domingo, 30 de enero de 2011

Norman Foster, huida hacia la cima

Una biografía dibuja el humilde origen y la tremenda ascensión del arquitecto - Grandes obras maestras, pero también algunos fracasos configuran su carrera
Norman Foster trabajando con Wendy, su primera mujer.
Norman Foster nació en el lado equivocado de las vías que separaban el centro de Manchester de los húmedos suburbios. Hijo de una camarera y del dueño de una tienda de empeño, el arquitecto creció con la ambición de huir de su suerte y con la desazón de discrepar del conformismo de sus padres. Robert y Lillian Foster estaban orgullosos de que su único hijo consiguiera trabajo en el Ayuntamiento tras hacerlo en una panadería y en un garaje. Corría el año 1957 y Foster tenía 22 años. La familia ascendía socialmente, pero tantas horas encerrado ahogaron pronto al joven.

No había teléfono en casa de los Foster. Tampoco libros. La televisión no existía. Leían el Manchester Evening News. Foster no fue un chico alegre. Vivía con la sensación de estar siempre fuera de sitio: sabía demasiado para jugar con los chicos de su barrio pero no lograba codearse con naturalidad con sus compañeros de instituto. Una fotografía en blanco y negro retrata a la familia en aquellos años. Con sus mejores galas, posan sobre un puente. Sus padres, devotamente entregados, malvivían de trabajos mal pagados. "Ellos fallaron en lo que trataron de hacer con sus vidas. Él no iba a hacer lo mismo", escribe Deyan Sudjic en Norman Foster, arquitectura y vida (que la editorial Turner pondrá a la venta en marzo). Arquitecto y director del Design Museum de Londres, Sudjic retrata a un hombre con una circunstancia de tan escaso futuro que se ve abocado a convertirse en un personaje del futuro.

América era el lugar que le permitiría escapar de la frustración que sentía en Inglaterra: "En América uno puede borrar el incómodo pasado y empezar de nuevo. El éxito allí dependería solo de su talento. Ir era reinventarse". Tanto el azar que lo llevó a ser arquitecto -cuando un psicólogo sugirió que buscara empleo en "algo creativo"- como el empeño en serlo -copiando por la noche los dibujos de sus compañeros en la firma donde trabajaba como administrativo- están presentes en el libro. También lo están la decisión de no ser piloto por no tener dinero para comprar un aeroplano, el hueco que supo encontrar en la descuidada arquitectura industrial, su asociación y matrimonio con Wendy Foster, el primer estudio-vivienda en Hampstead -donde un cajón cubría la cama para mostrar los proyectos- y la muerte de Wendy cuando realizaban el Hong Kong and Shanghai Bank, el rascacielos que lo lanzó internacionalmente en 1985. Igualmente, el cáncer que padeció Foster se desveló -en la edición inglesa de esta biografía- por primera vez.

El arquitecto ejerciendo su primera vocación, ser piloto.Los dos aspectos de la naturaleza de Foster, la clarividencia y el pragmatismo, organizan una biografía que, como la propia vida del arquitecto, tiene dos mitades: el camino hacia la cumbre y la vida en la cima. El camino es, evidentemente, mucho más interesante. Tal vez por eso, la pregunta que Sudjic no logra contestar es qué hizo que su biografiado "pasara de producir pocas obras maestras a levantar muchos edificios de calidad, pero también algunas obras torpes". Desde Londres, Sudjic explica que "pudo ser el miedo a afrontar problemas financieros".

Precisamente porque la huida, más que la ambición, está presente en la primera mitad de esta biografía, sorprende que, tras una titánica escalada vital, Foster nunca se haya preocupado de cuantos quedaron atrás, en el lado equivocado de la vía. No le ha interesado hacer arquitectura para los pobres. "Algo hizo", matiza Sudjic. "En Milton Keynes levantó unas viviendas sociales que fueron un fracaso técnico. Pero... de ninguna manera se trata de un hombre de izquierdas".

Sí parecía serlo cuando se preocupó de que en el Banco de Hong Kong, los oficinistas tuvieran luz natural. Los 50.000 obreros que levantaron en un tiempo récord su aeropuerto de Pekín, el mayor del mundo, no corrieron la misma suerte. El libro describe con sutileza pero con datos esas contradicciones. En la segunda parte, la velocidad es de vértigo. Los proyectos proliferan a escala mundial y hasta que el arquitecto toma las riendas financieras de su empresa, ésta pierde dinero. Es la vida de un fenómeno y hay pocas palabras para lo personal. Apenas una frase para su segundo matrimonio y poco más de un párrafo para las virtudes de Elena Ochoa.

Fue Foster quien invitó a Sudjic a escribir su biografía. Éste aceptó porque lo considera "un hombre extraordinario que ha conseguido logros extraordinarios". También porque nunca había escrito biografía. El resultado es el intento del autor de comprender lo que Foster quiere. Qué le ha dado la energía y la motivación para hacer lo que ha hecho. Y la respuesta parece estar más en la huida que en la cima.

Anatxu Zabalbeascoa, Madrid: Norman Foster, huida hacia la cima, EL PAÍS, 29 de enero de 2011

sábado, 29 de enero de 2011

James Macdonald: «Los propietarios del Bruegel estaban satisfechos con la oferta del Prado»

Director de ventas privadas de pintura antigua de Sotheby's, fue el primero que vio «El vino en la fiesta de San Martín» en casa de sus propietarios y lo atribuyó a Bruegel el Viejo

James Macdonald. ABC

James Macdonald, director de ventas privadas de pintura antigua de Sotheby's, cuenta a ABC todos los detalles de uno de los mayores descubrimientos artísticos de los últimos años.

—¿Cómo fue el hallazgo del cuadro y su atribución a Bruegel el Viejo?
—Vi el cuadro en 2006, junto con un compañero mío, el jefe del Departamento de Pintura Antigua en Londres. Fuimos a hacer una valoración para la familia. Fue un momento muy especial. Enseguida nos dimos cuenta de que estábamos ante un cuadro excepcional. Ambos dijimos: «Estamos antes una obra de Bruegel el Viejo». Pero, claro, siempre hay que investigar para apoyar la idea inicial. Volvimos a Londres, me dirigí a la biblioteca de Sotheby's y allí encontré información. Como un grabado hecho probablemente en el siglo XVII, que tenía la misma composición del cuadro (al revés, claro, al ser un grabado). Existía una réplica también en un museo de Bruselas. Hallamos un inventario de un cuadro de esta misma descripción en la colección de la familia Gonzaga y en la colección del archiduque Leopoldo de Austria. Toda esa información apoyaba mucho la atribución. Tras hacer nuestra valoración, los propietarios decidieron dar el cuadro a Sotheby's para venderlo y yo me dirigí directamente al Prado. Lo que estaba muy claro es que era un cuadro de muchísima importancia, que debía estar en una institución de la relevancia del Prado, que además tenía los recursos y los expertos para cuidar del cuadro. Tuve una reunión en 2009 con el director y el director adjunto del museo. Desde el principio se dieron cuenta de su importancia, pero quisieron hacer más investigaciones. Hicieron un estudio muy profundo, dirigido por Gabriele Finaldi y su equipo, y empezaron un proceso de restauración con el permiso de los propietarios. Fueron a ver otras sargas de Bruegel el Viejo a diversas instituciones, como la colección Farnese de Nápoles, para entender este cuadro. Se hizo un estudio sobre la procedencia de la obra, se halló documentación importante acerca de cuándo vino a España... Se llevó a cabo un estudio técnico estupendo antes de comenzar el proceso de restauración. Para mí ha sido un privilegio. No es algo que ocurra muchas veces en la vida.

—¿Cuando los propietarios se ponen en contacto con Sotheby's, aportan alguna documentación sobre el cuadro?
—Estaba declarado BIC como Bruegel el Joven. Pero no sé desde cuándo. Los propietarios entendían que el cuadro, al ser declarado BIC, es inexportable y no podía salir de España, por lo que no pedimos la licencia de exportación. Hay que ser conscientes de esa restricción que hay aquí. En este caso los propietarios quedaron muy contentos de que esté en el Prado. Es un cuadro que se ha movido de una colección histórica a una colección estatal.

—¿La atribución a Bruegel el Joven y su declaración como BIC se debe al estudio que hizo Matías Díaz Padrón?
—Yo creo que Matías solo lo vio a través de una foto. De ahí que no fuera muy precisa su atribución.

—En España hay pocos, pero muy buenos coleccionistas: Abelló, Arango, Thyssen, Várez Fisa, Koplowitz... ¿No se pensó en algún momento ofrecerle el cuadro a ellos?
—Los propietarios no nos dijeron a quién debíamos ofrecerle el cuadro. Ofrecerlo al Prado fue nuestra primera idea. El cuadro necesitaba la profesionalidad y los recursos técnicos del Prado. Últimamente, este museo es un comprador muy importante. Y, desafortunadamente, no hay tantos coleccionistas de pintura antigua de este nivel en España.

—A todos nos sorprendió el precio final: 7 millones de euros. Los expertos dicen que en el mercado triplicaría esa cifra. ¿Por qué entonces 7 millones?
—El cuadro es precioso, pero su estado de conservación es un poco problemático. El precio refleja varias cosas: el hecho de que proceda de una colección histórica, que no podía salir de España... Es un precio sustancial. Con las condiciones que había, los propietarios estaban satisfechos aceptando la oferta del Prado.

—¿El precio lo fijó el museo, los propietarios, Sotheby's?
—No puedo decirlo.

—Se habló también de que el precio no fue más elevado porque el museo era el que había hecho todo el estudio técnico de la obra...
—No, no creo que eso haya influido en el precio.

—¿Qué ocurre ahora con la pintura antigua? Salen obras de los grandes maestros hasta debajo de las piedras: supuestas obras de Velázquez, Goya y hasta Miguel Ángel. ¿A qué atribuye este «boom» de la pintura antigua en el mercado?
—Yo creo que el mercado de pintura antigua siempre tiene la capacidad de sorprender. Y España es un país que sigue teniendo cosas por descubrir. No sé si es una casualidad que hayan salido tantas cosas juntas, pero siempre hay descubrimientos y eso es lo que calienta el mercado y lo que capta a los coleccionistas. Para mi trabajo es una parte fundamental ir buscando joyas escondidas y, cuando se tiene suerte de encontrar obras de esta magnitud, es un gran placer.

—En el caso del Bruegel, ¿cómo ocurrió?
—Los propietarios nos invitaron a hacer una valoración.

—¿Es imposible saber algo acerca de la familia?
—Es una familia importante y tiene una colección importante.

—¿Tenían el cuadro en su casa o en depósito en algún lugar?
—Estaba en su casa.

—¿Son de Madrid?
—No.

—¿El mercado del arte antiguo es más estable y seguro que los demás? Parece que el arte contemporáneo sufre más altibajos...
—En un momento en que los tipos de interés son muy bajos hay mucha fluctuación en los mercados financieros y también en el artístico. Lo que hemos visto en los últimos dos o tres años es gente que mira el arte como un vehículo para invertir. Comprar arte parece un bien muy estable. La pintura antigua tiene ventajas: queda muy poco de primerísima calidad y sabemos quiénes son los pintores importantes establecidos. El mundo contemporáneo es más especulativo. Estamos viendo mucho dinero invertido en pintura antigua.

—¿Hay un resurgir de la pintura antigua?
—En España, desafortunadamente no. En el nivel top hay mucha demanda. La parte media es muy selectiva. Es un mercado con dos caras, con dos niveles.

—Decía antes que en España aún hay posibilidades de encontrar joyas en las colecciones. ¿Nos podría desvelar alguna?
—Estoy trabajando en una obra importante, que es un redescubrimiento. Pero aún no puedo dar detalles.

—En el caso del Bruegel ha habido unanimidad en cuanto a su atribución. No es el caso del supuesto Velázquez de Yale, «La educación de la Virgen». ¿Conoce la obra? ¿Qué opina? ¿No hay demasiada rapidez y ligereza a la hora de hacer las atribuciones?
—¡Bienvenida a la pintura antigua! Es un campo complicadísimo. Un pintor como Velázquez es muy complicado, porque no sabemos mucho de su taller. No tenía un taller como Van Dyck o Rubens, que era muy desarrollado. Siempre habrá diferencias de opinión en la interpretación de cuadros de muchísima calidad. El tema de las atribuciones es algo complejo, que lleva tiempo. No he visto la obra de Yale, no puedo dar mi opinión. Cuando estás enfrente de una obra maestra, te habla, te dice algo. Con el Bruegel fue lo que nos pasó. Pero el estudio académico es fundamental.

—¿Qué hace que un coleccionista se decante por una subasta o por una venta directa?
—Pues depende. Hay muchos criterios. Por ejemplo, si tenemos parte de un retablo y la otra se halla en un museo o en manos de un coleccionista privado. En estos casos hay un candidato preferente para comprar la pieza. Fue el caso de un díptico que encontré en una colección de Barcelona. La otra parte estaba en un museo de Tokio, así que la vendí a este museo. Unas veces, una familia puede preferir la venta privada por discreción. Otras veces aparecen obras que no pueden salir de España. El mercado aquí no está muy desarrollado. No es muy acertado poner en subasta en España en estos momentos una obra muy importante. Las piezas de este tipo las vendemos privadamente en España. Yo hago ventas por todo el mundo, bastantes en España. Es una buena manera para fomentar aquí el coleccionismo. Y para los propietarios es una forma de controlar mejor el precio que van a recibir. En las ventas directas hay más control que en las subastas.

jueves, 27 de enero de 2011

Vida y muerte de Francesca Woodman

Una película documental y varias exposiciones indagan en la precoz fotógrafa suicida

Desnuda frente al espejo. Francesca Woodman nació en 1958 y se suicidó a los 22 años, tras una depresión. Su legado artístico se compone de unas 800 fotografías a pesar de su corta vida.Un ego obsesivo y una frágil personalidad coexistían en Francesca Woodman, la fotógrafa estadounidense que se suicidó en 1981 a los 22 años dejando tras de sí mucho más que la promesa de un misterioso talento. Desnudos fantasmagóricos, juegos surrealistas y una sexualidad tan ansiosa como etérea: probablemente pocos han visto el desasosiego femenino con la lucidez de esta niña-artista fruto de un sólido matrimonio bohemio (ella ceramista y escultora, él pintor y fotógrafo) que vio como el hermoso retrato familiar se hacía trizas con la violenta muerte de su hija pequeña, quien para añadir más dramatismo a la escena no se conformó con una muerte discreta sino con un aparatoso salto al vacío desde su casa del Lower East de Manhattan que le desfiguró su preciosa cara.

Su corta vida y su enorme obra (se sabe que sus padres poseen un archivo de más de 800 fotografías) podrían encontrar la madurez ahora gracias a una película documental, The Woodmans , y a varias exposiciones en el Reino Unido y EE UU. La más importante, en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, viajará en 2012 al Guggenheim de Nueva York.

Francesca Woodman se crió y formó entre EE UU e Italia. Fue una niña americana en la Toscana, rodeada de amigos artistas de sus padres, y una adolescente becada en Roma. Probablemente su gusto por los escenarios bucólicos y decadentes no se entiende sin ese contacto con el viejo mundo. Empezó a hacer fotografías a los 13 años, en blanco y negro, de pequeño formato y casi siempre con ella misma como protagonista. Imaginaba libros para aquellas imágenes que pegaba en sus cuadernos y diarios. La naturaleza (ramas, bosques, pájaros...) y las casas (paredes, muros, ventanas...) jugaban un papel fundamental en la composición, había algo siniestro en aquella densidad simbólica, historias llenas de melancolía y tristeza con ella como único centro de todo. Solo llegó a publicar un libro, "Algunas geometrías interiores desordenadas".

Francesa se suicidó cinco días antes de que su padre, George Woodman, inaugurara en el Guggenheim de Nueva York una importante exposición colectiva. La sombra de la hija no ha abandonado a los padres, que desde su muerte se han dedicado al legado de una artista que pese a su corta edad es para muchos clave en la modernidad crepuscular del siglo XX. The Woodmans se estrenó la semana pasada en el Film Forum de Nueva York e indaga en la historia de esta familia alejándose del drama. Dirigida por C. Scott Willis, se documenta con entrevistas a los miembros de la familia (los padres y su hermanos mayor), amigos y estudiosos de la obra de la artista. Además incluye parte de su obra más desconocida.

"Creo que mi mayor sorpresa fue poder leer sus diarios y cuadernos y ver sus trabajos en vídeo", explica el director del filme. "En ellos descubres que su obra es mucho más vital de lo que parece y que no tiene tanto que ver con la ausencia como con la celebración de la vida. Creo, como dice su hermano en la película, que el arte era una religión para ella y su familia. Y quizá es ahí donde surge el problema". Para Scott Willis el arte no mató a Francesca Woodman sino que la sujetó a la vida, pero fue cuando empezó su crisis creativa y empezó a mermar su capacidad de trabajo (directamente relacionadas ambas con sus crisis emocionales) cuando la artista entró en el profundo desequilibro que acabó con su vida. "Fue enormemente prolífica de niña, pero sus problemas psicológicos le empezaron a robar espacio a su obra. Pese a lo que se dice, hay alegría en su trabajo porque era el arte lo que la mantenía viva".

Drogas, desamores

En sus diarios, la fotógrafa empieza a dejar ver sus grietas, las drogas, los desamores. El director de The Woodmans dice que su aproximación no es la de un crítico sino la de un biógrafo y que fue difícil entrar en el ámbito reservado de esta familia, para los que el arte es un ejercicio obsesivo y monacal. Cada día, cada uno de sus cuatro miembros se encerraba en el estudio a crear como quien entra cada mañana en una fábrica. De esa intensa relación con la inspiración nace esta niña prodigio. "Conocí a los Woodmans en un acto público, me acerqué a ellos porque mi hija es una artista muy admiradora de la obra de Francesca. Lo que yo no sabía entonces es que estaba muerta".

Desconocida en vida, la fotógrafa empezó a ser conocida en 1986, cinco años después de su muerte, gracias a la primera exposición de su obra, en el Wellesley College. Francesa Woodman vivió convencida de que tenía un destino. Para muchos está cifrado en sus fotografías, para otros está oculto en ellas.

Tráiler del documental 'The Woodmans', VIDEO - LORBER FILMS - 26-01-2011

Elsa Fernández Santas: Vida y muerte de Francesca Woodman, EL PAÍS, 26 de enero de 2011

miércoles, 26 de enero de 2011

Warhol, monumental

El autorretrato de Warhol que saldrá a subasta. | AFP Un monumental autorretrato del artista estadounidense Andy Warhol (1928-1987) que fue descubierto recientemente tras pasar varias décadas en manos privadas puede ser ahora observado en público por primera vez en la sede neoyorquina de Christie's antes de salir a subasta el próximo mes en Londres.

Los neoyorquinos pueden disfrutar así hasta este miércoles de una obra de gran tamaño, con el rojo y el blanco como colores dominantes y fechada en 1967, que forma parte de una serie de diez autorretratos "históricos" que creó el padre del Pop Art, según indicaron los responsables de la casa de subastas en un comunicado. La pieza, valorada entre 3 y 5 millones de libras (en torno a 3,5 y 5,8 millones de euros) y que muestra al conocido artista con el rostro posado sobre una mano, centra una de las salas en Nueva York de Christie's, que organizará su subasta en Londres el próximo 16 de febrero, para venderlo junto a otras importantes obras de arte contemporáneo. La obra forma parte de una colección particular desde 1974, cuando el actual propietario la compró al conocido galerista neoyorquino Leo Castelli. "Estamos entusiasmados con la posibilidad de ofrecer esta redescubierta obra maestra de Warhol. En el momento de su creación, Warhol estaba en el punto más alto de su creatividad", indicó el jefe de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's en Europa, Francis Outred, en el mismo comunicado.

Los mayores autorretratos

Outred también explicó que la serie a la que pertenece la pieza en cuestión constaba de los mayores autorretratos jamás ejecutados por Warhol y que el hecho de que cinco de los cuadros que la forman estén expuestos en museos alrededor del mundo es "un testamento de su importancia". Seis piezas de esa misma serie también fueron expuestas en el pabellón estadounidense en la Exposición Universal de Montreal en 1967, donde recibieron la visita de millones de personas. Christie's destacó además que, en el momento en el que creó esas piezas, Warhol ya era "internacionalmente reconocido como la figura más importante y controvertida del Pop Art estadounidense", y que el artista disfrutaba así de "gran riqueza y fama como una celebridad que presentaba su imagen con confianza a un público mundial de millones de personas".

Además de esta obra de Warhol, Christie's también expone en Nueva York otras de las obras que pondrá a la venta en Londres el próximo mes, entre las que destaca la escultura 'Winter Bears' (1988), de Jeff Koons (1955), una pieza que forma parte de la serie 'Banality', que contribuyó a lanzar la carrera internacional del artista.Esta obra muestra a dos ositos de 120 centímetros de altura, que parecen sacados de una tira cómica y que representan a Adán y Eva como una sonriente pareja alpina con uno de esos corazones típicos de San Valentín colgando de sus manos unidas.También se subastarán, entre muchas otras, piezas de los españoles Eduardo Chillida (1924-2004) y Miquel Barceló (1957), así como del estadounidense Jean-Michel Basquiat, el italiano Piero Manzoni, el italo-argentino Lucio Fontana, el francés Martial Raysse y los británicos Damien Hirst y Jenny Saville.

Efe | Nueva York: Warhol, monumental, EL MUNDO, 25 de enero de 2011

martes, 25 de enero de 2011

Taiwan «made in Spain»

Un equipo de arquitectos españoles gana un concurso internacional para construir un complejo cultural en Kaohsiung, la segunda ciudad de la isla

Simulación del proyecto español para el complejo cultural Kaohsiung. ABC

Seriamente afectada por la crisis y el pinchazo de la burbuja inmobiliaria, la arquitectura española se lanza al extranjero para explotar todo su talento. Debido al ascenso de potencias emergentes como China y la India, todas las vistas están puestas en Asia, donde un equipo de arquitectos españoles, Made In, acaba de ganar un disputado concurso internacional para construir el Centro Marítimo de Música Cultural y Popular de Kaohsiung, la segunda ciudad más importante de Taiwán tras la capital, Taipei, con la que está comunicada mediante un «tren bala».

Dicho conjunto, cuyas obras empezarán en breve y durarán hasta 2015, cuenta con un presupuesto de 100 millones de euros y se convertirá en la última joya urbanística de Kaohsiung, una urbe industrial de tres millones de habitantes rodeada de futuristas parques tecnológicos que alberga uno de los puertos con mayor tránsito de mercancías del Lejano Oriente.

Con una superficie de 100.000 metros cuadrados, este centro dispondrá de dos auditorios: uno al aire libre con capacidad para 12.000 personas y otro interior con un aforo de 3.500 espectadores. Además, contará con un museo del mar, otro de la música, ocho salas de conciertos de menor tamaño e incluso una zona comercial no solicitada en las bases. Se trata de un mercado nocturno de 20.000 metros cuadrados que abrirá las 24 horas, como es habitual en esta isla tropical que permanece separada de China desde el final de la guerra civil (1945-49) y cuya soberanía es reclamada por el régimen de Pekín.

«Es un elemento tradicional de la cultura taiwanesa que ha sido valorado muy positivamente por el jurado», explica a ABC Manuel Álvarez-Monteserín, uno de los arquitectos que ha redactado el proyecto, que forma parte del equipo Made In, creado expresamente para este concurso por él y por Beatriz Pachón (de Manu-facturas y León 11). A ellos se han unido otros arquitectos como Antonio Alejandro, Javier Simó, Corona y P.Amaral, Laín Satrústegui (Zira 02), Guiomar Contreras, Sara Pérez, Andrés Infantes (Gyra) y Jorge López (León 11). Además, el equipo Made In tiene un socio local, HOY Architects, y ha recurrido a consultoras internacionales como la parisina Xu para la acústica; la barcelonesa Boma para las estructuras; la londinense Theatre Projects para la escenografía, y la hongkonesa Arup para las instalaciones.



Agudizar el ingenio

Con más de 7.000 horas de trabajo, la unión de los arquitectos españoles obtuvo la adjudicación del centro cultural en dos fases. A la primera concurrían más de 150 estudios de todo el mundo, de los que resultaron seleccionados cinco finalistas.

«Ha sido una competición muy desigual por la falta de recursos económicos, pero esta falta de medios agudiza el ingenio. En varios momentos estuvimos a punto de no poder entregar los planos porque la falta de recursos complicaba mucho el trabajo», aclara en un correo electrónico Antonio Alejandro, quien calcula que «el presupuesto del concurso puede pasar de los 100.000 euros y, sin embargo, se ha hecho casi sin financiación, ya que todo el equipo ha trabajado de forma desinteresada durante seis meses». Finalmente, el colectivo de arquitectos españoles se impuso a las propuestas del japonés Akihisa Hirata; de los estudios Jeanne Gang (Estados Unidos) y JJ Pan and Partners (Taiwán); del americano Mack Scogin y del francés Yves Bachmann. Toda una demostración de que la unión hace la fuerza, sobre todo en estos tiempos difíciles.

Made In Estudio de arquitectura

En estos tiempos de crisis, y con la economía española arrastrando aún las secuelas del «ladrillazo», a los arquitectos no les queda más remedio que ampliar sus horizontes. En el caso del equipo Made In, no es la primera vez que los estudios que lo integran participan en obras de gran escala o concurren a concursos internacionales.

Corona y P. Amaral Arquitectos son autores de la terminal del aeropuerto norte de Tenerife, seleccionada por el prestigioso Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) para su exposición «On site», dedicada monográficamente a la arquitectura española. Entre los premios en concursos destacan el proyecto «Vores by» para Carlsberg, European 9 y el mercado de San Chinarro.

Como consecuencia de su vocación internacional, el equipo Made In cuenta con la colaboración de importantes consultores internacionales, como Arup, Boma, TPCE, Xu y Old Farmer, que han participado, respectivamente, en la Opera de Sidney, la Ciudad BBV-A, la Opera de Oslo, el edificio de la Filarmónica de Luxemburgo y la Expo de Shanghái.

Para el futuro, los arquitectos españoles tienen la vista puesta en Asia porque sus numerosas convocatorias les permiten desarrollar proyectos innovadores.
«Este premio demuestra que la estructura de colectivos que ha aparecido en España en los últimos tiempos tiene capacidad para crear una arquitectura de calidad desde planteamientos horizontales y con jerarquías fluidas», se enorgullece Antonio Corona, quien matiza que la «dificultad se debió a la complejidad y volumen del proyecto, pero la organización en grupo hizo posible el éxito y dio lugar a un resultado arquitectónico plural y poliédrico».

Para ello, el equipo Made In alumbró una propuesta que llamó desde el primer momento la atención del jurado, que lo seleccionó pese a albergar ciertas dudas por parecer «demasiado arriesgado». Según Antonio Alejandro, «hemos querido dar una solución urbana, generando un espacio público capaz de articular toda la bahía Kaohsiung donde se levantará el centro, pero sin necesidad de generar un icono. De esta forma, el proyecto piensa en el ciudadano que lo usará y disfrutará».

El Centro Marítimo de Música Cultural y Popular de Kaohsiung ya se ha convertido en uno de los proyectos arquitectónicos más importantes desarrollados por un equipo español en el extranjero. Impulsado por su espíritu colectivo, supone todo un ejemplo a seguir para la internacionalización de otras firmas de arquitectura española que pretendan sobrevivir al fin del ladrillazo.

«La arquitectura española está bien considerada en el extranjero. Los momentos de crisis constituyen oportunidades de cambio donde resulta necesario plantear nuevas estrategias», asegura Arsenio Pérez, para quien «la compleja situación actual de España ha permitido a un elevado número de personas con talento embarcarse en esta aventura invirtiendo en ella toda su energía».

Y todo ello en la otra punta del mundo y sin ningún contacto en el proceso de adjudicación, ya que la parte japonesa del jurado se decantaba al parecer por el proyecto de su compatriota. Sólo con el apoyo de sus miembros profesionales, los músicos que tocarán en los auditorios del centro, el equipo Made In ha triunfado con su apuesta por la heterogeneidad tanto en tipologías edificatorias como en situaciones especiales, ya que los diferentes recintos y espacios públicos articulan la bahía en la que desemboca el río Amor.

«El proyecto se podría definir por su adaptabilidad y continuidad y por la incorporación de un programa que garantiza la actividad en la zona, no sólo en los momentos en que se celebren actos multitudinarios, sino en el día a día de Kaohsiung. El centro no tiene un gesto uniforme, sino que hemos tejido con diferentes hilos la propuesta con la ciudad», señala Manuel Álvarez-Monteserín.

Con una duración prevista de cuatro años, la construcción del centro comenzará en breve bajo la dirección del equipo español Made In, que participará en todo el proceso de ejecución del proyecto en colaboración con la empresa taiwanesa Hoy Architects. Kaohsiung, desde donde salen los barcos cargados de ordenadores y pantallas de plasma que se fabrican en Taiwán, tendrá a partir de 2015 un emblemático centro cultural «made in Spain».

Pablo M. Díez, Pekín: Taiwan «made in Spain», ABC, 23 de enero de 2011

lunes, 24 de enero de 2011

Alejandro Zaera Polo: "Las leyes del mercado han degradado coherencias"

Retrato de Alejandro Zaera Polo en la azotea de su oficina en Londres.-El arquitecto madrileño sabe decir no. Lo ha hecho con dos proyectos, uno para el Londres olímpico de 2012 y otro en el ya paralizado Campus de la Justicia de Madrid. Para él, hay aspectos profesionales que no pueden ceder ante presiones políticas o de presupuesto

Preferiría no hacerlo". Bartleby emplea diez veces esta fórmula en el libro de Herman Melville. Cuando el abogado le pide que corrija una copia, decide no seguir copiando. "¿No ve usted mismo la razón?", le responde a su jefe. Alejandro Zaera Polo (Madrid, 1963), cofundador de Foreign Office Architects, FOA, también ha negado, y dos veces. La primera, a continuar con el proyecto olímpico para Londres 2012; la segunda, a reconocer como suya la obra del Instituto de Medicina Legal en el Campus de la Justicia de Madrid. Bien porque las decisiones las toman otros o porque el presupuesto no es el adecuado, en los dos casos ha preferido no hacerlo.

PREGUNTA. Para empezar, vamos a hablar, si le parece, de Londres. ¿Cuáles son las oportunidades que ofrece la ciudad con los Juegos Olímpicos de 2012?

RESPUESTA. Yo llegué a Londres en 1993. Entonces Londres era un desastre total. Estaba en crisis. La ciudad entera en venta. Estaba sucia, había huelgas... En 1996 ganó el Labour Party y empezó la "era Blair". A partir de entonces fue siempre para arriba... La verdad es que lo que he visto de Londres ha sido ese crecimiento tremendo que ha hecho que la ciudad se convierta en uno de los mercados financieros más importantes del mundo.

P. ¿Ha mejorado la movilidad de las personas? ¿Es cómodo desplazarse por Londres, moverse de un sitio a otro? ¿Ha mejorado tanto como en Madrid, por ejemplo?

R. No, eso no ha mejorado mucho, porque Londres es una ciudad que tiene una infraestructura victoriana en la que no se ha invertido un duro desde hace tiempo.

P. ¿Es esta su asignatura pendiente?

R. Yo no lo sé. Esa idea de la ciudad contemporánea como la ciudad de los transportes... Yo creo que ese no va a ser el modelo. Seguir el modelo de las ciudades americanas de los años cincuenta, con autopistas por todas partes, es un disparate. Dentro de poco eso no va a ser sostenible porque cuando empiecen a funcionar los impuestos sobre la emisión de CO2, se acabó. Este sistema legal consuetudinario británico en el que no todo se dicta por orden ministerial, sino que tiene que pasar una serie de trámites, al final se convierte en un sistema muy lento para reaccionar, pero que curiosamente ahora les va a venir bien.

P. ¿Cuál es el sentimiento personal después del alejamiento del proyecto olímpico, no sé si voluntario o involuntario?

R. Fue involuntario hasta cierto punto. Fue una experiencia muy interesante, porque nos dio la posibilidad de trabajar a ese nivel con equipos enormes de ingenieros y especialistas. Pero desde el primer día sabía que no acabaríamos haciendo nada, que estaríamos ahí, que nos utilizarían para generar una serie de imágenes que fueran vendibles, pero que, al final, en el mundo anglosajón, ese tipo de proyectos terminan siempre en manos de las mismas empresas. Es sistemático, si lo haces en Australia o lo haces en Pekín, o en no sé dónde, todo termina siempre en manos de esas grandes empresas, porque son las que tienen el músculo, no solo el músculo, porque al final el músculo es un equipo más o menos grande de gente, pero... Lo que pasa es que la responsabilidad pone en tal estado de miedo a los políticos que solamente se fían si tienen a una de estas grandes empresas detrás.

P. ¿Entonces el arquitecto se queda solo como un creador de imágenes?

R. En ese caso concreto, nuestro papel era ese. Nosotros no teníamos infraestructura para... Podíamos haber aguantado. Fue una cosa muy complicada...

P. Según lo que se ceda, ¿no?

R. Sí, exactamente, según lo que se ceda. Básicamente, la situación era que cada vez que había que presentar el proyecto a una comisión de calidad o a un comité, al principio nos ponían delante, pero luego estábamos al final del todo. Había unos señores que tomaban decisiones, y no teníamos posibilidades de decir: "¡Oye, pero es que esto habría que haberlo hecho de otra manera!". Entonces, en un determinado momento, nos la jugamos y dijimos: "¡O cambiáis la manera de hacer las cosas o nos vamos!". Y ellos dijeron: "Pues salís". ¡Ja, ja! El riesgo habría sido seguir ahí. Pero, pensándolo a toro pasado, deberíamos habernos quedado.

P. En el proyecto del Instituto de Medicina Legal, IML, del Campus de la Justicia de Madrid ocurrió algo parecido. ¿O el abandono fue motivado por otras causas?

R. Sí, fue diferente porque en Madrid existía el deseo original por parte de alguien de hacer un proyecto importante y de convocar una serie de concursos... Nosotros ganamos uno de los primeros. Fuimos los más rápidos en reaccionar porque nuestro edificio era el más pequeño. Era un concurso que estaba claramente infradotado. Tenía un presupuesto de 960 euros por metro cuadrado, incluyendo todas las instalaciones de frío, de cámaras mortuorias... Inmediatamente después de ganar, le dije al cliente: "Seamos realistas, esto no se puede construir con ese dinero". Y dijeron: "Sí, ya lo sabemos, a ver qué podéis hacer...". Y la cosa siguió, y siguió, y allí nadie tomaba ninguna decisión. La Asamblea de la Comunidad de Madrid, cuando en un proyecto hay una variación económica de casi el 50%, como era la nuestra, tiene que aprobar el reformado. Alfredo Prada (anterior consejero de Justicia e Interior) me dijo: "Sí, sí, no te preocupes, haz el modificado...". El modificado se entregó dos días antes del congreso del Partido Popular en el que Esperanza Aguirre lo defenestró y puso a su peor enemigo (Francisco Granados). Creo que si no hubieran quitado a Prada el edificio se habría acabado bien, porque Prada era el que había estado llevando todos los proyectos y la idea era suya. El modificado estaba aprobado. Simplemente hubo ese cambio repentino y entonces todo aquello alteró la situación. Al no aceptar el modificado, dije: "Pues entonces me voy, porque no juego a esto. Nadie va a poner un cartel enfrente de mi edificio diciendo que este edificio se hizo con 900 euros por metro cuadrado". Había una serie de proyectos adjudicados y el nuestro era el que estaba en mayor desventaja. Incluíamos unas instalaciones dentro del edificio que los demás no tenían, ya que eran edificios fundamentalmente de oficinas. Hice todo tipo de cuadros explicando lo que vale esto, con el porcentaje de... Y dijeron: "No, pero es que lo que te ofrecemos no está mal...". Me hicieron una especie de oferta, un poco más de dinero para acabar, y dije que no. Además, no me gustó nada la forma en que lo hicieron, porque me precisaron: "A Foster le damos 2.500 euros más porque es especial y a Zaha la vamos a echar". Esto lo juro yo aquí en esta mesa... Tenía que haberlo grabado. Cuando te vienen así, te das cuenta de que no hay nada que hacer. Me pagaron el reformado y me fui. Les dejé que siguieran con el proyecto mientras no se utilizara mi nombre. Contrataron a otro arquitecto y lo acabaron. No sé muy bien lo que van a hacer con el edificio...

P. En las viviendas de Carabanchel, ¿se ha sentido limitado por la normativa o por el cliente, que era la Empresa Municipal de Vivienda y Suelo, EMSV, o fue todo mucho más sencillo que en la Ciudad de la Justicia?

R. La diferencia fundamental entre la EMSV y la Comunidad de Madrid es que la EMSV es un cliente profesional y serio, que sabe lo que está haciendo y que tiene mucha experiencia, mientras que la Comunidad de Madrid no tiene ni idea, no sabe lo que está haciendo, no sabe ajustar los presupuestos, no sabe lo que valen los edificios. Contrata a Bovis para que le haga la gestión del proyecto, como si le fuera a salvar de algo, pero es la comunidad la que no tiene una idea clara de qué hacer. En cambio, la EMSV, desde el principio, te dice: este es el dinero que hay, esto es lo que queremos, estos son los plazos, estos son los metros cuadrados que tienes que construir y, dentro de esas limitaciones, te deja que hagas verdaderos experimentos. Todo el mundo está en las mismas condiciones. No hay proyectos dotados con tres veces más presupuesto que otros. Una empresa como esta es capaz de entregar viviendas a determinados precios y además sabe que tiene que experimentar, que tiene que buscar otros arquitectos, que tiene que dejar que algunos edificios fallen porque alguien hace una cosa rara, como por ejemplo poner cañizo en la fachada. Reconozco que es arriesgadísimo.

P. Ustedes intervienen también en la nueva estación de Birmingham vistiendo el edificio que construye una ingeniería. ¿Se está quedando el arquitecto para esa función anecdótica que consiste en vestir santos?

R. El caso de Birmingham se trata de un proyecto de estación que está haciendo Atkins, que es una empresa enorme, probablemente la empresa de ingeniería más grande del mundo, con seis mil personas distribuidas por todo el globo y que son un desastre total. No he visto una cosa igual en mi vida. Nosotros creamos la imagen y esos señores ponen las escaleras mecánicas, derriban el estacionamiento, construyen no sé qué... Ese fue el concurso. Forrar la estación y hacer el espacio interior del atrio. En las bases del concurso ya nos decían que nuestra labor llegaba hasta el proyecto básico y que después, adiós, que luego Atkins se haría cargo del proyecto. No sé cuánto vamos a durar. En algún momento nos van a echar, seguro. Los últimos proyectos construidos de FOA, la Escuela de Diseño y Comunicación Ravensbourne en Greenwhich, o los Cineplex y grandes almacenes de John Lewis en Leicester, comparten también esa preocupación por la envolvente, por el vestido. Las leyes del mercado han degradado coherencias y totalidades como las de la terminal de transbordadores de Yokohama. En estos tiempos de cambio, más vale vestir santos que desvestir borrachos.

Javier Mozas: "Las leyes del mercado han degradado coherencias", EL PAÍS / Babelia, 15 de enero de 2011

sábado, 22 de enero de 2011

Helsinki quiere su Guggenheim

Los directivos de la Fundación Salomon R. Guggenheim estudian la propuesta formal y razonada que el Ayuntamiento de Helsinki (Finlandia) les ha presentado para optar a convertirse en la sede del sexto museo de la institución en el mundo. Helsinki habría solicitado a la Fundación "llevar a cabo un estudio conceptual y de desarrollo" para determinar si es posible establecer un Guggenheim, según hizo público el alcalde Jussi Pajunen en un comunicado. "Es de sobra conocido que los destinos culturales pueden apoyar el crecimiento económico de un país", ha declarado Pajunen, explicando que la colaboración con la Fundación "podría ayudar a Finlandia y a Helsinki a prosperar en un mundo cada vez más interconectado y competitivo".



La respuesta desde Nueva York ha sido rápida. El director de la Fundación, Richard Armstrong, ha acogido con satisfacción el interés de Helsinki: "Finlandia está sin duda llamada a desempeñar un papel mucho más importante en la escena cultural mundial". El proyecto, anunciado también por el diario The New York Times, llega en el momento en el que comienzan las obras del Guggenheim de Abu Dhabi, en los Emiratos Árabes Unidos, un centro diseñado por Frank Gehry que multiplicará por 12 la superficie del museo de Manhattan y que requerirá una inversión de 800 millones de dólares (600 millones de euros). En medio quedan los centros de Venecia, Berlín y Bilbao.

Al parecer, el consistorio de la capital finlandesa habría reservado un solar en los muelles del antiguo puerto, ahora desplazado a las afueras. La Fundación estudiará ahora la viabilidad del proyecto desde todos los puntos de vista, después del fracaso de otros candidatos, como Vilnius, Río de Janeiro o Guadalajara (México) y del cierre del Guggenheim Hermitage de Las Vegas. Unas 580.000 personas viven en Helsinki, mientras que su área metropolitana (municipios de Helsinki, Espoo, Vantaa y Kauniainen) tiene una población de casi un millón de habitantes en total. Uno de cada cuatro finlandeses vive en Helsinki.

Helsinki quiere su Guggenheim, hoyesarte.com, 19 de Enero de 2011

El arte de «bloguear»

La crítica de arte también se refleja en internet, donde se reflexiona en los «blogs» y se gestan tendencias

Página del «blog» «Round Trip NY», de Eva Mendoza

La revolución tecnológica llegó al mundo del arte hace más de una década. Hoy, toda galería que se tercie tiene su sitioweb, su cuenta en Facebook y Twitter, y hasta su blog. Vivimos en un mundo interactivo, que necesita de esos feedbacks. Porque la información fluye a velocidad de vértigo. Cualquier artista que quiera difundir sus trabajos utiliza canales de vídeo como Youtube o Vimeo. Sin embargo, existe una senda aún por explorar en la difusión del arte por la red: los géneros periodísticos se acercan al mundo web, reciclándose y ajustándose a su lenguaje.

El blog sirve así de plataforma de difusión. Utiliza los modelos narrativos del periodismo y de la teoría crítica para adentrarse en un nuevo terreno aún por perfilar, pero que hereda la forma del cuaderno de viaje, de la bitácora personal, solo que buscando abrir nuevas vías de difusión. Manteniéndose al margen, rozando lo underground, lo alternativo. El blog se aúpa como una fuente de información especializada que muestra lo que los grandes medios callan, obvian o ignoran. Ya solo por eso su existencia está justificada.

La crítica y los blogueros son unánimes a la hora de lamentar que la información sobre arte se limite a críticas breves o a la mera reproducción de notas de prensa. Existe una «necesidad imperiosa de una crítica solvente de corte filosófico porque el ámbito artístico está falto de críticas profundas», comenta Javier González Panizo, autor de Blogearte. Él considera que el blog «tiene una increíble capacidad para, al tiempo que genera debates alternativos, sumarse a la necesidad de crear un discurso siempre en proceso»: «Debe aportar un alto grado de novedad, de frescura. La inmediatez y la interactuación son sus dos aportaciones fundamentales, junto al altísimo potencial que tiene para proponerse como verdadera alternativa».

Carlos Jiménez, del blog El arte de husmear, asegura que este medio «permite la máxima libertad de expresión», porque aporta independencia de criterio y oportunidad: «Los blogs son una buena respuesta a la creciente homogenización de la información, los análisis y los debates en los medios, cada día más ceñidos a una agenda definida por el pensamiento único».

Eva Mendoza Chandas es artista, comisaria y autora del blog Round Trip NY, para promocionar el arte español en la ciudad de los rascacielos. Piensa que en esta urbe hay una relación con el arte mucho más fluida que en España, porque convive de manera más desenfadada con los ciudadanos. Esto genera una respuesta que se traduce en mayor interés general. Mendoza pretende establecer con su blog «un diálogo mediante la confluencia de las diferentes opiniones, que permita la construcción de un mejor panorama futuro». Por eso observa un gran pontencial si se unen esfuerzos en crear, aunque sea virtualmente una marca de arte español: «Pese a que los agentes culturales rechacen esa etiqueta, es un paso imprescindible para tener más presencia en el ámbito internacional y así poder ir más allá».

Algunos artistas rechazan el blog como elemento discursivo en torno al arte. Otros se muestran a favor, como es el caso de Paco y Manolo, fotógrafos. «Como medio, el blog podría ser un foro mediante el que debatir y analizar todo lo que está ocurriendo, aunque rara vez se utiliza de esa manera. También tiene algo de galería inmediata, hace que tu trabajo lo puedan seguir desde cualquier punto del planeta. La relación entre arte/artista y el ciudadano se hace más estrecha, algo que está dentro de tu día a día».

Gran dispersión

Ángel Pascual Rodrigo, artista plástico y miembro directivo de la Asociación de Artistas Visuales de Islas Baleares, nos comenta que a pesar de la gran difusión de los blogs, hay una excesiva contrapartida de dispersión. Por eso, «no acaban de ser fiables». Aunque el blog tiene mucha audiencia, resultan superficiales y efimeros; las páginas web tienen un carácter exponencial mucho más importante y efectivo. «Uno de los grandes problemas de la cultura actual es su poca permanencia».

Pere Vicenç, artista, comisario, profesor y blogero apunta que lo más destacado del blog es su «impacto y dinamismo, la accesibilidad, gratuidad e inmediatez. Aunque el blog ya ha quedado atrás, tiran del carro las nuevas interfaces, conocidas como redes sociales. Dos con las que yo puedo encontrarme más relacionados, hoy por hoy son tumblr y Facebook».

Tres destacados críticos de arte hablan también sobre el tema. Fernando Castro Flórez considera el blog como «una herramienta, un espacio magnífico para plantear crítica de arte o, para hacer que circule la información». Un blog «debe contener humor y pasionalidad para enganchar. Los blogs son lugares de paso obligado»: «A veces tengo la impresión de que los medios de comunicación tradicionales montan blogs muy encorsetados, mera prolongación de sus páginas. Un material comunicativo y crítico debe ser parcial, apasionado y político. Un blog debe tener una pizca de sabor: sutileza, rapidez, multiplicidad, destellos de lucidez, compromiso, tolerancia y deseo renovador».

Según Javier Rubio Nomblot, la aportación del blog es que incluye «informaciones que no pueden ser ofrecidas por otros medios por diversas causas. Permite una mezcla (palabra, imagen y sonido), que no se da en ningún otro medio. Sin limitaciones de espacio, ni condicionantes de ninguna clase. En teoría, las estructuras actuales –galerías, museos, revistas– están optimizadas; pero, al mismo tiempo, están contaminadas. Por eso el blog debería contribuir a la desaparición del modelo piramidal de información».

Contra la noticia dura

Los medios tradicionales buscan cada vez más la noticia dura o la espectacularidad. Por tanto, los blogs se han convertido en un elemento imprescindible de la conversación, la herramienta más adecuada para difundir un tipo de reflexión crítica», subraya José Manuel Costa.«Aún existe el fetichismo del papel, pero en según qué prácticas emergentes, los blogs o páginas web independientes son la única vía. En el lenguaje del blog no hay reglas, encontramos posts que son puros flashes con links interesantes y hasta sesudos. Tratan temas que interesan y utilizan un lenguaje diferente y adecuado a sus realidades. El objetivo del blog, como diría Eluard, sería hablar de aquello que le ayuda a vivir al escribiente. Y que se note».

Andrés Castaño, Madrid: El arte de «bloguear», ABC, 22 de enero de 2011

viernes, 21 de enero de 2011

Cuenta atrás para el Museo Carmen Thyssen de Málaga, que abrirá en marzo

La baronesa presentó en el Thyssen de Madrid una selección de 55 obras de su colección de las 230 que irán a Málaga

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABCA la espera de noticias sobre el destino de la colección internacional de la baronesa —Sinde está tensando la cuerda hasta el último minuto; el plazo del préstamo se agota—, su colección de pintura española tiene un futuro mucho menos incierto. Se está ultimando el que será el primer Museo Carmen Thyssen-Bornemisza en nuestro país (habrá otros más adelante). Abrirá sus puertas en la segunda quincena de marzo en el Palacio de Villalón, en el centro de Málaga. Coincidiendo con Fitur, el Ayuntamiento de la ciudad ha querido mostrar al sector turístico en el Museo Thyssen de Madrid (desde ayer y hasta el viernes) una selección de 55 obras de las 230 que irán a Málaga. No está abierta al público.

Ayer recorrimos la muestra con María López (Madrid, 1975), directora del futuro museo. Hasta su elección por un comité de expertos fue subdirectora de exposiciones de la Fundación Mapfre, «un sitio fantástico; ha sido una escuela maravillosa, le debo muchísimo». Nos cuenta que el museo constará de cuatro plantas: tres para la colección permanente y otra para exposiciones temporales. El recorrido irá de arriba abajo: arranca en la tercera planta con un espacio dedicado al paisaje (con obras de Bamberger, Lucas Velázquez, Pérez Villamil, Carlos de Haes, Beruete...) La segunda abordará el paso del costumbrismo al preciosismo, con Fortuny como figura central —llegarán dos obras suyas que estaban en préstamo en el MNAC—, al que acompañarán Raimundo de Madrazo, Domínguez Bécquer, Pinazo...

María López, directora del museo Thyssen de Málaga. ERNESTO AGUDOConcluye el recorrido en la primera planta con «El fin de siglo». Un apartado en el que destaca la colección de la baronesa por su riqueza, con grandes obras de Sorolla (seis), Regoyos, Romero de Torres, Zuloaga, Solana... Además, en la antigua capilla del palacio se exhibirá la «Santa Marina», de Zurbarán, junto a cuatro óleos religiosos de Jerónimo Ezquerra. De las 230 obras que la baronesa presta gratuitamente por 15 años, renovables, se exhibirán unas 180. También está ya cerrado el programa de exposiciones temporales de este año: lo inaugurará la colección particular de pintura española del siglo XX de Carmen Thyssen: «De Picasso a Tàpies». Le seguirán «Sorolla en Andalucía» y «Monet: la casa entre las rosas», dentro de la serie «Contextos».

Destaca la directora del nuevo museo la recuperación que se ha llevado a cabo del antiguo palacio (arcadas, artesonados) y su armonioso diálogo con el edificio anexo de nueva planta. Para gestionar el museo se ha creado la Fundación Palacio de Villalón, con un estatus similar a la fundación que gestiona el Museo Thyssen. La baronesa es la presidenta del Patronato y, entre sus miembros, Guillermo Solana y Tomás Llorens. También forman parte del Patronato el Ayuntamiento y la Universidad, además de todos los partidos políticos. Durante las obras aparecieron restos arqueológicos del siglo III, que podrán visitarse: el palacio está sobre una factoría romana, que cuenta con un ninfeo con pinturas originales y restos de una necrópolis bizantina. «El museo tiene que convertirse en un referente en Andalucía y en uno de los grandes museos españoles», afirma María López. Para ello colaborará con otros centros tanto nacionales como extranjeros. Ya hay en marcha proyectos con los museos Rodin (una exposición en torno al trabajo del mármol) y d'Orsay de París. La implicación de la baronesa en el nuevo museo, añade su directora, es total: «Está muy ilusionada».

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Alguna de las obras que podrán verse en el Thyssen de Málaga. ABC

Un cuadro de Mao Zedong tiroteado ha costado más de 200.000 euros

El propio Warhol etiquetó las marcas como 'tiro de advertencia' e 'impacto de bala'./ EP
Un retrato de Mao Zedong realizado por Andy Warhol -célebre por ser al que el actor Dennis Hopper disparó dos balas- se ha vendido por 231.619 euros (302.500 dólares). (231.619, más de 10 veces su máximo valor estimado según informó Christie's. La serigrafía de 1972 era parte de la colección de arte del propio Hopper y está compuesta principalmente de tonos azules y verdes incluido un rostro de Mao, el fundador del estado comunista moderno, en azul profundo. La obra tenía un precio estimado de venta de entre 20.000 a 30.000 dólares y era parte de los dos días de subastas de cientos de obras de la colección y artículos personales de la casa en California del fallecido actor.

Mao figuraba entre las personalidades icónicas del universo de Warhol. El cuadro de Hopper era único debido a que tenía agujeros de bala que fueron realizados después de que el excéntrico actor, presa del pánico, confundiera "el retrato en su pared con el propio Mao y le disparó", señaló Christie's. Hopper, quien falleció el año pasado de cáncer a los 74 años, mostró posteriormente los agujeros a Warhol y ambos consideraron la obra como una colaboración. Warhol dibujó círculos alrededor de los impactos de bala, etiquetando una sobre el hombro derecho de Mao como "tiro de advertencia" y uno sobre su párpado superior izquierdo como "impacto de bala".

Obras millonarias

Otra legendaria serigrafía de Warhol realizada en 1967 de Marilyn Monroe alcanzó los 206.500 dólares o alrededor de cuatro veces su valor estimado de preventa. Gran parte de las pieza de arte más valiosas de Hopper fueron vendidas en noviembre durante la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's, logrando más de 10 millones de dólares para su patrimonio. La venta, que también incluye obras de Annie Leibovitz, Marcel Duchamp, Helmut Newton y más trabajos de Warhol, culmina el miércoles.

REUTERS/EP Nueva York: Un cuadro de Mao Zedong tiroteado ha costado más de 200.000 euros,
Público, 12 de enero de 2011

jueves, 20 de enero de 2011

Alexander Calder

Puntos negros y amarillos en el aire (1960), de Calder.- Siempre es bueno volver sobre los grandes maestros del siglo XX, entre los que el estadounidense Alexander Calder (1898-1976) ocupa ciertamente un lugar, pero como logrado a hurtadillas. En cierta manera, le ocurrió algo parecido a Klee: que ninguno de los dos fueron lo suficientemente "graves". Grandes dibujantes, eran sutiles y ligeros en una época marcada por lo descomunal, pesante y estruendoso. De todas formas, cuando se piensa en lo aportado por la vanguardia histórica, es casi imposible prescindir de lo lineal. Cuando Calder se afincó en París en 1926, Picasso andaba empeñado en el "dibujo en el espacio", cuya versión tridimensional en hierro iba a revolucionar la escultura contemporánea. Le siguió muy de cerca en ello Julio González, pero, a su aire, también lo hizo Calder, que, a partir de 1930, comienza a configurar sus móviles, piezas metálicas coloreadas que danzan en el espacio. Según su propio testimonio, captó esta posibilidad al visitar el taller de Mondrian al imaginar que sus formas planas volaban por la habitación. Desde entonces y hasta su muerte, exploró y explotó las múltiples posibilidades de esta flotación retráctil de los cuerpos en el espacio.

Uno de los méritos de la exposición monográfica que ahora se exhibe en la galería de Elvira González, con 18 piezas del artista, entre las cuales hay tres maravillosas joyas, es que compendia prácticamente la tipología completa de Calder, lo que es como decir que asimismo representa todas sus etapas. El fantástico Portrait of Mr. Uhlan, aunque realizado en 1938, nos remite a sus alambicadas siluetas circenses con que se abrió paso en el París de la segunda mitad de la década de los veinte. Medio siglo de invención, que Calder llevó a cabo sin salirse jamás del debate. Encaja con todo: con los constructivistas y con los surrealistas, pero, si se presta atención a sus gouaches, les ves igualmente próximo al expresionismo abstracto y al pop. La Fuente de mercurio, que solidariamente emplazó en el Pabellón Español de 1937 fue, por ejemplo, una de sus grandes ideas que iba dejando caer como si nada. Por eso, siempre puedes volver sobre Calder con gozoso provecho. Al fin, el don de la ligereza hace que todo sea más perdurable.

Francisco Calvo Serraller, Alexander Calder, EL PAÍS / Babelia, 15 de enero de 2011

miércoles, 19 de enero de 2011

Del plató a la vivienda social

La artista austriaca Dorit Margreiter muestra el poder del cine y de la arquitectura en el arte contemporáneo en una exposición con la que el Reina Sofía inicia el nuevo año

Vivienda precaria. Fotograma de la película Americus, de 2008. MAK

Dorit Margreiter (Viena, 1967) es una artista contraria a la amnesia histórica y dedicada a investigar durante años el papel que el cine y la arquitectura han tenido en la cultura contemporánea. Poco conocida en España, pero muy considerada en los circuitos internacionales, la obra de Margreiter está llena de propuestas y sugerencias de corte social. Bajo el título de Descripción, el Reina Sofía (MNCARS) ha inaugurado ayer la primera exposición que la artista austriaca protagoniza en nuestro país, una veintena de piezas que se podrán contemplar hasta el 25 de abril.

La base de la exposición son cuatro potentes instalaciones en las que se proyectan películas . En torno a la pantalla se exponen fotografías, textos y esculturas móviles, especialmente creadas para la exposición. Dorit Margreiter ha organizado todo su discurso en torno a la película Zentrum, un filme en el que la artista explora la arquitectura de un famoso edificio residencial de Lepzig, contruido en 1960 por la RDA, recientemente derribado.

Fusión de paredes y muebles. MUSEO MODERNER KUNST STIFTUNG LUDWIG WIEN | Fotograma de la película 10104 Angelo View Drive de 2004.

Lynne Cooke, subdirectora del museo y comisaria de la exposición explica que en ella se aborda el tema de la destrucción y de la conservación y sobre los criterios y protocolos que se siguen para optar por una de las dos opciones y que se esconde detrás de una decisión de esas características. Junto a la pantalla donde se ven las películas mudas, el proyector adopta el papel de escultura. La herramienta y la obra final, tienen la misma importancia para esta artista: el proyector y el filme, el lápiz y el dibujo. No hay nada subordinado. Todo está en el mismo nivel de importancia.

Y cada pieza tiene un texto propio aunque hable de temas comunes. La película 10104 Angelo View Drive (2004) reproduce imágenes de la arquitectura de los años sesenta y los platós de cine a través de la residencia Sheats/oldstein de BeverlyHills. En el filme Poverty Housing. Americus, Georgia (2008),la artista denuncia el embellecimiento de la pobreza a partir de la ciudad de Americus, en la que se reconstruyó, a escala, un barrio pobre de Sudáfrica y, en Pavilion (2009),el filme que mostró en la última de la Bienal de Venecia, se proyectan imágenes del pabellón que diseñó en 1934 el arquitecto vienés Josef Hoffman.

Escultura móvil sobre palabras. HANNES BOECK | Zentrum. Construcción de metal pintado.

Fotogramas sueltos de algunas otras películas de la artista, como Paramount Studio (2002), en los que reproduce los interiores desnudos de los estudios, cuando están a la espera de una nueva producción, cierran el recorrido de la muestra.

Manuel Borja-Villell, director del museodefine la exposición como una propuesta en la que se nos descubre que los edificios no son simples. "Reflejan experiencias, y lo hace sin utilizar la palabra. En su silencio es más importante lo implícito que lo explícito. Hablan de una modernidad que no cumplió sus promesas".

La importancia de las herramientas. HANNES BOECK | Zentrum. Proyección de una película muda.

Las semillas de la arquitectura. JOAQUÍN CORTÉS/ ROMÁN LORES | Maqueta arquitectónica, escala 1:10.

Ángeles García, Madrid: Del plató a la vivienda social, EL PAÍS, 11 de enero de 2011

Alicante acoge los mejores iconos rusos del mundo

El día 19 de enero de 20011 ha abierto sus puertas en el Centro Cultural Bancaja de Alicante Rusia Sagrada. Iconos del Museo Rublev de Moscú, una exposición que presenta un conjunto destacado de obras de la principal colección de iconografía rusa del mundo, la del Museo de Cultura y Arte Antiguo Ruso Andrey Rublev, con sede en el monasterio Spaso-Andronikov de Moscú.

Comisariada por Smirnova Oksana Viktorovna, conservadora jefa de la institución moscovita, la muestra incluye una cuidada selección de 52 obras maestras de sus fondos con la que se pretende mostrar al espectador las etapas principales de la iconografía rusa antigua, desde el siglo XV hasta principios del XIX.

Obras maestras

La imagen principal de Rusia Sagrada es el icono de San Jorge, que plasma diferentes escenas de su vida. Esta obra maestra, referente al santo patrón de la capital rusa, data de finales del siglo XV. La tabla es reconocida tanto por su calidad artística como por el detalle con el que describe la vida del santo. Otra de las piezas clave presente en Valencia es la representada por Mandylion, del siglo XVII, y a quien está dedicada la catedral de Spaso-Andronikov, sede del museo.

También se muestran, entre otros, varios iconos de la Virgen y de San Nicolás, que ofrecen al visitante la evolución de la iconografía en un largo periodo de la evolución de la historia del arte. Inusual y único es el conjunto de grandes iconos, fechados alrededor de 1698 y procedentes del monasterio de Iosifo-Volotsky. Los creadores de estos iconos fueron los hermanos Potapov. La identificación de los artistas es una rareza en el arte ruso antiguo, que era predominantemente anónimo por lo que se conocen muy pocos nombres de los pintores rusos de iconos.

Iconostasios rusos

La exposición –que ya ha pasado por Valencia– incluye también piezas de iconostasios rusos, procedentes de diversas iglesias y correspondientes a diferentes períodos. Los iconostasios son una división o muro que parte de un lado a otro el ábside, separando el sagrario del cuerpo del templo y cerrando el altar a los fieles. Esta pared está decorada con conjunto de iconos, distribuidos en sucesivas filas o hileras horizontales tematizadas. Rusia Sagrada muestra diversas piezas de iconostasios como las Puertas Reales y la Puerta del Altar del Buen Ladrón

El Museo Rublev de Moscú abrió sus puertas en 1947 y durante muchos años fue el único museo de la URSS especializado en el arte religioso. Actualmente dispone de una amplia colección de obras (alrededor de 15.000) y presenta a sus visitantes notables ejemplares del mejor arte ruso de los siglos XI hasta principios del siglo XX. La parte más reconocida de su colección es, sin duda alguna, su colección de iconos, aunque también cuenta con una gran colección de manuscritos, artículos textiles de liturgia religiosa, artes decorativas, obras de talla a gran escala y piezas arqueológicas.

Andrey Rublev, el principal iconógrafo ruso

El Museo de Cultura y Arte Antiguo Ruso Andrey Rublev de Moscú debe su nombre al pintor Andrey Rublev, considerado el principal iconógrafo ruso. Pintor y religioso, la vida de Rublev transcurrió entre la última parte del siglo XIV y principios del siglo XV. Su obra es considerada como la más perfecta del arte ruso antiguo. La primera mención al arte iconográfico de Rublev data de finales del siglo XIV, cuando decoró iconos y frescos para la catedral de la Anunciación del Kremlin de Moscú. Rublev se inició como asistente de Teófanes el Griego. El artista pasó la parte final de su vida en el monasterio de Spaso-Andronikov, donde pintó los murales de la catedral y donde fue enterrado. Fue canonizado en 1988. La iglesia ortodoxa rusa celebra su día de santoral el 4 de julio.

En 1966 se estrenó la película soviética Andrey Rublyov, dirigida por Andrei Tarkovsky, que narra la vida del religioso y artista ruso.




Las obras más tempranas del Museo corresponden al período anterior a la invasión mongola, desde el siglo XI hasta la mitad del siglo XIII. Las series de tablas más brillantes, en cuanto a su variedad y nivel artístico, están dedicadas a la iconografía de Moscú y Tver de los siglos XV-XVI y constituyen un claro ejemplo del auge espiritual y estético que llegó a todos los centros del arte ruso. Destaca, sobre todo, la ciudad de Moscú, donde a lo largo del siglo XV trabajó la pléyade de maestros más notables, encabezada por Andrey Rublev, y más tarde por Dionisio. Sus obras se caracterizan por la viveza de sus imágenes y por una delicadeza especial. El siglo XVI fue una época de conmociones sociales y políticas, que se plasmó en iconos llenos de dramatismo. Por ejemplo, el icono de San Juan el Bautista.

Alicante. Rusia Sagrada. Iconos del Museo Rublev de Moscú. Centro Cultural Bancaja. Del 19 de enero al 27 de marzo de 2011. Comisaria: Oksana Smirnova.

Alicante acoge los mejores iconos rusos del mundo, hoyesarte.com, 19 de Enero de 2011

lunes, 17 de enero de 2011

Kippenberger y Giacometti serán los protagonistas del Museo Picasso en 2011

Paulino Plata y José Lebrero durante la presentación. | Carlos Díaz El Museo Picasso de Málaga comienza el año 2011 con un nuevo programa de exposiciones. En esta ocasión el centro se propone, a través de las obras del artista alemán Kippenberger y el suizo Giacometti, acercarnos a "la intimidad, el recogimiento, la alegría y el dolor" de creadores pertenecientes a generaciones diferentes.

Tras la cláusula de 'Los juguetes de las vanguardias' el 30 de enero, las exposiciones proseguirán el 21 de febrero con la inauguración de 'Kippenberger miró a Picasso', una muestra que reflexiona sobre la profunda huella que dejó en las obras de Kippenberger las fotografías y retratos del pintor malagueño y de su viuda, Jaqueline Rose. En concreto, esas fotografías inspiraron una serie de óleos 'Jaqueline: los cuadros que Pablo ya no pudo pintar', varios de los cuales pondrán verse en la exposición. Según han informado desde el museo, con ello se propone indagar acerca de los temas comunes en ambos creadores como es el retrato como género. En total se mostrarán cerca de 50 trabajos entre pinturas, dibujos y esculturas así como más de 60 libros de artista y catálogos y más de 36 carteles.

En octubre le tocará el turno a las piezas del creador italiano Giacometti en lo que será su primera retrospectiva en el siglo XXI en España. De esta manera el museo ahonda en el trabajo de este artista referente en el arte de las vanguardias del siglo XX que mantuvo una relación de amistad con Picasso en los años 30. Aproximadamente se mostrarán 100 obras de Giacometti entre esculturas, pinturas y dibujos.

El consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, Paulino Plata, y el director del museo, José Lebrero, han presentado el 12 de enero las actividades que se pondrán en marcha a lo largo del año. Así, además de estas exposiciones, Plata ha informado de que se pondrá en marcha el programa '20 años bajo la mirada de Picasso' que ofrecerá una visión global del artista malagueño. Según ha explicado, el ciclo de actividades "se ha movido en el tiempo" para incorporar en él dos conmemoraciones: los 20 años transcurridos desde la exposición 'Picasso Clásico' y los 10 años de inauguración del museo el día 27 de octubre de 2013. Asimismo, ha puntualizado que junto a la colección permanente del museo se abrirá también un espacio específico para el fondo del fotógrafo argentino Roberto Otero. Este archivo, patrimonio del museo, está compuesto por más de 1.5000 imágenes que ilustran la vida cotidiana de Picassoy los procesos de creación de su obra en la década de los 60.

Por otro lado, el museo también ofrecerá una selección de fotografías del estudio de Picasso y de su proceso creativo hechas por el cámara y también amigo del artista malagueño, David Douglas Duncan. Esta coproducción entre el MPM y el Graphikmuseum Pablo Picasso Münster (Alemania) verá la luz en junio junto con 50 obras originales de Picasso que se pueden reconocer en las instantáneas.

Felicidad Martín | Málaga: Kippenberger y Giacometti serán los protagonistas del Museo Picasso en 2011,
EL MUNDO, 12 de enero de 2011

Y en rebajas, un 'dalí'

'Nature morte a L'Esperance' de Paul Gauguin. | Kirsty Wigglesworth (Ap)

Un bodegón de Paul Gauguin titulado 'Nature morte à l'Espérance' será la estrella de la subasta de arte impresionista y moderno que celebrará Christie's en Londres el próximo 9 de febrero. El bodegón, que representa unos girasoles, pintado por Gauguin en 1901 durante su estancia en Tahití y que ha sido incluido en más de veinte exposiciones dedic'Las llamas, las llamas' (1942) es una de las imágenes más icónicas del pintor catalánadas al artista francés, incluida su primera retrospectiva en el Grand Palais parisino (1906), podría alcanzar un precio de unos 12 millones de euros (15,4 millones de dólares), según la casa de subastas.

El mismo día se ofrecerán al mejor postor cuatro obras de las que ha decidido deshacerse el Art Institute of Chicago: 'Nature morte à la guitarre', del cubista George Braque; una pintura temprana de Pablo Picasso titulada 'Sur límpériale traversant la Seine' (1901); un bodegón cubista del pintor español, 'Verre et pipe', de 1919, y un retrato de mujer firmado por Henri Matisse.

El bodegón de Braque tiene un precio estimado de entre 4,2 y 8,6 millones de euros (de 5,4 a 11 millones de dólares) mientras que el paisaje de Picasso se valora en una cifra que va de 2,4 a 3,6 millones de euros (entre 3 y 4,6 millones de dólares). Forman parte también de la misma subasta obras de Edgar Degas como 'Danseuses jupes jaunes', un pastel de en torno a 1896 que podría alcanzar un precio de hasta 6 millones de euros (unos 7,7 millones de dólares).

El mismo día, Christie's subastará también 32 obras de algunos de los mayores representantes del movimiento surrealista, entre ellos Magritte, Dalí, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Paul Delvaux y Francis Picabia, con un valor total calculado de 33,6 millones de euros (43,3 millones de dólares). De Dalí se ofrecen un estudio para su obra, hoy perdida, 'Le miel est plus doux que le sang', que se exhibió últimamente en la exposición 'Dali and Film', de la galería Tate Modern, y una pintura de gran tamaño titulada 'Las llamas, las llamas' (1942), con una de sus imágenes más icónicas: una jirafa en llamas. Se espera que esta última alcance un precio de 3,6 a 4,8 millones de euros (entre 4,6 y 6,1 millones de dólares). De una colección particular suiza procede 'L' aimant' (El imán), de René Magritte, pintura monumental ejecutada en 1941, que representa a una mujer desnuda apoyada en una roca y junto a una cortina.

Efe | Londres: Y en rebajas, un 'dalí', EL MUNDO, 10 de enero de 2011

domingo, 16 de enero de 2011

Ayer mataba gente, hoy vigilo museos

La 'Anunziata' de Antonello da Messina, una de las joyas del Renacimiento, se exhibe en la Galería Regional de Palermo custodiada por ex sicarios de Cosa Nostra

Virgen de la Anunciación, de Antonello da Messina, la obra custodiada por ex sicarios mafiosos en Palermo.Uno de los retratos más delicados del Renacimiento italiano, la Virgen de la Anunciación de Antonello da Messina (entre 1430 y 1470), está custodiada en la Galería Regional de Sicilia por media docena de ex presidiarios de Cosa Nostra, la mafia local. Los ex sicarios comparten las tareas de vigilancia del museo, situado en el imponente palacio Abatellis, con policías y vigilantes privados. Se trata de un programa de la región autónoma siciliana destinado a reinsertar a presos que han cumplido una parte de su condena. Las cárceles italianas no dan abasto y las autoridades intentan solventar el hacinamiento con imaginación. Algunos condenados de Cosa Nostra, que sufrió innumerables detenciones a finales de los años ochenta, están volviendo al mundo exterior en un ambiente de cultura y calma, lejos de las lupare (escopetas), las drogas y la extorsión.

Entre los extraños guardianes de la Annunziata, una virgen guapísima tocada con un velo azul cobalto del que emergen unas manos suspendidas en el aire, hay algunos mafiosos a los que en su día les fue aplicado el artículo 41 bis del Código Penal, que establece duras condiciones carcelarias para los delitos más graves, dijeron a este diario fuentes del museo. Además de la obra maestra pintada en 1475 por Antonello da Messina, los excarcelados vigilan obras medievales y renacentistas de un valor incalculable, como el busto de Leonor de Aragón, de Laurana, o el célebre fresco del siglo XIV titulado El triunfo de la muerte, que ocupa una gran pared de la planta baja del museo.

El problema para los que quieran visitar a la Anunciación, que algunos conocedores consideran tan fascinante como La Monna Lisa, es que solo se puede hacer por las mañanas.
Caravaggio, ¿comido por los cerdos?

La relación entre las mafias italianas y el arte no es nueva. El tráfico de arte, sobre todo sacro, y de piezas robadas en los cientos de sitios arqueológicos y museos poco vigilados de Italia es una actividad habitual del crimen organizado local. El caso más llamativo es el robo de una de las dos natividades sicilianas de Caravaggio: la tela fue descosida del altar del oratorio de San Lorenzo de Palermo por dos desconocidos durante la tormentosa noche del 17 al 18 de octubre de 1969 y desde entonces las autoridades no han vuelto a verla.

El primero en atribuir el robo a Cosa Nostra fue el colaborador de la justicia Francesco Marino Mannoia, un mafioso siciliano detenido hace 20 años en Estados Unidos, que se adjudicó el hurto cuando declaró en el juicio por complicidad mafiosa celebrado en Palermo contra el siete veces primer ministro, Giulio Andreotti. La tétrica declaración de Mannoia, que afirmó que cuando estaba enrollando la tela para llevársela se deshicieron los colores hasta destruir la pintura, fue desmentida posteriormente por otros bosses detenidos, que dijeron que el culpable no fue Mannoia sino dos ladronzuelos que no pidieron permiso a la mafia, por lo que esta se limitó a localizarles antes que la policía para arrebatarles la tela, que luego habría pasado de familia en familia como símbolo de prestigio y poder. Hoy, 41 años después, el robo ha prescrito pero el cuadro sigue desaparecido. Según algunas voces, ha presidido muchas reuniones de la cúpula de Cosa Nostra y lo seguirá haciendo. Otros afirman, sin embargo, que el caravaggio ya no existe. Según ha declarado el sicario arrepentido Gaspare Spatuzza a los fiscales de Palermo, su capo Filippo Graviano le contó en la cárcel hacia 1999 que el cuadro "había sido destruido en los años ochenta por la familia Pullará". Según la versión del pentito, "la obra fue escondida en un establo pero se arruinó: se la comieron los ratones y los cerdos, y por eso finalmente fue quemada".

Los ex presidiarios de la Galería Regional (antes Nacional) solo trabajan en horario matinal, de modo que uno de los principales museos de Palermo no tiene personal suficiente para abrir por las tardes. En este momento, el museo solo abre sus puertas cuatro horas al día, entre las 9.00 y las 13.00, aunque la página web de la pinacoteca afirma que una parte de la galería se puede visitar también por las tardes. Según Lirio Abbate, activista antimafia y periodista de L'Espresso, "Sicilia es así, es como poner al zorro a vigilar el gallinero, y los mafiosos tienen más privilegios que los recién licenciados, con lo que suceden cosas tan alucinantes como esta, que el museo solo abre cuando los mafiosos trabajan".

La tarde del pasado viernes, el museo se encontraba cerrado, pero no del todo: uno de los vigilantes se ofreció amablemente a mostrar el maravilloso óleo a un pequeño grupo de turistas, previo pago de una entrada de cuatro euros (precio reducido). La virgen de Da Messina parecía estar segura: la tabla de inspiración flamenca está metida en un soporte hermético y protegida por un cristal. Un trabajador del museo explicó que era preciso abonar el billete porque los servicios de taquilla han sido privatizados, situación que se repite en otras pinacotecas del país ante el continuo recorte de fondos a la cultura. Según medios palermitanos, en algunos museos sicilianos se han producido últimamente desfalcos en los ingresos de las taquillas.

La falta de personal y de actividad en el Palacio Abatellis resulta especialmente irónica porque las cifras de desempleo en Sicilia superan de largo la media nacional, y porque el Gobierno regional, que preside el centrista y ex democristiano Raffaele Lombardo, manejó durante 2010 un presupuesto que ascendió a 27.196 millones de euros, mayor que el de algunos países de la UE. El Palacio Abatellis, construido por Matteo Carnalivari en el siglo XV, es uno de los más ilustres ejemplos del estilo gótico-catalán de Sicilia y preside el acceso al puerto de la ciudad de Palermo desde el viejo barrio de la Kalsa. El estado de conservación del edificio es excelente (fue restaurado en 2009), y en la fachada lateral se pueden ver dos antiguos escudos con la senyera, el águila imperial y la leyenda Manya y Fuerza.

Miguel Mora, Palermo: Ayer mataba gente, hoy vigilo museos, EL PAÍS, 11 de enero de 2011

A modo de justificación...

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El presente blog pretende ser un compendio de los artículos, y publicaciones recogidos en los medios de comunicación (escritos y audiovisuales), principalmente de España, para el estudio de la Historia del Arte. Aspira a ser una guía complementaria para su conocimiento y una referencia para la reflexión y análisis del mundo que nos rodea para difundir la defensa del patrimonio a futuras generaciones. Tuvo su origen a comienzos de junio de 2007, como blog de aula en la materia de Historia del Arte, para la modalidad de Humanidades y Ciencias Sociales de 2º de Bachillerato en el I.E.S. Carbula de Almodóvar del Río (Córdoba). Pero la idea fue creciendo y adquiriendo una dimensión inesperada. Ahora, en un nuevo destino profesional deseamos continuar la experiencia, manteniendo la identidad, para poder alcanzar a nuestros alumnos, en su forzado contacto con la materia, y con el público en general, para que profundice en los entresijos de un aspecto de la civilización de gran calado.