubiertas con rampas. Un dato que, a buen seguro, se solapará con los que afloren de las múltiples investigaciones e intervenciones arqueológicas que se llevarán a cabo en el edificio más emblemático del pasado romano de Cádiz. Para ello, la Consejería de Cultura ha encomendado a un equipo multidisciplinar formado por arqueólogos, arquitectos y gestores del patrimonio de la Universidad de Cádiz y la Delegación de Cultura proyectar su futuro, desde la intromisión en su pasado

Retratos de Buenos Aires


San Telmo, La Boca, Recoleta, Palermo... cada barrio de Buenos Aires evoca historias y anécdotas que han contribuido a crear un mito. Y es que la capital argentina es mucho más que la ciudad del tango: una urbe apasionada por el teatro, el fútbol, la conversación, la buena música y la mejor carne, que a menudo se paraliza por los piquetes y las protestas pero en la que la creatividad nunca se agota.

Un grupo de jóvenes artistas ha intentado plasmar su espíritu en '48 barrios', una iniciativa del Gobierno de Buenos Aires para promocionar la página web del área de juventud: "Nos centramos en los barrios porteños, que son 48 y no 100, como dice el mito, y desarrollamos con 48 artistas diferentes la iconografía de cada uno, representada con la libre interpretación de cada artista", explica Ezequiel Fernández Langán, director de la Unidad de Coordinación de Políticas de Juventud de Buenos Aires. Las obras, que ya han sido recopiladas en un libro, fueron encargadas tanto a argentinos como extranjeros. La selección de los artistas y del estudio que organizó la muestra -FURIA- tuvo como eje la diversidad y la pluralidad de las propuestas. "Buenos Aires es una ciudad muy rica culturalmente, y queríamos que esa intensidad se reflejara en la mirada y las historias de sus personajes", afirma Fernández Langán.

'Montserrat', de Marcelo Albinati.

Pasado y presente de los porteños

El resultado es una vibrante sucesión de postales de la ciudad que reflejan el pasado y el presente de los porteños a través de los ojos de los artistas. En 'Almagro', Carolina Spielmann intentó reflejar la ciudad de Buenos Aires como ella la ve, "con esa mezcla de contemporáneo y de antiguo, fuera del tiempo y con un eclecticismo rico de múltiples migraciones y nacionalidades".


El retrato de 'La Boca' es un homenaje al espíritu futbolero del barrio, que alberga el mítico estadio 'La Bombonera', al que Diego Armando Maradona definió como el "templo del fútbol". El artista Alejandro Ros ha llevado al lienzo las rayas amarillas y azules de la camiseta del Boca Juniors.

Algunos de los artistas, como Maximiliano Burtin, no conocían previamente el barrio que iban a retratar así que tuvieron que descubrir el lugar y sus gentes. Burtin intentó que los habitantes de Villa Devoto se sintieran identificados: "Están muy orgullosos de la plaza de Devoto y de las zonas verdes del barrio -conocido como el jardín de Buenos Aires- por lo que quise sintetizar las dos ideas", explica. La vida y la muerte son, para Diego Beyró, los dos elementos que caracterizan Recoleta. El artista eligió una estatua del célebre cementerio que preside el barrio para ilustrar su obra: "Este ángel es una de las estatuas que más me llama la atención del cementerio de Recoleta. Pareciera agitar sus manos, dejando abajo los muertos y alentando a los jóvenes y bohemios".

'Colegiales', de Tristán Bates.

La Buenos Aires tanguera queda retratada en 'Nueva Pompeya', de Florencia Pérez: "Me vi atrapada por Homero Manzi [célebre autor de tangos] y su 'Sur', el puente Alsina, su gente, el tren de suburbio...". La paloma esta presente en la mayoría de las obras. Ezequiel Fernández señala que, como parte del diseño de imagen de GeneraciónBA se eligió a este animal como icono, con un paralelismo entre la presencia en las calles de los barrios porteños de las palomas y de los jóvenes. El proyecto se exhibió en julio en Buenos Aires en el marco del Festival Ciudad Emergente y se expondrá nuevamente el próximo mes de febrero con motivo del Bicentenario.

Teresa Guerrero | Buenos Aires, Retratos de Buenos Aires, El Mundo, 21 de noviembre de 2009

sábado, 21 de noviembre de 2009

La explosión y el vacío

Transfigured Schöenberg. Se trata de una instalación (o escultura), milimétricamente "descompuesta"
(Museo Patio Herreriano de Valladolid).

Compartir el mismo techo nunca ha favorecido las similitudes, pero sí las comparaciones. La exposición de Carlos León en el Museo Patio Herreriano de Valladolid y la pieza construida específicamente por Dionisio González para la antigua capilla del mismo recinto contrastan tanto como inquietan y emocionan. Se podría decir que son lenguajes totalmente divergentes, pero hay algo común que late en el fondo.

Las pinturas recientes de Carlos León (Ceuta, 1948) emanan cierta sensualidad, barroquismo y violencia. La exposición, comisariada por María de Corral, las enfrenta a algunas obras de los años setenta, surgidas al amparo del movimiento francés Supports/Surfaces. Geometría y gesto. En torno a ellas, las nuevas pinturas relucen como extraños jardines asilvestrados o fondos marinos revueltos. "Me interesa reducir a lo mínimo el objeto en el cuadro. Para ello, el soporte es determinante. Desde el punto de vista conceptual es un elemento que se añade al tema", explica el pintor.

Sonido y explosión. La obra se configura como si fuera una explosión, en este caso de altavoces.
Algunos de ellos se activan dejando escuchar (Museo Patio Herreriano de Valladolid).


Son obras, en general, de grandes dimensiones en las que una superficie tensa, impermeable, de un blanco abismal, acoge las turbulencias de forma y color que el artista va desarrollando con los movimientos de todo su cuerpo. Carlos León pinta con las manos, sin intermediación entre la idea y su representación. "Como dirían los franceses, mis lienzos recogen 'la inscripción significante del cuerpo", afirma con media sonrisa. Son cuadros que, con frecuencia, se hermanan en dípticos o trípticos. En sus trabajos sobre papel (en realidad, poliéster), se superponen unos a otros, jugando con las transparencias. Él elige una paleta de colores, se enfrenta a una plancha de dibond -aluminio con núcleo de plástico duro-, un material que ha dado nuevas alas a su pintura, y se deja llevar. Mancha, corrige, ordena. "Todo está milimétricamente compuesto", señala.

Pasado y presente. En la imagen, Obra sin título (1975), acrílico sobre lona
(Museo Patio Herreriano de Valladolid)


Transfigured Schönberg, de Dionisio González (Gijón, 1965), está milimétricamente "descompuesto". Es una instalación (o una escultura) suspendida en el aire, como una explosión que dejara en pleno vuelo decenas de formas volumétricas. En este caso son altavoces. Algunos de ellos se activan dejando escuchar la pieza musical La noche transfigurada, de Arnold Schönberg. "Esta pieza parte de una desmaterialización de la obra, es el momento de lo detonado, de lo derruido, de lo suspendido y del momento congelado", explica Dionisio González. "Había una frase de Schönberg que decía que la música era arquitectura congelada. Pienso que, en realidad, es una pieza detenida, suspendida en el espacio. Parte de una especie de dinamitazo, de tornado, de cataclismo. Está en un espacio muy protagónico, una capilla que es al mismo tiempo una escombrera porque no deja de ser una ruina. Es un trabajo hecho específicamente para ese espacio y ambas comparten ese factor de detenimiento del tiempo, del escombro. Por otra parte, es una pieza interactiva que eclosiona pero también sitúa al espectador mediante el sonido y el movimiento".

Red Fandango I, Oleo sobre dibond, 2005 (Museo Patio Herreriano de Valladolid)

Dionisio González viene trabajando desde hace tiempo el efecto de eclosión, que tiene tanto de destrucción como de génesis. La teoría del Big Bang parece estar detrás. "Si nos ponemos a pensar en el Big Bang, la Supernova no deja de ser una proyección de escombros que recogen gas y polvo, lo único es que se condensan en estrellas. Es curioso cómo de una aparente destrucción se generan nuevos astros. Es verdad que paralelamente a mis proyectos fotográficos -pienso que son más que fotografías, me considero en realidad un proyectista urbano- he trabajado en torno a lo detonado. Lo que tiene de génesis, de catártico, de regeneración. Y eso viene de las experiencias que tuve en las favelas de Brasil. Lo que ellos llaman favelas desactivadas. El término de la municipalidad de São Paulo queda como muy mitigado. 'Hemos desactivado favelas' quiere decir, en realidad, demoliciones forzosas. Nos encontrábamos familias que se encontraban sin casa, que se les periferizaba de nuevo, que se les asignaba un contorno espacial diferente, que perdían sus amigos, sus puestos de trabajo, sus talleres. No meten explosivos a las casas, sólo excavadoras, pero es ahí donde empecé a darme cuenta de que toda arquitectura en sí misma está hecha para ser derruida", explica. "Hay un vínculo íntimo entre la destrucción y la construcción. Me preocupan fundamentalmente los restos del naufragio social. Las piezas en las que digo vamos a quedarnos en lo que provoca la fascinación de la gente. Quedarnos en el momento de la eclosión, el punto álgido de las cosas".

El óleo sobre dibond (aluminio con núcleo de plástico duro) es un material que le ha dado nuevas alas a su pintura, y se deja llevar. En la imagen, Apólo en Háfrika, 2008 (Museo Patio Herreriano de Valladolid).

Y es tal vez en ese punto donde coinciden ambas muestras, tan distintas por lo demás. En esas formas detenidas en el espacio, en el tiempo. Una de ellas, tridimensional, sonora, corpórea. La otra, plana, revolviéndose en sí misma, con el pulso todavía caliente, palpitante. Una parálisis con germen dinámico. Ambas en un juego entre la explosión y el vacío. Quizá el punto exacto donde se genera todo arte. En todo caso, dos exposiciones intensas, dos mundos que vale la pena recorrer.

León pinta con las manos, sin intermediación entre la idea y su representación. "Como dirían los franceses, mis lienzos recogen la inscripción significante del cuerpo". En la imagen, 'Ayer mismo' (2009), Óleo sobre dibond (Museo Patio Herreriano de Valladolid).

Abstracción. "Me interesa reducir al mínimo el objeto en el cuadro. Para ello, el soporte es determinante. Desde el punto de vista conceptual es un elemento que se añade al tema". Cuando llueve y hace sol (2008 Oleo) sobre dibond (Museo Patio Herreriano de Valladolid)

Carlos León. Ayer noche, mañana será tarde. Hasta el 7 de marzo de 2010. Dionisio González. Transfigured Schönberg. Hasta el 4 de abril de 2010. Museo Patio Herreriano. Jorge Guillén, 6. Valladolid Carlos León. Galería Max Estrella. Santo Tomé, 6. Madrid. Hasta el 9 de enero de 2010.

Feitta Jarque, La explosión y el vacío, EL PAÍS /Babelia, 21 de noviembre de 2009

Debate en torno al CaixaForum en Sevilla

La Asociación para la Defensa del Patrimonio de Andalucía (Adepa) se reune el 18 de noviembre de 2009 con Guillermo Vázquez Consuegra para hablar sobre la propuesta de intervención diseñada por el arquitecto para transformar las Reales Atarazanas, construidas como astillero en Sevilla en 1252 bajo el reinado de Alfonso X, en el nuevo CaixaForum. Según el portavoz del colectivo, Joaquín Egea, la reunión se celebrará en las oficinas de La Caixa en Sevilla y a ella acudirán también otras sociedades patrimoniales. Al respecto, Egea dice que "no hay inconveniente en reunirnos con otras sociedades patrimoniales", porque, apunta, "lo que queremos es que nos aclaren y saber un poquito más de qué va esta propuesta".

Imagen virtual del exterior de las Atarazanas tras la prevista intervención proyectada por Vázquez Consuegra.

En este sentido, Egea manifiesta que el CaixaForum que se quiere hacer en Sevilla es "absolutamente distinto" a los construidos hasta ahora en otras ciudades españolas, porque, a su juicio, "estos se han hecho sobre edificios no nobles, muy bien situados, pero sin más". Sin embargo, continúa diciendo, "en este caso estamos hablando de un edificio del siglo XIII, declarado Bien de Interés Cultural (BIC) y uno de los más antiguos y de los de mayor calidad de Sevilla". Además, el portavoz afirma que tras la celebración el pasado 5 de noviembre del II Foro Sevillano de Patrimonio y Cultura, que se llevó a cabo bajo el lema Interpretando CaixaForum, "no sacamos nada en claro porque todo el mundo hablaba maravillas de este proyecto y no nos aclaró ninguna duda que pudiéramos tener sobre él". "Es extraña la unanimidad que en Sevilla está consiguiendo el CaixaForum", apostilla. Finalmente, Egea indica que, tras la reunión mantenida ayer con el delegado de Cultura, Bernardo Bueno -de la que no quiere adelantar nada- y la reunión del jueves, Adepa hará una valoración del proyecto, porque, según señala, "no podemos opinar todavía ya que no tenemos datos suficientes; pero en cuanto los tengamos diremos lo que creamos oportuno porque no servimos a nadie".

Indirectamente, el arqueólogo Fernando Amores, ex director del conjunto arqueológico de Itálica, ha contestado a Egea afirmando que la "unanimidad" mostrada ante el proyecto de Vázquez Consuegra se debe "a la confianza en el promotor, La Caixa, y en el producto". Además, califica la propuesta del arquitecto como "un gran proyecto". Amores dice que dicha "unanimidad" se vio "sin fisuras" durante la celebración del mencionado foro, "Para la ciudad de Sevilla es un aval que se trate de La Caixa, lo que unido al valor de este grandísimo edificio civil, tanto en su aventura comercial como militar, genera confianza", manifiesta.

Sobre la intención del proyecto de respetar el edificio existente, Amores indica que "este respeto lo transforma en un valor", porque, a su juicio, "no es un respeto aséptico en el sentido de que parece que simplemente pasas de puntillas para no tocarlo, sino que lo realza, sobre todo el espacio Atarazanas medieval, al incorporarlo a la ciudad como una plaza más". En este sentido, dice que le parece "de un enorme valor que la ciudad incorpore ese espacio a lo que sería su imaginario, su paisaje patrimonial". Y continúa diciendo que "al mostrar la rotundidad que ahora mismo ofrecen las Atarazanas, en el fondo lo que hace es elevarlas, proponiéndolas como un objeto para uso y disfrute ciudadano".

Además, Amores destaca que las Atarazanas se encuentran en un espacio "absolutamente privilegiado, el mejor espacio de Sevilla, como comentaban los de La Caixa, entre el Alcázar y el río, donde hay bastante flujo de peatones, usuarios, ciudadanos y turistas, y donde debe de haber más", y, prosigue, "en este sentido el CaixaForum es fundamental, porque incorpora un hito arquitectónico y monumental y un hito de uso por la propuesta en sí del mismo". "No es que haya un CaixaForum en este edificio, sino que a diferencia de otros que hay repartidos por distintas ciudades del país, aprovecha el CaixaForum para aportar esos nuevos valores a la ciudad de Sevilla", manifiesta.

E.P., Sevilla: Debate en torno al CaixaForum, Diario de Sevilla, 17 de noviembre de 2009

viernes, 20 de noviembre de 2009

Un Barceló casi adolescente e inédito llega a Toulouse

El Museo Les Abattoirs de Toulouse, al sur de Francia, exhibe desde hoy las primeras obras de Miquel Barceló, realizadas entre los años 1973 y 1982, en una retrospectiva sobre la época del artista español anterior a su participación en la Documenta de Kassel, cuando le llegó el reconocimiento internacional. La exposición 'Barceló avant Barceló' ('Barceló antes de Barceló') presenta hasta el 28 de febrero de 2010 más de cien obras inéditas de "esta fase experimental y fértil de un joven artista", señaló uno de los tres comisarios de la exposición y director del museo galo, Alain Mousseigne.

'Bones notícies', pintura de Barceló de 1982. | Efe

El recorrido por la creación artística de un casi adolescente Barceló (Mallorca, 1957) se diseña a través de seis secciones temáticas con un amplio espacio para el arte conceptual, la poesía visual, la figuración expresionista o incluso ya la abstracción de la materia. Las obras propuestas en 'Bestiario', 'Vanitas', 'Poesía experimental', 'Libros', 'Retratos y autorretratos' y 'Elementos del paisaje' desvelan características importantes del trabajo posterior del artista, como su pasión por la materia y su transformación, el cuestionamiento de la pintura o la iconografía de su medio ambiente, como el mar o su taller.

Mousseigne recordó la historia de amor entre el mallorquín y la ciudad francesa, que comenzó en 1982, cuando Barceló ofreció en la galería Axe Art Actuel de Toulouse su primera exposición en el extranjero . La inmersión en las inquietudes artísticas de un joven Barceló propuesta en la exhibición, que fue expuesta en la Fundación Pilar i Joan Miró de Mallorca el pasado verano, introduce algunas diferencias, pues pone en perspectiva sus orígenes con obras realizadas a posteriori. "Es interesante la particularidad de Toulouse porque a parte de las obras de estos seis ámbitos temáticos también se puede ver algunas obras representativas de su etapa posterior vinculadas a esta temática", destacó la comisaria y documentalista del Fondo Documental Miquel Barcelo, María Hevia.

El objetivo es mostrar esta época inédita, que no estaba catalogada hasta la fecha, de los inicios de Barceló hasta el momento del "gran triunfo" de su participación en la Documenta de Kassel de 1982, como único artista español representado, coincidieron los organizadores. El también comisario de la muestra e historiador del arte, Jaume Reus, destacó de este período de casi diez años "la cantidad de obras inéditas" que en él aparecen, "muchas de ellas de la colección privada del propio artista". "Resulta muy curioso que a una edad tan temprana pudiera formular toda una serie de obsesiones, que han persistido hasta la actualidad, como el autorretrato o la experimentación con la materia, que deriva hacia la reflexión sobre el paso del tiempo, un tema barroco que Barceló lo asume totalmente y que resulta uno de los temas principales de su obra", afirmó La directora de la Fundación Pilar i Joan Miró, Madalena Aguiló. Después de su periplo por Mallorca y Toulouse, 'Barceló antes de Barceló' se exhibirá en el Centro Santa Mónica de Barcelona desde el 14 de julio.

Un Barceló casi adolescente e inédito llega a Toulouse, El Mundo, 20 de noviembre de 2009

Cajasol ha adquirido 'San José con el Niño' de Murillo


Cajasol ha adquirido, en la subasta de Arte y Gestión celebrada en su Centro Cultural, el lienzo 'San José con el Niño' de Murillo por 125.000 euros. La sala Joaquín Turina del Centro Cultural Cajasol, ha acogido hoy la convocatoria de otoño de la subasta de Arte, Información y Gestión. La sala presentaba un catálogo con importantes obras que han encontrado pujadores dentro y fuera de España.

Cajasol ha adquirido para su colección la pieza: San José con el Niño realizado por Murillo y los colaboradores de su taller. Es un pequeño lienzo, réplica del que se encuentra en el Museo Pushkin de Moscú, de una belleza propia del maestro, en el que el Niño Jesús, como pasa en su famosa Virgen de la Servilleta, parece salirse del cuadro merced a la claridad que lo ilumina. La pieza se ha rematado en 125.000 €.

Esta obra fue publicada en 1981 por D. Diego Angulo en su catálogo razonado sobre Murillo, y recientemente ha sido examinada al natural por D. Enrique Valdivieso, autoridad en barroco sevillano. Es una pieza que ha permanecido más de setenta años en una colección particular sevillana. Para el presidente de Cajasol, Antonio Pulido "es una oportunidad única ya que no suelen salir muchas obras del maestro sevillano al mercado.

Cajasol adquiere por 125.000 euros 'San José con el Niño' de Murillo, El Correo de Andalucía, 19 de noviembre de 2009

jueves, 19 de noviembre de 2009

Murillo para tiempos de crisis

San José y el niño’ de Murillo sale a subasta de una colección sevillana por 125.000 euros.
Dos visitantes a la exposición delante del cuadro


Detrás de los oscuros barnices, de la pátina de suciedad que impide su detallada contemplación, se encuentra "una obra de muy buena calidad; tanto que si el coleccionista tiene buen ojo, no dudará en hacerse con ella". Lo explica así a El Correo el catedrático de Historia del Arte Enrique Valdivieso, máxima autoridad en la figura de Murillo y asesor en la catalogación de San José y el niño, un pequeño ejemplo de la genialidad del maestro sevillano que encabeza el catálogo de la próxima subasta de Arte, Información y Gestión, empresa participada por Cajasol que ha decidido sacar a pujas este murillo por un precio asombroso en el mercado: 125.000 euros.

"Es un precio muy atractivo", destacaba ayer la directora de la casa de subastas, Carmen Aranguren, que reconocía asimismo que el mal estado de conservación ha condicionado su baja cotización. No obstante, "esto puede ser una oportunidad aún mayor, a pesar de que la pieza necesite una inversión posterior: nuestros clientes tienen restauradores de confianza y prefieren adquirir las piezas sin intervención previa", precisaba.

A este respecto, Valdivieso -que, en contra de algunas opiniones escuchadas ayer en los corrillos arremolinados en torno a la pieza, cree que "se adivina clarísimamente la mano de Murillo" en este cuadro de obrador- es también optimista en cuanto a su futuro: "Con una simple limpieza ya ganaría un 50% más de luz y color y sería doblemente hermoso".

Y es que hace al menos 70 años que esta obra no pasa por ningún centro de salud artístico: el tiempo que lleva en manos de la familia sevillana Velasco-Fernández, que se ha decidido a sacar a la venta su San José y el niño después de varios años de conversación con la casa de subastas ("en 2003 nos llegó la primera referencia de la obra", recordaba ayer Aranguren). Era el hijo mayor de la familia, Horacio Velasco, el que daba los detalles de una obra que, más allá de su precio en el mercado, posee ese denominado valor sentimental que es indisoluble del objeto: "Fue el regalo de mi abuelo a mi madre el día de su boda. Por eso no se ha tocado desde que lo tenemos en casa", explicaba ayer a este periódico.

Así las cosas, este San José con el Niño realizado por Bartolomé Esteban Murillo con la ayuda de su obrador se encuentra recogido por el profesor Diego Angulo dentro del apartado de réplicas del original que se encuentra en el Museo Pushkin de Moscú. "En esa época no se hacían modelos únicos e irrepetibles", explica a este respecto Valdivieso, que entiende que la obra "no es una copia tal y como la entiende el espectador de hoy. Si a la clientela le gustaba, Murillo hacía cuantas versiones le encargaran".

Y así, con la alargada sombra de Murillo cubriendo "uno de los mejores catálogos de toda la historia de esta empresa", en palabras del presidente de Cajasol, Antonio Pulido; la subasta del próximo 19 de septiembre en Sevilla cuenta también con un "hallazgo singular" aparecido, igualmente, en una colección particular andaluza. Se trata de una pequeña tabla del pintor renacentista Pedro de Campaña que representa La Santa Faz y que perteneció al retablo de una de las capillas de la iglesia de Santa Cruz. Expoliado por los franceses en 1810, regresa ahora a Sevilla por un precio de salida de 120.000 euros, el segundo más caro de la subasta.

Arte, Información y Gestión tiene expuestas desde hoy en el Centro Cultural Cajasol (de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas) los 412 lotes de pintura y los 227 de joyas que saldrán a subasta el próximo jueves 19 de noviembre (18.00 horas) en la misma sede.

Con un precio total de 2.071.470 euros, la subasta cuenta también con otras piezas de maestros antiguos, entre las que destaca el Nacimiento de San Franciso de Asís, sobre el que "había 26 lienzos representando su vida y de los que sólo quedan dos, el que subastamos y otro, en proceso de restauración, del Museo de Bellas Artes", señaló Aranguren. Esta obra sale en 40.000 euros.

Asimismo, se subastarán obras del XIX -"las más solicitadas por nuestros clientes"-, entre las que destacan una de Henri Pierre Léon Pharamond Blanchard (110.000 euros) que recrea un festejo en la Puerta de Carmona, "en el que se representan los Caños y la Puerta de Carmona, con lo que eso significa de documento histórico", apuntó Aranguren. Destacan, además, el Retrato de niño ante los jardines del Alcázar, de Valeriano Bécquer, hermano del poeta (4.000 euros). García y Rodríguez, Mattoni y José Villegas son otros de los nombres que completan la nómina del XIX.

Ya en el siglo XX, se vuelve a poner de relieve la pintura sevillana, con obras de Carmen Laffón, Joaquín Sáenz, Manuel Salinas, Rivera, Quejido y otros autores "que confirman que el arte contemporáneo también vende en Sevilla"

Amalia Bulnes, Murillo para tiempos de crisis, El Correo de Andalucía, 9 de noviembre de 2009

miércoles, 18 de noviembre de 2009

La vieja Roma se abre a la arquitectura contemporánea

El Panteón, la Basílica de San Pedro, el Coliseo... Roma cuenta con algunas de los más magníficos ejemplos arquitectónicos del mundo. Sin embargo, y a pesar de albergar 3.000 años de historia, la capital italiana tiene una importante asignatura pendiente: la arquitectura contemporánea. Un vacío al que está poniendo remedio. La vieja Roma, por fin, está abriendo sus puertas a la modernidad.

El último ejemplo es el Maxxi, el primer museo de arte contemporáneo de Roma. Diseñado por la británico/iraní Zaha Hadid, el edificio acaba de ser completado después de 10 años de trabajo y será oficialmente inaugurado como museo en marzo próximo. Pero el Maxxi, una imponente estructura de 29.000 metros cuadrados -en la que destacan el cemento y el cristal-, ya está transformando el perfil de Roma. Y no es el único caso... Muy cerca del Maxxi se encuentra el Auditorio Parque de la Música, un complejo multifuncional que lleva la firma de Renzo Piano y que está formado por tres salas que, vistas desde fuera, evocan el aspecto de unos escarabajos galácticos. Pero, sin duda alguna, el más significativo (y polémico) paso que ha dado Roma en materia de arquitectura contemporánea es el Museo del Ara Pacis, diseñado por Richard Mier. Se trata del primer edificio contemporáneo levantado en el centro histórico de Roma desde los tiempos del fascismo.

Ahora que ha descubierto la modernidad, la capital italiana no piensa darle la espalda. De hecho, ya están en marcha los trabajos de lo que será el nuevo centro de congresos de Roma, un edificio diseñado por Maximiliano Fuksas y al que en la capital italiana ya se conoce como "La Nube". La construcción, que debería abrir sus puertas en la segunda mitad de 2010, se compondrá de un estructura de cristal transparente dentro del cual se encontrará, como suspendida en el aire, la sala-auditorio.

Irene Hdez. Velasco | Roma: La vieja Roma se abre a la arquitectura contemporánea, El Mundo, 18 de noviembre de 2009

Roban otra obra más de Edvard Munch en una galería de Oslo

Los ladrones de arte en Oslo parecen estar especializados en las obras de Edvard Munch: por segunda vez en pocas semanas se conoció el robo en la capital noruega, Oslo, de una costosa litografía del reconocido expresionista (1863-1944). La litografía 'Separación II' fue robada en junio de una galería de arte en Oslo. Sin embargo, los hechos se han conocido ahora. El cuadro tendría un valor de aproximadamente unos 300.000 euros (448.000 dólares). "No se sabe con certeza cuándo ocurrió ni cómo, pero el robo fue detectado el 25 de junio", dijo el galerista Thomas Berntsen.

La semana pasada, también en Oslo, fue robada 'La Historia' otra litografía coloreada a mano del pintor noruego, cuyo valor ha sido estimado en unos 240.000 euros. Según la policía, en el caso del robo de junio se trata de un trabajo por encargo realizado por delincuentes bien organizados. Sólo pocas personas sabían que el cuadro, de 100 x 60 centímetros, estaba en la galería de arte. Además, la sustracción se realizó de forma muy rápida y profesional. La capital noruega ya fue escenario en 1994 del robo en el Museo Nacional de una versión de 'El grito', que tres meses después fue recuperado. Otra versión de ese famoso cuadro fue sustraído en agosto de 2004 junto con 'La Madonna' del museo de Munch. Las obras fueron recuperadas dos años después, aunque habrían sufrido daños graves. Tras estos espectaculares robos, el museo fue cerrado y su seguridad fue reforzada por completo.

DPA, Oslo: Roban otra obra más de Edvard Munch en una galería de Oslo, EL Mundo, 18 de noviembre de 2009

lunes, 16 de noviembre de 2009

Man Ray bajo las luces

Fue quizá el más europeo de los artistas estadounidenses en las vanguardias del siglo XX. Una retrospectiva en Nueva York propone una visión poliédrica de ese creador inquieto. Por Barbara Probst Solomon

El Jewish Museum, uno de los primeros museos de Nueva York en celebrar -y en reconocer- el pop art de Andy Warhol y el pre pop de Larry Rivers, es el escenario perfecto de una extraordinaria retrospectiva sobre Man Ray (su comisario es Mason Klein), que muestra sus múltiples facetas y sus creaciones. Artista, director de cine, escritor, escultor, creador de objetos y fotógrafo innovador, Man Ray, nacido Emmanuel Radnitzki en Filadelfia en 1890, hijo de inmigrantes judíos rusos, se movió entre el dadá de Nueva York, el surrealismo parisiense y los trabajos fotográficos. A fin de captar por completo la visión de Man Ray, esta exposición es absolutamente imprescindible, y el regalo especial que esta muestra nos ofrece es un soplo de aire fresco, ya que se trata de la primera exposición multimedia del artista en Nueva York desde 1974. Se incluyen además dos de sus películas mudas, Le retour à la raison y Emak Bakia (déjame en paz, en castellano), así como recopilaciones de películas sobre Man Ray.

La Fortune (1938), pintado por Man Ray.

En 1917, Man Ray (su familia se había trasladado a Brooklyn) se encontraba en el lugar y en el momento adecuados. El movimiento dadaísta de Nueva York y las mujeres dadaístas abarrotaban Greenwich Village. Marcel Duchamp había observado que, en efecto, estas mujeres norteamericanas eran mucho más estridentes y eróticas que sus compatriotas parisienses: la revolución, las ideas anarquistas, el "amor libre", el automóvil, el modernismo, se presentaban como el envoltorio perfecto de un regalo. Las mujeres dadaístas -la baronesa Elsa, Beatrice Wood, Katherine Dreier y Mina Loy- parecían estar más preocupadas por el escándalo, el erotismo y el cuerpo humano que los artistas de sexo masculino. En una acuarela, Beatrice Wood había pintado intencionadamente la noche en que ella, Charles Demuth, Mina Loy y Duchamp habían formado un grupo de cuatro en la cama de Duchamp tras un baile bohemio (era la amante de Duchamp y de Henri-Pierre Roché, autor de la novela Jules et Jim, y probablemente la modelo de la seductora Jeanne Moreau en la famosa película basada en el libro).

Pero, a diferencia de Duchamp, emparejado muy a menudo con Man Ray, éste desde un principio estuvo influenciado por lo ecléctico: la fotografía, lo abstracto, los paisajes y las imágenes ingeniosas de desnudos. En 1908, Man Ray acudía con frecuencia a la Galería 291 de Alfred Stieglitz y en 1912 dejó su hacinado estudio de Nueva York por Ridgefield, en Nueva Jersey. En aquella pequeña y bucólica ciudad, en realidad más parecida a un pueblo, a orillas del majestuoso Hudson y apenas a veinte minutos en tranvía de Nueva York, por 12 dólares de renta al mes Man Ray tenía más espacio, impresionantes vistas y disfrutaba de la compañía de Stieglitz, de quien podría decirse que ha sido el mejor fotógrafo norteamericano de principios del siglo XX, y del grupo de artistas de Ridgefield formada por el poeta y crítico Alfred Kreymberg, Marius de Zayas y Marcel Duchamp. En esa misma época, en 1913, se celebraba en Nueva York con gran éxito la grandiosa Armory Show, con obras de Picasso, Matisse, Picabia, Duchamp y Gertrude Stein. Y ¡boom! Todo cambiaba. El arte vanguardista había llegado oficialmente a Estados Unidos.

Mi principal objeción a esta exposición hermosamente montada es que enfatiza demasiado su interés por catalogar las obras a la luz de temas como la identidad y las cuestiones de género, lo que resulta ridículo si se utiliza para definir a Man Ray y a los dadaístas. Aunque aún representan temas candentes en los círculos académicos, es absurdo insinuar que el objetivo del arte de Man Ray era enmascarar su identidad judía o la búsqueda de ella. Seamos claros: la cuestión del género y la identidad pueden tener importancia en la actualidad, pero para los modernistas de las vanguardias el arte era su carnet de identidad. (Las mujeres artistas bohemias habían hecho de la libertad y de la libertad sexual el eje de su lucha). En aquella época de finales del siglo XIX, la entrada de los judíos en las artes, los libros, el teatro y los periódicos causó una gran conmoción sobre todo en Europa; las creencias religiosas, cristiana o judía eran consideradas "burguesas" o retrógradas. Ni Hitler ni el Holocausto eran aún imaginables y, a pesar de que el antisemitismo ya existía, los artistas modernistas creían que aquello tenía más que ver con otros grupos como los cosacos de Rusia, los protestantes de la clase alta norteamericana, la burguesía, los militares, la iglesia católica, etcétera, que con su atormentado mundo artístico y bohemio. Es más, los artistas vanguardistas pensaban, con razón o sin ella, que su incursión en el arte les liberaría de las cadenas del antisemitismo.

En realidad, y a pesar de que Marcel Proust ha sido pocas veces observado desde este punto de vista, fue el primer escritor (en la exposición hay una fotografía de Proust en su lecho de muerte realizada por Man Ray) en ejercer esta identidad cultural. Su padre, el doctor Adrien Proust, hijo de un petit bourgeois propietario de una tienda de ultramarinos cuya ambición inicial había sido la de ejercer de sacerdote, bautizó a sus dos hijos y luego abandonó el catolicismo para convertirse en uno de los grandes hommes de science de la República francesa. La adorada madre de Proust procedía de una poderosa familia de judíos franceses. Entre tanto, estos padres progresistas dejaban a sus hijos sin raíces con una educación católica que no les representaba ni a ellos ni a sus creencias y, sin embargo, hasta que no ocurrió el caso Dreyfus, que conmocionó a la sociedad francesa, Proust no descubrió su verdadero alcance. (He observado de pasada que en En busca del tiempo perdido hay once referencias a la reina Esther de la Biblia, y que su boda con el rey Asuero ha tenido que ser uno de los matrimonios mixtos de más éxito de todos los tiempos).

En efecto, las primeras obras de Man Ray, Promenade, de 1916, y algunos de sus ready mades -objetos realizados con bronce, cristal y papel de periódico introducidos en una caja de madera- muestran la influencia de Duchamp. The rope dancer, de 1915, debe su creación a la particular obra de Duchamp, de 1912, El gran vidrio (La marièe mise à nu pair ses célibataires), así como también la utilización de objetos, un batidor de huevos pintado que representa L'homme, en 1918, y, en el mismo periodo, unas manzanas abiertas para pintar Woman. La exposición muestra además las famosas rayografías de Man Ray. (Mi madre, la artista Frances Kurke Probst, fue una buena amiga de la fotógrafa alemana Lotte Jacobi, cuyas rayografías alcanzaron fama mundial en el MOMA y en otros museos. Cuando yo era una niña, Lotte me llevó a su cuarto oscuro y me enseñó cómo hacía estas fotografías sin cámara, introduciéndolas con un rápido movimiento giratorio en un baño de líquido de revelar expuesto a la luz. Su marido Erich Ress había publicado The Dada Almanach en Berlín en 1920 en la editorial Erich Reiss Verlag, que posteriormente destruirían los nazis).

Personas como Man Ray eran de naturaleza sofisticada y tenían un sinfín de aficiones, desde el arte a la música, el teatro o la política. Duchamp era un caso completamente diferente. Hay que observar algunos aspectos. La actuación de Duchamp provocó un gran escándalo cuando intentó colocar un urinario (que no fue aceptado) en la exposición de la Asociación de Artistas Independientes en 1917; Man Ray, al fotografiar a Duchamp vestido de mujer, como Rose Sélavy, -Eros c'est la vie, o Rose Levy-, estaba haciendo una chistosa alusión, con doble sentido del humor, a un travestido judío. Hoy día parece que escandalizar está pasado de moda. Las películas de tercera de Hollywood abundan en escenas de cuarto de baño con un actor intentando defecar; el travestismo ha invadido Halloween pretendiendo que ser judío está reñido con ser atrevido. ¿Qué queda cuando el escándalo desaparece?

Duchamp, gran jugador de ajedrez, era una pura contradicción. Su apariencia era la de un esteta de Greenwich Village viviendo al límite de sus posibilidades. Primero vivió a costa del dinero de su padre y después contrajo matrimonio en dos ocasiones con ricas herederas. Estaba obsesionado con la idea de no hacer nuevos trabajos y, sin embargo, dedicó los últimos veinte años de su vida a un único esfuerzo: la creación en secreto de Etant Donnés, un desnudo femenino recostado sobre una cama de hojas. Al parecer, la mujer era la escultora brasileña María Martins, que le abandonó tras una relación amorosa de cinco años. ¿Cuál era el motivo de su secreto? ¿Podría ser que el secreto mejor guardado de Duchamp fuera el de finalmente rendirse ante el arte figurativo, ante las formas humanas, ante el realismo? La auténtica y erótica verdad la había descubierto en 1866 el pintor Courbet, autor de L'origine du monde, y Picasso había defendido su posición. En el final estaba el principio. Man Ray escapó algo de la rigidez de Duchamp gracias a la influencia de su primer mentor, el extraordinario Alfred Stieglitz. La mejor galería en Nueva York para la obra de Marcel Duchamp y los dadaístas es la Francis Naumann Gallery.

Alias Man Ray: The art of reinventation. Museo Judío de Nueva York. 1109 Quinta Avenida con la calle 92. Del 15 de noviembre al 14 de marzo. www.thejewishmuseum.org/ Traducción de Virginia Solans

Bárbara Probst Salomon: Man Ray bajo las luces, EL PAÍS / Babelia, 14 de noviembre de 2009

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El presente blog pretende ser un compendio de los artículos, y publicaciones recogidos en los medios de comunicación (escritos y audiovisuales), principalmente de España, para el estudio de la Historia del Arte. Aspira a ser una guía complementaria para su conocimiento y una referencia para la reflexión y análisis del mundo que nos rodea para difundir la defensa del patrimonio a futuras generaciones. Tuvo su origen a comienzos de junio de 2007, como blog de aula en la materia de Historia del Arte, para la modalidad de Humanidades y Ciencias Sociales de 2º de Bachillerato en el I.E.S. Carbula de Almodóvar del Río (Córdoba). Pero la idea fue creciendo y adquiriendo una dimensión inesperada. Ahora, en un nuevo destino profesional deseamos continuar la experiencia, manteniendo la identidad, para poder alcanzar a nuestros alumnos, en su forzado contacto con la materia, y con el público en general, para que profundice en los entresijos de un aspecto de la civilización de gran calado.