El corazón del Prado ya late en el Ermitage

Los Reyes de España inauguran en San Petersburgo una selecta exposición de la pinacoteca madrileña para reforzar las relaciones entre España y Rusia

En el salón del trono en el Palacio de Invierno en el que se ubica el Ermitage (joya de la corona de los museos rusos) el Rey Juan Carlos, acompañado por Doña Sofía y Dmitri Medvédev, han dado por inaugurado el llamado año dual España-Rusia con un discurso sobre la cultura como herramienta de progreso para las relaciones diplomáticas. "Una prueba del diálogo que encarna el año dual es esta muestra. Unas pinturas que deleitarán a los visitantes, junto a los demás tesoros que encierra este gran templo del arte universal", ha dicho don Juan Carlos.

Tras los discursos ha habido tiempo para recorrer la mencionada exposición (El Prado en el Hermitage), que hasta el 29 de mayo llevará al público ruso 66 pinturas de las escuelas española, italiana y flamenca. Un recorrido por las colecciones reales del Prado de los siglos XV al XIX. "La idea es traer un museo dentro de un museo", ha afirmado Gabriele Finaldi, comisario de la muestra.

Miguel Zugaza, director del museo del Prado ha explicado las fechas escogidas para la muestra (temporada baja, dadas las condiciones climatológicas): "hay mucho interés en Rusia por el Prado y por esa razón se han traído en esas fechas, así la mayoría de los visitantes serán rusos".

A finales de año será el Prado el que presentará los Tesoros del Hermitage (8 de noviembre de 2011 - 26 de marzo de 2012) a través de 170 obras -incluidas piezas arqueológicas, objetos de artes decorativas, pinturas, esculturas y dibujos- del museo ruso que mostrarán la variedad y amplitud de sus colecciones desde el siglo V a.C. hasta el siglo XX.

Previamente, los dos jefes de Estado han mantenido un encuentro con representantes empresariales rusos y españoles en la biblioteca presidencial Boris Yeltsin. Por parte española han participado, entre otros, los presidentes de Repsol YPF, Antoni Brufau, de Indra, Javier Monzón, de Acciona, José María Entrecanales, y de Iberia, Antonio Vázquez, además de la ministra de Asuntos Exteriores, Trinidad Jiménez.

Una mención al Thyssen

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, también ha viajado a San Petersburgo y ha hecho referencia a las negociaciones con Carmen Cervera sobre la prórroga por un año del préstamo al Estado de su colección privada que se exhibe en el Museo Thyssen-Bornemisza. Dicho acuerdo, tras meses de una difícil gestación, ha provocado también la reacción de Francesca Thyssen, hija del ya fallecido barón Hans Heinrich von Thyssen-Bornemisza, que fuera marido de Carmen Cervera. Francesca Thyssen se quejaba ayer en este periódico de las intenciones de Carmen Cervera de vender en el mercado libre cuadros de su colección. Es aquí donde ha terciado González-Sinde desde Rusia: "Las negociaciones con la baronesa nunca son fáciles. Ella tiene el derecho a vender el 5% de su colección y este año va hacer una nueva petición en ese sentido".

Iker Seisdedos, San Petesburgo: El corazón del Prado ya late en el Ermitage, EL PAÍS, 25 de febrero de 2011

Dos gigantes del arte se abrazan

Rusia "necesita muchísimo" un auténtico museo de arte moderno como el MoMA de Nueva York , pero falta la persona con "gusto, talento, relaciones y sentido comercial" en torno a la cual puede cristalizar ese proyecto. Y no lo dice cualquiera, sino Mijaíl Piotrovski, el director del Ermitage , el gran museo ruso. Hoy Piotrovski firma en Madrid el acuerdo para intercambiar exposiciones con el Prado con motivo del "año dual" entre Rusia y España. El 25 de febrero, los jefes de Estado de ambos países inaugurarán una gran exposición del Prado en el Ermitage. Consta de 66 obras (33, de artistas españoles, entre ellos Velázquez y Goya, y 33, de artistas de Europa Occidental) del periodo comprendido entre mediados del siglo XV y principios del XIX. En noviembre, el centro ruso llevará al español una selección de 170 obras. El intercambio no tiene precedentes en la historia de ambas instituciones. Los camiones con los cuadros del Prado comenzarán a llegar a San Petersburgo el próximo jueves y son esperados con excitación en el Ermitage, cuyo núcleo es la colección con la que Catalina II decoró el Palacio de Invierno en 1764.

Símbolo del poder imperial, el Ermitage es también la casa de Piotrovski. Este arabista y arqueólogo de 66 años dirige el museo desde 1992, siguiendo los pasos de su padre, Borís Piotrovski, que fue director hasta su muerte en 1990. Piotrovski mantiene las tradiciones, aunque también explora el arte contemporáneo, del que tiene una incipiente colección. Aun así opina que el gran museo de arte contemporáneo, inexistente aún en Rusia, "debería estar en oposición al Ermitage, porque este muestra que no hay arte viejo y arte nuevo, sino una continuidad y una tradición" y alberga lo que "ya tiene renombre". Un museo contemporáneo, en cambio, debería enseñar la "pluralidad de lenguajes y de materiales, estimular el desarrollo del arte y mostrar cómo se forman las obras".

El Ermitage se financia del presupuesto del Estado (en un 60% o 70%) y se complementa con ingresos propios. El deslinde entre proyectos comerciales y no comerciales, advierte Piotrovski, es "muy sutil" y depende de "cada caso concreto". El museo colabora con los oligarcas rusos. El magnate Mijaíl Jodorkovski (ahora en prisión) le ayudó en el pasado a organizar exposiciones en Reino Unido. Ahora, el oligarca Vladímir Potanin es el presidente del "consejo patrocinador" del museo, formado por empresarios. Potanin financia el Ermitage a través de su fundación, da becas a sus especialistas, ayuda a montar exposiciones y a comprar obras como Cuadrado negro, de Malévich.

El Ermitage, según su máximo responsable, no cambió tras la Revolución de Octubre en 1917 ni tras el fin de la URSS en 1991. ¿Y qué influencia han tenido los últimos 20 años en el gusto estético de los rusos? "El resultado no es muy bueno. Entre la generación de los mayores, que comprenden los méritos de nuestras exposiciones, y los jóvenes, que se interesan muy activamente por el arte moderno, existe una laguna de gente sin gusto, que no distingue lo que se puede hacer y lo que no se puede hacer". Y explica: "los que llegaron rápidamente al poder procedentes del mundo de los negocios saben de los precios en las subastas, pero muchos no tienen gusto". Piotrovski cita la idea de convertir la plaza del Palacio (el espacio frente al Ermitage) en una pista de patinaje. "Si la gente no entiende que no se puede hacer una pista de patinaje en esa plaza, es imposible explicárselo".

Como otros intelectuales, Piotrovski se opuso a que Gazprom, el exportador monopolista de gas, construyera un rascacielos en San Petersburgo. Tras una amplia movilización social, la gobernadora archivó el proyecto. Piotrovski no baja la guardia y critica la decisión de quitarle a la ciudad el título de "población histórica", que subordinaba la construcción urbana a unos determinados principios. "Dinero, dinero", exclama. "Quienes lo tienen quieren ganar más aún de la forma más fácil y creen que todo les está permitido". A la hora de integrar lo nuevo y lo viejo en San Petersburgo, París es el "mejor ejemplo".

El centro de arte ha colaborado anteriormente con la fundación Guggenheim, aunque ahora lo hace "a un nivel más bajo, porque ha cambiado la orientación de los museos". Un proyecto conjunto en Las Vegas (EE UU) se acabó, por ser "complicado y caro". "Decidimos que habíamos cumplido nuestra función pedagógica". La instalación de "pequeños Ermitage" por el mundo es actual, según Piotrovski. "En el gran Ermitage están los fondos, y luego tenemos un dinámico sistema de sputnik que pueden trasladarse de una órbita a otra. En Londres tenemos un sputnik que ha dejado de hacer exposiciones para recaudar dinero para las exposiciones. En Italia otro que realiza actividades científicas".

Piotrovski mira con desconfianza la restitución de obras de arte a las comunidades religiosas. Apoyándose en una reciente ley, la Iglesia ortodoxa rusa reclama lo que le perteneció en el pasado. "Las obras de arte tienen que estar en los museos y salir solo si se reúnen las condiciones para ello", dice. Por otra parte, Rusia ha suspendido todas las exposiciones en Estados Unidos, después de que un tribunal estadounidense decidiera que había que devolver a los judíos hasidas una biblioteca propiedad estatal en Rusia. Por temor a la confiscación, el Ermitage ha renunciado a enviar cuadros a ese país.

Diálogo de águilas

Una pieza romana del Museo Arqueológico de Alicante atrae una animada concurrencia en la sala de San Jorge. Es una mano de bronce que empuña un águila bicéfala. Se encontró en 2005 en el yacimiento de Lucentum, en la playa de la Albufereta de Alicante. Desde diciembre, está en la sala del trono imperial ruso en diálogo con el águila rusa (también de dos cabezas) y con el trono de los Románov. El efecto es notable.

En la muestra que el Ermitage llevará al centro alicantino en marzo un lugar privilegiado corresponderá a la arqueología, con piezas del oro de los escitas, de la colección que Pedro I mandó recoger en Siberia, y también de las riberas septentrionales del mar Negro, en la zona del Kubán y Crimea (Ucrania).

Las muestras del Prado y el Ermitage pretenden enseñar el "desarrollo de ambos museos como fenómenos culturales bajo la protección de las respectivas monarquías", explica Piotrovski. Con el Prado, imagina, "podríamos hacer un estupendo proyecto sobre las primeras obras de arte cristiano de España, Italia e iconos rusos". "Además, tenemos una importante sección española que apareció después de la guerra napoleónica, cuando Alejandro I compró varias colecciones".

Pilar Bonet, San Petersburgo: Dos gigantes del arte se abrazan, EL PAÍS, 7 de febrero de 2011

Una obra temprana de Renoir, a la venta en TEFAF por 11 millones

Una obra de Pierre-Auguste Renoir del impresionismo temprano será puesta a la venta por un precio de 15 millones de dólares (10,8 millones de euros) por la galería Dickinson en TEFAF Maastricht. Femme cueillant des Fleurs (Mujer recogiendo flores) representa a Camille Monet, primera esposa de Claude Monet, amigo de Renoir.

El lienzo será vendido a través de Dickinson por el Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, EE.UU.) para fortalecer con el dinero que se obtenga de la venta otras áreas de su importante colección.

Resulta cada vez más difícil encontrar pinturas impresionistas tempranas en el mercado y Femme cueillant des Fleurs data de un período decisivo. Además, trae a la memoria una dolorosa historia de celos entre la primera y segunda mujer de Monet. Camille Doncieux tenía 18 años cuando conoció a Monet en 1865 y no tardó en convertirse en su amante, posando para él en varias pinturas de estos primeros años. El padre de Monet se negó a aceptarla en la familia por sus humildes orígenes, pero, a pesar de ello, la pareja se casó en 1870.

Amistad duradera

La amistad entre Monet y Renoir, que sería de por vida, fue especialmente fuerte entre 1866 y 1875; los dos hombres solían pintar juntos, colocando sus caballetes uno junto al otro. Retrataron a Camille en varias de sus pinturas, incluida Femme cueillant des Fleurs, que data de este período tan relevante en el desarrollo del impresionismo. Un año después de que Renoir pintara este cuadro, Camille enfermó y en 1879 murió a la edad de 32 años.

La segunda esposa de Monet, Alice Hoschedé, destrozó, movida por los celos, todo el material que pudo encontrar que guardara relación con Camille. Solo una fotografía sobrevivió a este afán destructor. Tomada en los Países Bajos en 1871, permaneció en una colección privada cuya existencia Alice desconocía. Quizá el destino quiso que conociéramos a esta cautivadora y enigmática figura de la historia del impresionismo prácticamente solo a través de los cuadros para los que posó.

Maastricht (Países Bajos). TEFAF (The European Fine Art Fair). MEEC. Del 18 al 27 de marzo de 2011.

Una obra temprana de Renoir, a la venta en TEFAF por 11 millones, hoyesarte.com, 24 de Febrero de 2011

Exposición de la collección Bellver en el Bellas Artes de Sevilla

Al fin hay fecha. El próximo 8 de marzo abrirá sus puertas en el Museo de Bellas Artes la esperada exposición que volverá a mostrar a los sevillanos la colección de arte que Mariano Bellver ha ido reuniendo a lo largo de su vida. La Consejería de Cultura y el propio benefactor han realizado una selección de las principales obras que posee este amante del arte bilbaíno, residente en Sevilla. En total, serán 171 las piezas que ocuparán la zona principal de la pinacoteca, conocida como Sala Murillo. La muestra albergará mayoritariamente pinturas, con algún elemento de arte sacro, según informó ayer el propietario a este periódico. El museo aprovechará los paneles instalados desde febrero de 2010 en la Sala V de la pinacoteca -con motivo de la exposición El Joven Murillo-, que no han sido desmontados aún por los problemas presupuestarios por los que atraviesa el museo. Esta muestra era una de las condiciones que Bellver puso a la Junta y el Ayuntamiento en la negociación que llevan a cabo con ellos para cederle a la ciudad su colección de arte.

Aunque inicialmente estaba previsto inaugurarla el pasado otoño, las dificultades económicas que sufre la Consejería de Cultura y el laborioso proceso de selección de las obras -la administración y al propietario se han tenido que poner de acuerdo- han provocado que se retrasara. La exposición, que se prolongará hasta verano, no tendrá catálogo, sino una pequeña guía para el visitante. Tampoco habrá comisario. El propio Bellver encargó al catedrático Enrique Valdivieso un catálogo, pero de toda su colección, del que ya se ha editado una primera edición que el coleccionista ha repartido entre instituciones y amigos. De esta forma, el Bellas Artes también evita sufragar una edición sobre la muestra, lo que le supondrá un ahorro más que necesario a la pinacoteca, que a día de hoy no tiene ninguna otra actividad cerrada para 2011 ya que su escaso presupuesto le impide contratar exposiciones de la categoría que se merece el museo. En cuanto a la negociación con las administraciones para la donación de sus fondos, el propietario se limitó a responder que "eso se verá más adelante".

En cualquier caso, con la del próximo 8 de marzo serán tres las veces que la pinacoteca sevillana habrá abierto sus puertas a este coleccionista. Y es que la primera vez que Mariano Bellver manifestó públicamente su intención de regalar a la ciudad sus cuadros fue hace 13 años, en enero de 1998, justo cuando abrió la primera de las exposiciones, Pintura del siglo XIX, que reunía sus mejores obras. El ofrecimiento de Bellver fue bien recibido por la entonces alcaldesa, Soledad Becerril, que le planteó crear un museo del siglo XIX en alguno de los pabellones de la Exposición de 1929. Sin embargo, aquella idea no prosperó, lo que no impidió a Bellver seguir aumentando sus fondos con nuevas adquisiciones. En octubre de 2001, la pinacoteca recibía De Andalucía a Venecia, una muestra que reunía 50 obras de creadores andaluces del XIX. Reflejaba el quehacer de una amplia nómina de artistas que, desde el Romanticismo hasta la escuela plenairista de Alcalá de Guadaíra, se formaron en las escuelas andaluzas, viajaron a Roma y estudiaron en la famosa Academia Chigi, pintando muchos de ellos en Venecia. Los contenidos de la tercera muestra incluirán novedades con respecto a estas anteriores, ya que la colección es muy amplia y no ha parado de crecer -unas 370 piezas-.

Los fondos de arte decimonónico que posee este bilbaíno están valorados en algo menos de diez millones de euros, según el resultado preliminar de la tasación encargada en marzo de 2009 por el Ayuntamiento y la Junta. Su colección, considerada por algunos expertos de más valor que la de Carmen Thyssen, está compuesta sobre todo por cuadros, más de 300, de artistas andaluces del siglo XIX. Atesora lienzos de firmas como José García Ramos, José y Valeriano Domínguez Bécquer, Manuel Barrón, Antonio Reyna, Salvador Sánchez Barbudo, Emilio Sánchez Perrier, Salvador Viniegra Lasso de la Vega, entre otros.

Aunque la colección nació con el planteamiento de reunir lo más granado de la pintura hispalense del XIX, con el paso del tiempo las adquisiciones se han ampliado a los pintores andaluces de esa época, convirtiéndose en una de las mejores muestras privadas del arte pictórico andaluz del Romanticismo. Las últimas adquisiciones las realizó en la última subasta de otoño de Arte y Gestión, donde se hizo con cuatro cuadros por 180.000 euros. En concreto, Festejo en la Puerta de Carmona, de Henri Pierre Léon Pharamond Blanchard, un Pinelo Llul, un Lafita y un lienzo de una bailaora del inglés George Owen Wynne Apperley.

José Gallego Espina: La exposición de la colección Bellver abre el 8 de marzo en el Bellas Artes,
El Correo de Andalucía, 21 de febrero de 2011

Esculturas con una mueca genial y atormentada

El Louvre acoge una exposición de las inquietantes y misteriosas cabezas de Franz Xaver Messerschmidt, artista torturado y adelantado a su tiempo

Recluido en una cabaña cercana a Wiesenstein, su pueblo natal de Austria, y viviendo de la leche de una vaca y de la carne de unos corderos que le cuidaba el hijo de un vecino, el escultor Franz Xaver Messerschmidt comenzó en 1775 a esculpir la primera de sus misteriosas cabezas. En efecto, y aunque no lo parezca si se contemplan con detenimiento estas imágenes, hablamos del siglo XVIII, y no del XX o del XXI.

Cuatro de las piezas de Franz Xaver Messerschmidt, expuestas en el Museo del Louvre, en París.-

Hechas en bronce, en plomo, en mármol o en alabastro, plagadas de modernidad y de rasgos expresionistas e hiperrealistas que nadie podía siquiera imaginar en aquella época, este artista torturado por fantasmas que solo él veía llevó a cabo durante toda su vida una serie de bustos -muchos de ellos autorretratos- que se ríen, lloran, gesticulan grotescamente, cierran los ojos o abren la boca como si hubieran enloquecido. Se dice que hasta su muerte realizó 60 de ellas. Jamás vendió ninguna. Le acompañaron siempre a lo largo de su vida errabunda. Nadie ha sabido muy bien interpretarlas, qué quiso decir o gritar Messerschmidt con ellas. Ahora, el Museo del Louvre expone, hasta el 25 de abril, una treintena para estupefacción del público de París.

Nació en 1736 en Austria.Siempre fue escultor. Estudió en Viena y tras un viaje de formación en Venecia se instaló definitivamente en la capital austriaca. Su primera obra famosa fue un canónico retrato en bronce de la emperatriz Marie-Thérèse de Hungría. Vivía de los encargos de los burgueses de la época y de su puesto de profesor auxiliar de la escuela de Bellas Artes, en la que él mismo había estudiado.

Pero todo se torció. Los encargos comenzaron a escasear y en 1774, con 38 años, lo rechazaron para el puesto de profesor titular de la Academia de Bellas Artes. El tribunal alegó "problemas cerebrales". Y añadió: "A veces parece perder la razón".

Franz Xaver Messerschmidt tal vez padecía esquizofrenia. Se da también por cierto que le influyeron mucho las teorías heterodoxas y particulares sobre el magnetismo animal del médico Franz Anton Mesmer.

Arruinado, vejado, acosado por sus obsesiones, Messerschmidt lo vendió todo y volvió a su pueblo natal en busca de refugio en una cabaña construida en las afueras. Friedrich Nicolai, filósofo, editor e historiador austriaco, que le visitó en su casa en 1781, dos años antes de morir, describió a un hombre extraño que se pellizcaba frente al espejo y gesticulaba estrambóticamente con el fin de forzar el rostro y de llegar a componer una incomprensible teoría de las proporciones que, según él, gobernaba el mundo. El artista buscaba afanosamente 64 gestos primordiales. Los que, pacientemente, fue modelando en sus esculturas primorosas y alucinadas, según el filósofo. Nada creyente en fantasmas atormentados, Friedrich Nicolai atribuyó parte de la locura de Franz Xaver Messerschmidt a su castidad extrema y extremadamente militante. Cuando le preguntó por qué ocultaba siempre el labio inferior en sus esculturas, el artista le contestó: "Porque ningún animal de la naturaleza lo enseña".

A su muerte, su hermano, también escultor, encontró cerca de 60 de esos raros bustos. No se expusieron hasta 1794, en el Hospital de Viena. Allí, una voz anónima bautizó a su manera en un folleto las 49 obras que se conservaban, con la intención de despertar en el público más la risa y el sarcasmo que la emoción estética. Las esculturas reciben nombres como El hombre que sufre de estreñimiento, El hipócrita y el calumniador, El hombre que bosteza...

Con estos títulos azarosos se les conoció siempre y se siguen conociendo. A finales del siglo XIX, la colección se diseminó en una subasta en Viena. No era extraño: hasta los años veinte las extrañas cabezas de este escultor austriaco no comenzaron a atraer a los estudiosos y a los artistas, que veían en ellas una auténtica premonición de su propio expresionismo. Ahora constituyen un objeto de deseo por parte de cualquier museo o coleccionista, aunque se siga sabiendo tan poco como antes de su enigmático autor...

Antonio Jiménez Barca, París: Una mueca genial y atormentada, EL PAÍS, 24 de febrero de 2010

Krippenberger, un "showman" alemán fascinado por Picasso

Una muestra explora la influencia del artista malagueño sobre Krippenberger

El Museo Picasso de Málaga explora en su nueva exposición temporal, que se inau-gura hoy, la influencia que ejerció el artista malagueño sobre el alemán Martin Krippenberger (1953-1997) a través de 55 obras, 48 libros y 73 carteles y tarjetas de invitación creados por este. "Más que una influencia estilística, hay unos paralelismos que tienen que ver más con la presencia de Picasso como nombre asociado al arte moderno, porque todos los que nacieron en la generación de Krippenbergercrecieron con el mito de Picasso",explicó ayer en la presentación la comisaria de la muestra, Eva Meyer-Hermann.

La muestra Kippenberger miró a Picasso propone una reflexión sobre los temas de interés común en ambos creadores, como la pérdida, el reflejo de la experiencia personal en el arte y el retrato como género. Krippenberger, que con el tiempo se ganó fama de imprevisible enfant terrible, estudió desde su infancia a los grandes maestros, "y Picasso era el primero de su lista", según la comisaria. El alemán encontró su fuente de inspiración en un libro de fotografías de Duncan del que le impactaron las imágenes de una Jacqueline muy afectada tras la muerte del malagueño, que después interpretó en la serie Jacqueline: los cuadros que Pablo ya no pudo pintar.

Otro motivo de inspiración fue una imagen de Duncan en la que Picasso posaba orgulloso en calzoncillos junto a su perro, lo que llevó a Krippenberger a crear autorretratos en múltiples poses ataviado con la misma prenda. "No se le puede considerar un pupilo de Picasso porque a Krippenberger le interesó más la personalidad y cómo se presentó Picasso ante su entorno, mediante sus obras o sus apariciones públicas", apuntó Meyer-Hermann. "La palabra que mejor define a Krippenberger es showman porque no fue sólo un pintor, un escultor o un fotógrafo", explicó la comisaria. "En vida, sus obras no tuvieron una gran acogida, posiblemente porque no todos las entendieron", añadió.

La exposición permanecerá instalada en el Museo Picasso de Málaga hasta el próximo 29 de mayo.

Un "showman" alemán fascinado por Picasso, Público, 22 de febrero de 2011

El orden regresa al arte

El Guggenheim revisa la vuelta al clasicismo en la Europa de entreguerras

En paralelo a los acontecimientos políticos que sacudían Europa, la historia del arte sufrió un súbito cambio de dirección al final de la Primera Guerra Mundial. Mientras el continente se recuperaba de la destrucción de la guerra, los artistas iniciaron un movimiento de recuperación de los ideales clásicos y la serenidad en respuesta a las convulsiones estéticas y teóricas de las vanguardias de principios del siglo XX. La exposición Caos y clasicismo. Arte en Francia, Italia y Alemania. 1918-1936 explica en el Museo Guggenheim Bilbao ese retorno al orden en el periodo de entreguerras a través de pinturas y esculturas, pero también con el influjo que tuvo en las artes decorativas, el cine, la fotografía y la moda, lo que sirve para incluir en la muestra varios muebles y vestidos.

El comisario de la exposición, el catedrático de Arte Moderno de la Universidad de Nueva York Kenneth E. Silver, explica que la selección de obras (más de 150, ordenadas por líneas temáticas) quiere recalcar el renacimiento del clasicismo en Europa: "Tras la oscuridad de la guerra, llegó el arte de la luz y la historia".

El lenguaje artístico dominante en las décadas de entreguerras supuso una alternativa a los caminos abiertos por las vanguardias. Silver define ese cambio como "una protesta" contra el arte anterior a la I Guerra Mundial, que tuvo diferencias en los distintos países europeos: fue "anticubista en Francia", "antifuturista en Italia" y "antiexpresionista en Alemania".

La respuesta a las corrientes experimentales, a pesar de su generalización en toda Europa, no significó, con todo, un rechazo total. "Algunos descubrimientos de las vanguardias fueron incorporados a la serenidad y al orden de la nueva modernidad", añade el comisario.

La veta española

Pese a no haberse visto directamente concernidos por la guerra, los autores españoles se sumaron a las corrientes europeas de restauración clasicista. Tras pasar por Nueva York, la muestra de Bilbao suma ahora una veintena de artistas españoles. Junto a las obras de sus coetáneos europeos, figuran pinturas de Aurelio Arteta, José María de Ucelay y Pablo Gargallo, seleccionadas por la comisaria María Dolores Jiménez-Blanco. "Gargallo es un ejemplo perfecto del sentido de esta exposición. Es una bisagra entre el cubismo y el clasicismo, influenciado por el Novecentismo catalán", señaló ante Antinoo (1932), una escultura de hierro.

Silver no tiene dudas al señalar a Picasso, representado por cinco obras en la muestra, como el gran líder de la vuelta al clasicismo. "No sucedieron muchas cosas en las que Picasso no estuviera involucrado", recuerda. "Si no llega a ser por el interés de Picasso por la tradición es muy posible que no surgiera el renacimiento clásico. Su talento le permitió imitar cualquier estilo. Fue el mejor modernista y el mejor clasicista. Otros solo pudieron quejarse".

Eva Larrauri, Bilbao: El orden regresa al arte, EL PAÍS, 21 de febrero de 2011

El amarillo de Van Gogh se reduce

Los rayos X descubren la compleja reacción química que degrada los brillantes colores del genio holandés y abren una vía para evitarlo

Pequeñísimas muestras de pintura analizadas por científicos de cuatro países han confirmado el proceso, que abre la vía a posibles medidas para evitarlo, como la protección de la luz solar y los rayos ultravioleta. Los resultados se publican en Analytical Chemistry.

Como en una historia de investigación forense, los científicos emplearon un haz microscópico de rayos X para revelar la reacción química, que tiene lugar en una capa finísima, donde coinciden la
pintura y el barniz de la superficie. La luz del sol solo puede penetrar unos pocos micrómetros en la pintura, pero en esta cortísima distancia es capaz de disparar una reacción hasta ahora desconocida que convierte el amarillo de cromo en pigmentos marrones.

La decisión de Van Gogh de utilizar nuevos colores brillantes en sus lienzos se considera un hito en la historia del arte, señalan los científicos. Eligió deliberadamente colores para manifestar emociones y estados de ánimo, y no lo hubiera podido hacer sin la innovación en la fabricación de pigmentos industriales que tuvo lugar en el siglo XIX.

Aunque se sabe desde ese siglo que la pintura amarillo cromo se oscurece bajo el efecto de la luz del sol, no todas las pinturas de esa época están afectadas y el proceso no va siempre a la misma velocidad. Dada su toxicidad, los artistas se cambiaron a otras alternativas en los años cincuenta del siglo XX.

Para resolver el rompecabezas químico, el equipo dirigido por Koen Janssens utilizó primero en los análisis muestras de tubos de pintura antiguos, que envejeció artificialmente sometiéndolas durante 500 horas a luz ultravioleta. Solo una muestra, del pintor Rik Wouters (1882-1913), se oscureció significativamente, y esta fue la que se analizó con rayos X. Se encontró que el fenómeno es una reducción del cromo, que pasa de cromo VI a cromo III.

En la segunda etapa se utilizaron muestras de dos cuadros de Van Gogh, Vista de Arles con lirios (1888) y Ribera del Sena (1887), que están en el museo del artista en Amsterdam . Se efectuaron numerosos análisis en varios laboratorios europeos, incluidos los sincrotrones ESRF y DESY, y la conclusión es que se ha producido este fenómeno en los dos cuadros. Los rayos X mostraron también que el cromo III está presente en mayor medida cuando también hay compuestos con bario y azufre. Esto indica que la técnica de Van Gogh de mezclar pintura blanca y amarilla puede ser la causa del oscurecimiento de su amarillo. Los últimos experimentos mostraron que los nuevos compuestos de cromo III forman una capa de espesor nanométrico sobre las partículas de pigmento de la pintura.

Malen Ruiz de Elvira, Madrid: El amarillo de Van Gogh se reduce, EL PAÍS, 14 de febero de 2011

El viaje de un 'picasso' hasta los territorios palestinos

Un museo holandés negocia la cesión de 'Busto de mujer' a una academia de arte en Ramala. El traslado del cuadro y su paso por los controles israelíes será filmado como parte de un proyecto artístico

La Academia Internacional de Arte Palestina, situada en Ramala, la ciudad cisjordana sede de la Autoridad Nacional Palestina, ha pedido al museo holandés Van Abbe la cesión de un cuadro de Picasso. Se trata de Busto de mujer (1943), una obra elegida por los propios estudiantes de la Academia, que querían presentar a un gran pintor moderno en su centro. Ambos partes están ultimando los detalles del acuerdo para que la pintura sea expuesta lo antes posible.

"Probablemente hablamos de la muestra más pequeña del mundo dedicada a Picasso, porque solo incluye esta pieza. Lo interesante es ver cómo llega y la respuesta del público", han asegurado portavoces del museo holandés. Será también la primera vez que un lienzo del pintor malagueño viaje a territorio palestino. Su traslado desde Holanda y su paso por los controles israelíes hasta alcanzar Ramala formarán parte de una cinta filmada como parte de la cesión. La Academia Internacional de Arte Palestina se ha comprometido a preparar una habitación especial con la temperatura adecuada para que el cuadro no se estropee.
La película del viaje de Busto de mujer tiene un candidato clave para dirigirla: el cineasta palestino Rashid Masharawi. Nacido en Gaza, e hijo de una familia de refugiados, hoy vive y trabaja en Ramala. Allí fundó el Centro de Producción y Distribución de Cine. Entre otras cosas, se ocupa de proyectar películas en los campos de refugiados y de organizar un festival de cine infantil.

El museo holandés Van Abbe, abierto en la ciudad de Eindhoven (sede de la multinacional electrónica Philips), alberga una importante colección privada de Picasso y Kandinsky.

Isabel Ferrer, La Haya, El viaje de un 'picasso' hasta los territorios palestinos, EL PAÍS, 18 de febero de 2011

Akhenaton vuelve al hogar

Una de las estatuas desaparecidas del Museo Egipcio es devuelta por uno de los manifestantes de la plaza de Tahrir

La revuelta egipcia no deja de sumar historias. Uno se sienta en un café o entra en la tienda de ultramarinos de la esquina y todo el mundo tiene algo que contar sobre su revolución. Muchas son tristes (el ministerio de Salud ha confirmado ya 365 muertes sin contar las de los policías), y otras más felices. Hace unos días se anunciaba que varias piezas de valor incalculable habían sido robadas del Museo Egipcio de Antigüedades. Apenas 48 horas más tarde se desvelaba que algunas habían aparecido en el jardín del propio museo. Alguien las perdió en una huida apresurada o tal vez no supo reconocer su valía -recuerden que el principal saqueo se produjo en la tienda del museo donde las relucientes réplicas debieron resultar más apetecibles y valiosas a los salteadores que las originales-.

Hoy la noticia es la devolución de una de las piezas supuestamente robadas del museo, por uno de los manifestantes de la plaza de Tahrir. Tiene 16 años y encontró a Akhenaton, en forma de piedra caliza de siete centímetros, corona y actitud oferente, bellamente policromado sobre una base de alabastro, detrás de un contenedor de basura.

Los centros turísticos reabren al público

El Ministerio de Estado para los Asuntos de las Antigüedades ha anunciado hoy que el próximo domingo reabrirán sus puertas al público los centros turísticos faraónicos, islámicos y coptos del país. Después de que el ministro de antigüedades Zahi Hawass se reuniera con representantes de la Policía Turística de Egipto, y se acordaran las medidas de seguridad oportunas, el ministerio tomó la decisión de retomar la actividad normal en los centros turísticos. Una de las principales fuentes económicas del país. Hawass, mostró su confianza en que los visitantes regresarán pronto a conocer la cuna de los faraones.

El Ministerio de Estado para los Asuntos de las Antigüedades ha precisado que un profesor de la Universidad Americana en El Cairo (AUC) entregó la estatua del faraón Akhenatón (1361-1352 a.C) a este departamento después de que su sobrino la encontrara. Cuando el joven llegó a casa y le mostró el hallazgo a su madre ésta se puso en contacto con su hermano, el doctor Sabry Abdel Rahman, que trabaja como profesor en la AUC. Anoche la pieza fue devuelta a un comité de representantes del museo, al parecer intacta.

Este comité, encabezado por el director del museo, el doctor Tarek El-Awady, confirmó la autenticidad de la pieza. Éste la puso en manos de los conservadores del centro para que junto a la mesa de ofrendas que forma parte de la estatua y que había sido encontrada por separado en el interior del edificio, sean restauradas y restituidas cuanto antes a la gallería de Amarna, una de las joyas de la exposición permanente que recorre la vida y tradición simbólica del faraón.

Akhenaton estuvo casado con la legendaria Nefertiti y protagonizó una de las épocas más asombrosas del país de los faraones. Durante el período de Amarna, en la XVIII dinastía, se impulsaron reformas radicales en la sociedad egipcia, y se convirtió al dios Atón en la única deidad del culto oficial del Estado.

Con la recuperación de esta escultura ya son cuatro las piezas devueltas al museo, del que ocho antigüedades fueron robadas durante las protestas, que comenzaron el pasado 25 de enero y terminaron el viernes pasado con la renuncia de Mubarak.

También la zona monumental de Saqara, 25 kilómetros al sur de El Cairo, fue blanco de actos de pillaje, ya que varios ladrones robaron una puerta falsa y algunas partes de la tumba antigua de Hotep Ta, que no estaba abierta a las visitas.

Los ladrones irrumpieron en otra tumba en la zona y robaron parte de su puerta falsa. Además, rompieron las cerraduras de varios almacenes de antigüedades en esta localidad, indica el comunicado, que precisa que las Fuerzas Armadas han podido detener a algunos ladrones cuando irrumpían en tumbas.

Nuria Tesón, El Cairo: Akhenaton vuelve al hogar, EL PAÍS, 17 de febrero de 2011

El gran viaje de los tesoros impresionistas de la colección Clark

El recorrido comienza el 4 de marzo en Milán y llegará a Barcelona en otoño

La colección de Sterling and Francine Clark tiene su sede fija en Williamstown, en Massachussets. Sus tesoros abarcan desde el Renacimiento hasta finales del XIX más reciente, aunque su incomparable colección impresionista es la más envidiada por los museos de todo el mundo. Parte de ese maravilloso conjunto se ha podido ver ya Barcelona (Picasso devant Degas) y actualmente en el Museo del Prado, "Pasión por Renoir", hasta el 13 de febrero. Pero esas no van a ser las únicas salidas de la colección por todo el mundo. MichaelConforti, director de The Clark ha detallado esta mañana cuáles serán, por el momento, los museos que han conseguido participar en el viaje mundial de la colección y cuáles son los cuadros que se podrán ver. La exposición cuenta con obras de casi un centenar de artistas como Renoir, Claude Monet, Edgar Degas, Édouard Manet, Berthe Morisot, Camille Pisarro, Pierre Bonnard, Jean- Baptiste-Camille Corot, Paul Gaugin, Jean-François Millet, Alfred Sisley, Henri de Toulose-Lautrec, William-Adolphe Bouguereau y Jean-Léon Gérôme.

La primera parada será en Milan, a primeros de marzo, en el Palazzo Reale. Después se podrá ver en el Museo de los Impresionistas, enGiverny y el 18 de noviembre den la sede barcelonesa de Caixaforum. El recorrido, que durará un mínimo de tres años pasará después la Royal Academy de Londres, el Kimbell Art Museum de FortWorth (Texas) y el Montreal Museum of Fine Arts de Canadá. A partir de 2013, la exposición se trasladará a Japón y China.

El recorrido mundial de esta parte de la colección coincide con las obras de ampliación del museo que realiza el arquitecto japonés Tadao Ando. Los centros que se benefician de la gira mundial de la Clark adquieren diferentes compromisos de colaboración con la institución estadounidense. En el caso del Museo del Prado, la aportación española ser verá en la exposición dedicada al desnudo.

Richard Rand, jefe de Conservación de The Sterling and Francine Clark Art Institute y comisario de la exposición, recuerda que la colección fue iniciada por el matrimonio Sterling y Francine Clark, quienes adquirieron la mayor parte de las pinturas que forman el núcleo de los fondos entre 1910 a 1950. Él era un rico heredero que vivió en Filipinas y China, antes de instalarse en Europa. Su abuelo, Edward, fue socio fundador de la fábrica de máquinas de coser Singer y constructor de edificios tan señeros como el Dakota, en Manhattan. Ella, Francine, fue actriz de la Comedie Française, que se casó con el multimillonario en 1919. La compra de obras de arte por todo el mundo, fue la actividad principal de la pareja.

Ángeles García, Madrid: El gran viaje de los tesoros impresionistas de la colección Clark,
EL PAÍS, 26 de enero de 2011

Muere Dennis Oppenheim, escultor de grandísimas escalas

En el enjambre de caminos y estéticas que confeccionaron a propulsión el mapa del arte del siglo XX, Dennis Oppenheim se movió con gran elasticidad.

Fue uno de los fieles devotos del conceptualismo e inauguró después otra de las sendas esenciales de los años 60: el 'land art' (de ejemplo, su obra 'Target', de 1974). Pero Oppenheim, 'atípico producto' de aquel Washington del 38, tomó aristas en California, donde se formó en la Escuela de Artes y Oficios.

Allí desarrolló una curiosidad de carácter experimental que lo llevó del diseño gráfico -en Hawai trabajó en empresas de publicidad- a la 'performance' (como 'Attempt to raise hell', de 1974) y después a la escultura.

En todo desarrolló una mirada vitriólica que lo impulsó a una acción radical sobre los espacios en los que intervenía. De ahí que la parte más conocida de su obra sea ese conjunto de trabajos que establece un nuevo planteamiento de los protocolos dimensionales de la pieza de arte. Las esculturas de grandes dimensiones.

El elemento cotidiano releído, 'ironizado', descontextualizado, agigantado, 'desquiciado' en sus formas y usos. En esa estela se inserta la inverosímil parada de autobuses que diseñó en Ventura (California).

Pero el trabajo de Dennis Oppenheim -que forma parte de los mejores museos y colecciones del mundo- se derrama por muy distintos frentes y la actitud es esencial en esa manifestación de la extrañeza que desarrolla. La ironía, incluso el sarcasmo, son esenciales para ahondar en los códigos (que los tiene) de un artista como él. Un tipo capaz de establecer como acción artística la sospecha de un complot contra el arte norteamericano. Y eso sólo demuestra un aspecto esencial de su poética: la libertad.

El arte era para él una gran sinfonía que nacía de experiencias que no siempre encontraban en la lógica su porqué, su capacidad de revelación, de alteración. Pues de la vida, lo que importa, es muchas veces el 'matrix', lo que no se ve del otro lado.

Antonio Lucas | Madrid: Muere Dennis Oppenheim, escultor de grandísimas escalas,
EL MUNDO, 24 de enero de 2011

Taiwan «made in Spain»

Un equipo de arquitectos españoles gana un concurso internacional para construir un complejo cultural en Kaohsiung, la segunda ciudad de la isla

Seriamente afectada por la crisis y el pinchazo de la burbuja inmobiliaria, la arquitectura española se lanza al extranjero para explotar todo su talento. Debido al ascenso de potencias emergentes como China y la India, todas las vistas están puestas en Asia, donde un equipo de arquitectos españoles, Made In, acaba de ganar un disputado concurso internacional para construir el Centro Marítimo de Música Cultural y Popular de Kaohsiung, la segunda ciudad más importante de Taiwán tras la capital, Taipei, con la que está comunicada mediante un «tren bala».

Dicho conjunto, cuyas obras empezarán en breve y durarán hasta 2015, cuenta con un presupuesto de 100 millones de euros y se convertirá en la última joya urbanística de Kaohsiung, una urbe industrial de tres millones de habitantes rodeada de futuristas parques tecnológicos que alberga uno de los puertos con mayor tránsito de mercancías del Lejano Oriente.

Con una superficie de 100.000 metros cuadrados, este centro dispondrá de dos auditorios: uno al aire libre con capacidad para 12.000 personas y otro interior con un aforo de 3.500 espectadores. Además, contará con un museo del mar, otro de la música, ocho salas de conciertos de menor tamaño e incluso una zona comercial no solicitada en las bases. Se trata de un mercado nocturno de 20.000 metros cuadrados que abrirá las 24 horas, como es habitual en esta isla tropical que permanece separada de China desde el final de la guerra civil (1945-49) y cuya soberanía es reclamada por el régimen de Pekín.

«Es un elemento tradicional de la cultura taiwanesa que ha sido valorado muy positivamente por el jurado», explica a ABC Manuel Álvarez-Monteserín, uno de los arquitectos que ha redactado el proyecto, que forma parte del equipo Made In, creado expresamente para este concurso por él y por Beatriz Pachón (de Manu-facturas y León 11). A ellos se han unido otros arquitectos como Antonio Alejandro, Javier Simó, Corona y P.Amaral, Laín Satrústegui (Zira 02), Guiomar Contreras, Sara Pérez, Andrés Infantes (Gyra) y Jorge López (León 11). Además, el equipo Made In tiene un socio local, HOY Architects, y ha recurrido a consultoras internacionales como la parisina Xu para la acústica; la barcelonesa Boma para las estructuras; la londinense Theatre Projects para la escenografía, y la hongkonesa Arup para las instalaciones.

Made In Estudio de arquitectura

En estos tiempos de crisis, y con la economía española arrastrando aún las secuelas del «ladrillazo», a los arquitectos no les queda más remedio que ampliar sus horizontes. En el caso del equipo Made In, no es la primera vez que los estudios que lo integran participan en obras de gran escala o concurren a concursos internacionales.

Corona y P. Amaral Arquitectos son autores de la terminal del aeropuerto norte de Tenerife, seleccionada por el prestigioso Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) para su exposición «On site», dedicada monográficamente a la arquitectura española. Entre los premios en concursos destacan el proyecto «Vores by» para Carlsberg, European 9 y el mercado de San Chinarro.

Como consecuencia de su vocación internacional, el equipo Made In cuenta con la colaboración de importantes consultores internacionales, como Arup, Boma, TPCE, Xu y Old Farmer, que han participado, respectivamente, en la Opera de Sidney, la Ciudad BBV-A, la Opera de Oslo, el edificio de la Filarmónica de Luxemburgo y la Expo de Shanghái.

Para el futuro, los arquitectos españoles tienen la vista puesta en Asia porque sus numerosas convocatorias les permiten desarrollar proyectos innovadores.

Agudizar el ingenio

Con más de 7.000 horas de trabajo, la unión de los arquitectos españoles obtuvo la adjudicación del centro cultural en dos fases. A la primera concurrían más de 150 estudios de todo el mundo, de los que resultaron seleccionados cinco finalistas.

«Ha sido una competición muy desigual por la falta de recursos económicos, pero esta falta de medios agudiza el ingenio. En varios momentos estuvimos a punto de no poder entregar los planos porque la falta de recursos complicaba mucho el trabajo», aclara en un correo electrónico Antonio Alejandro, quien calcula que «el presupuesto del concurso puede pasar de los 100.000 euros y, sin embargo, se ha hecho casi sin financiación, ya que todo el equipo ha trabajado de forma desinteresada durante seis meses». Finalmente, el colectivo de arquitectos españoles se impuso a las propuestas del japonés Akihisa Hirata; de los estudios Jeanne Gang (Estados Unidos) y JJ Pan and Partners (Taiwán); del americano Mack Scogin y del francés Yves Bachmann. Toda una demostración de que la unión hace la fuerza, sobre todo en estos tiempos difíciles.

«Este premio demuestra que la estructura de colectivos que ha aparecido en España en los últimos tiempos tiene capacidad para crear una arquitectura de calidad desde planteamientos horizontales y con jerarquías fluidas», se enorgullece Antonio Corona, quien matiza que la «dificultad se debió a la complejidad y volumen del proyecto, pero la organización en grupo hizo posible el éxito y dio lugar a un resultado arquitectónico plural y poliédrico».

Para ello, el equipo Made In alumbró una propuesta que llamó desde el primer momento la atención del jurado, que lo seleccionó pese a albergar ciertas dudas por parecer «demasiado arriesgado». Según Antonio Alejandro, «hemos querido dar una solución urbana, generando un espacio público capaz de articular toda la bahía Kaohsiung donde se levantará el centro, pero sin necesidad de generar un icono. De esta forma, el proyecto piensa en el ciudadano que lo usará y disfrutará».

El Centro Marítimo de Música Cultural y Popular de Kaohsiung ya se ha convertido en uno de los proyectos arquitectónicos más importantes desarrollados por un equipo español en el extranjero. Impulsado por su espíritu colectivo, supone todo un ejemplo a seguir para la internacionalización de otras firmas de arquitectura española que pretendan sobrevivir al fin del ladrillazo.

«La arquitectura española está bien considerada en el extranjero. Los momentos de crisis constituyen oportunidades de cambio donde resulta necesario plantear nuevas estrategias», asegura Arsenio Pérez, para quien «la compleja situación actual de España ha permitido a un elevado número de personas con talento embarcarse en esta aventura invirtiendo en ella toda su energía».

Y todo ello en la otra punta del mundo y sin ningún contacto en el proceso de adjudicación, ya que la parte japonesa del jurado se decantaba al parecer por el proyecto de su compatriota. Sólo con el apoyo de sus miembros profesionales, los músicos que tocarán en los auditorios del centro, el equipo Made In ha triunfado con su apuesta por la heterogeneidad tanto en tipologías edificatorias como en situaciones especiales, ya que los diferentes recintos y espacios públicos articulan la bahía en la que desemboca el río Amor.

«El proyecto se podría definir por su adaptabilidad y continuidad y por la incorporación de un programa que garantiza la actividad en la zona, no sólo en los momentos en que se celebren actos multitudinarios, sino en el día a día de Kaohsiung. El centro no tiene un gesto uniforme, sino que hemos tejido con diferentes hilos la propuesta con la ciudad», señala Manuel Álvarez-Monteserín.

Con una duración prevista de cuatro años, la construcción del centro comenzará en breve bajo la dirección del equipo español Made In, que participará en todo el proceso de ejecución del proyecto en colaboración con la empresa taiwanesa Hoy Architects. Kaohsiung, desde donde salen los barcos cargados de ordenadores y pantallas de plasma que se fabrican en Taiwán, tendrá a partir de 2015 un emblemático centro cultural «made in Spain».

Pablo M. Díez, Pekín: Taiwan «made in Spain», ABC, 23 de enero de 2011

Tiziano contra Tintoretto

"Es bueno, pero está claro que no es un Tiziano". Durante un tiempo eso fue todo lo que escuchó decir Tintoretto de sus cuadros. Y pese a que Tiziano, el Maestro, como él solía llamarlo, trató de alejarlo tanto como pudo de su taller (al parecer y como creyó el propio Tintoretto toda su vida, para que no le hiciera sombra), el hijo del tintorero jamás le odió. De hecho, hizo todo lo contrario: venerarlo. De pequeño, más que cualquier otra cosa, habría querido ser aceptado en su estudio (temblaba de emoción cuando traspasó el umbral), pero Tiziano debió de olerse su ambición y lo hizo a un lado. Corría el año 1533. Tiziano había cumplido los 56 años, Tintoretto apenas alcanzaba los 16.

"Ese hombre lo tenía todo, era el faro del siglo, y sin embargo no soportaba ni la sombra de una hoja". Melania G. Mazzucco pone en boca de Tintoretto una reflexión basada en años de estudio. La escritora italiana acaba de publicar 'La larga espera del ángel' (Anagrama), novela narrada por el mismísimo Tintoretto al final de sus días y que sirve de repaso a una vida marcada por la pobreza, la ambición y el amor desenfocado. Cuando tenía treinta y seis años se prometió a una niña de tres que apenas se llevaría ese tiempo con su propia hija (ilegítima), Marietta, la chica que vestiría como un chico y que se convertiría en el único orgullo del pintor.

Creía Tintoretto que Tiziano era inmenso. Y harto de escuchar una y otra vez que aquello que él pintaba parecía bueno pero que jamás sería un Tiziano, se dedicó a pintar Tizianos con sus propias manos. Alerta Mazzucco de que puede haber 'tizianos' dando vueltas por el mundo que sean en realidad 'tintorettos'. Mientras, el Maestro se dedicaba a despreciarle. Ponía en contra a sus protectores y los obligaba a renegar de él. Habló mal de él a los poetas y los escritores de la época, que lo tachaban de mero artesano del pincel. Decía que su obra era "fácil y negligente". Y cuando le preguntaban por la nueva generación, esa a la que había ensombrecido su gigantesca sombra, decía que "el arte en Venecia estaba en decadencia y que ninguno de los nuevos era digno de sus padres". En ocasiones se propuso para hacer el mismo cuadro que ya había sido encargado a Tintoretto, y si alguien le preguntaba por él, fingía no recordar su nombre. Lo llamaba 'Tintorello'.

De hecho, se cree que fue el propio Tiziano y su corte de admiradores y aprendices quienes decidieron que Jacomo Robusti jamás sería conocido por su propio nombre sino como el hijo del Tintorero. Por eso, Jacomo esperó con paciencia su muerte, porque creía que "la guerra la gana no el que gana una batlla sino el que vive una día más que su enemigo". Sólo con su muerte, Tintoretto consiguió entrar en el Palacio Ducal y dejar de pintar para la pequeña burguesía, aquella a la que había regalado sus cuadros pensando más en su fama (y en los futuros encargos) que en el dinero. Tintoretto nunca pensó en el dinero, Tiziano no podía pensar en otra cosa.

Reconocido entre sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano, hijo de un distinguido concejal y militar, tuvo una vida fácil. Se trasladó a Venecia porque quería pintar, aunque en su familia nadie antes lo había hecho. Una vez allí ingresó en el taller de Sebastiano Zuccato, donde se formó la primera generación de la Escuela de Venecia, a las órdenes de Giovanni Bellini. Y Bellini fue la sombra que oscurecía el futuro del Maestro hasta que desapareció (en 1516). Entonces quedaban aún dos años para que naciera Tintoretto, que, al contrario que Tiziano, tuvo una vida bastante complicada. Para empezar, era el mayor de 21 hermanos. Vivió en la estrechez económica hasta el último de sus días (de hecho, dejó a su mujer, la niña a la que se había prometido, y a sus nueve hijos, en la ruina), fiel a sus principios, dio lo poco que tenía a quienes no eran tan afortunados como él, que se contentaba con pintar en una habitación sin ventanas y con dormir en un colchón en el suelo.

"A Tintoretto siempre le gustaron los desafíos, se crió como autodidacta cuando descubrió que no podía ser discípulo de Tiziano. Se formó con pintores menores y desde las altas esferas siempre se le reprochó esa parte artesanal", cuenta Mazzucco. "Le consideraban un plebeyo y nadie lo quería en palacio. Se limitaba a hacer cuadros para los pescadores, que le pagaban muy poco", asegura la escritora, y añade: "De hecho, cuando murió Tiziano y el Palacio Ducal le hizo su primer encargo, Tintoretto se lo pasó a su hijo, como una forma de desprecio". Cuando finalmente se le abrieron las puertas de la Gran Venecia "igualmente tuvo una relación ambigua con el poder" porque "él siempre prefería ayudar a los pobres que pintar para los ricos", concluye la escritora.

Laura Fernández | Barcelona: Tiziano contra Tintoretto, EL MUNDO, 14 de febrero de 2011

Una amistad a merced del martillo

Sotheby's de Londres subasta el retrato que Bacon hizo de Lucian Freud

Los trazos dramáticos de la brocha de Francis Bacon distorsionan y recrean el rostro de su amigo Lucian Freud, en un recorrido a través de tres pequeños lienzos que sobresale en la nueva temporada de subastas de arte en Londres. El retrato de quien hoy es reconocido como el mayor artista británico vivo -y todavía en activo-, ejecutado por uno de los autores más potentes y singulares de la pintura contemporánea. A la espera de la sentencia del martillo, hoy en Sotheby's , Tres estudios para el retrato de Lucian Freud (1962) confía en recaudar entre 8 y 10 millones de euros, cifra considerable aunque muy por debajo de los 29,7 millones que cotizó el martes La lectura de Picasso. El tríptico de Bacon, sin embargo, ha cobrado su propio protagonismo porque emerge tras 45 años en la sombra como testamento de la relación artística y personal entre dos gigantes del arte del siglo XX.

Francis Bacon (Dublín 1909-Madrid 1992), cuyas desgarradoras pinturas le acabarían convirtiendo en uno de los artistas más cotizados de todos los tiempos, acababa de vender una de sus primeras obras a un marchante de Londres por 200 libras cuando conoció al nieto del creador del psicoanálisis. A finales de la II Guerra Mundial los puso en contacto el artista Graham Sutherland y acabaron haciéndose inseparables a lo largo de los cincuenta y los sesenta. Durante un periodo se vieron casi a diario. Ese Bacon genial que arrastraba una vida de tremendos excesos influyó en lo artístico y en lo personal en su amigo Lucian Freud, nacido en Berlín en 1922 y exiliado en la capital británica desde los 11 años tras la huida de su familia judía del nazismo. Compartieron muchas veladas en el Colony Room del Soho, y Bacon incluso logró contagiar a Freud su pasión por las apuestas. En 1954, el dúo representó al Reino Unido en la Bienal de Venecia, junto a Ben Nicholson, cimentando sus respectivas reputaciones en la escena de la vanguardia.

Los dos han sido artistas inclasificables, difíciles de encorsetar en las corrientes, y proclives a elegir a personas de sus círculos más íntimos como objeto de sus obras. Posaron con frecuencia el uno para el otro, en una suerte de fructífero diálogo entre dos personalidades artísticas de diferente sensibilidad. Bacon incitó a su amigo y colega a dejar de pensar en función del dibujo para sumergirse de lleno en la pintura. Y si bien Freud evolucionó hacia unos trazos más angulosos y rudos, nunca abandonó su recreación en el detalle a la hora de pintar de forma descarnada el cuerpo humano. No compartía el desprecio de Bacon por los fundamentos de la técnica clásica, con un resultado que condujo a sentenciar a la ex primera ministra Margaret Thatcher: "Bacon, ese hombre que pinta cuadros horribles"

Tres estudios para el retrato de Lucian Freud, que ahora sale al mercado tras la muerte de su propietario, el coleccionista George Kostalitz, es uno de los últimos frutos de aquellas intensas sesiones. Porque la relación entre Bacon y Freud se enfrió a causa de motivos nunca aclarados, aunque en los medios artísticos se apunta como factor decisivo el suicidio de George Dyer (1971), entonces amante del primero. Francis Bacon se sumergió en una etapa de profunda introspección y de ruptura radical con el pasado.

Los nombres de los dos grandes artistas que se enrocaron en ese distanciamiento vuelve a confluir de forma espectacular en mayo de 2008, cuando la venta de sendas obras hizo historia en la semana de subastas de Nueva York. Lucian Freud estableció un récord para un pintor vivo tras la venta de Benefits Superviser, Sleeping por 21,5 millones de euros. La cotización de Bacon, disparada a los 16 años de su fallecimiento durante unas vacaciones en España, llegó a registrar 55 millones de euros por su Tríptico, 1976, el precio más alto pagado hasta entonces por cualquier pintura creada a partir de la posguerra. Los dos cuadros cuelgan en la mansión londinense del magnate ruso Roman Abramovich, según la revelación del medio especializado The Art Newspaper .

En círculos del negocio del arte se ha anotado la fecha de hoy como termómetro de la cotización de Francis Bacon tras los estragos de la crisis. Las expectativas en torno a Tres estudios para el retrato de Lucian Freud aparecen altas pero, incluso si no se cumplen, su primera exhibición pública desde 1965 ya nos ha abierto otra ventana a una de las relaciones artísticas y personales más singulares de la singladura del arte contemporáneo.

Patricia Tubella, Londres: Una amistad a merced del martillo, EL PAÍS, 10 de febrero de 2011

La Fundación Gala-Salvador Dalí adquiere el cuadro más caro del pintor surrealista

El lienzo preparatorio de la obra 'La miel es más dulce que la sangre' ha sido vendido en Christie's por casi cinco millones de euros- Hoy Sotheby's pone a la venta un óleo del artista que puede superar esta cifra

La Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras ha adquirido un estudio para La miel es más dulce que la sangre", una de las creaciones de Salvador Dalí de gran valor histórico. El lienzo batió anoche un récord de venta para el artista al ser subastada en Christie's de Londres por 4.794.215 euros. El cuadro homónimo, de 1927, supuestamente inspirado en la relación del creador español con su compatriota el poeta Federico García Lorca, está desaparecido, pero se conserva el lienzo preparatorio, cuyo precio se había estimado en 3,4 millones de euros. En la puja celebrada anoche, esta obra superó un récord mundial para Dalí, según un portavoz de Christie's.

Pero estos casi cinco millones de euros de rércord pueden ser superados hoy en la venta de otra obra de Dalí en Sotheby's, en Londres. La casa de subastas pone hoy a la venta Retrato de Paul Eduard, un óleo pintado en 1929. El valor estimado de esta obra está entre 4,18 y 5,97 millones de euros.

La miel es más dulce que la sangre es una de las primeras obras surrealistas de Dalí y refleja la influencia de otras destacadas figuras de ese movimiento, entre ellas Yves Tanguy, además de incluir imágenes, como el cadáver de un burro rodeado de moscas, que resultan familiares por otras creaciones, como la película El perro andaluz, en el que el pintor colaboró con el cineasta Luis Buñuel.

La frase del título parece haber obsesionado al genio español toda su vida y aparece citada en su autobiografía La Vida Secreta de Salvador Dalí, donde califica el placer solitario de la masturbación como "más dulce que la miel" mientras que para su amigo Lorca las relaciones sexuales eran como "una selva de sangre". El temor al sexo y a la mujer son constantes en el arte daliniano de esos años, que culminan en los cuadros titulados El gran Masturbador y El Juego Lúgubre.

En la pieza vendida por Christie's, esos motivos fetichistas surgen sobre una playa que corta en diagonal el cuadro y en la que aparecen, además del burro muerto y agujas clavadas en la arena, un cadáver decapitado de mujer y una cabeza con los ojos cerrados que podría ser la de García Lorca.

Se quedó, en cambio, sin comprador, pese al gran interés suscitado, otra de las obras de Dalí, de mayor tamaño -146,5 por 124 centímetros- Las llamas, llaman, pintada en 1942 en Estados Unidos, a donde el artista se había trasladado con su esposa, Gala, huyendo de la guerra en Europa. Esa obra había partido con un precio estimado de 4,5 millones de euros.

Otro cuadro del pintor, de mucho menor tamaño que el anterior -58,5 por 76,5 centímetros-, y titulado Port Lligat al atardecer, fue comprado por la cantidad de 1.493.460 euros. Esa obra muestra el modesto puerto de pescadores de Cataluña donde se establecieron Dalí y Gala en 1930 y junto a la bahía, aparecen varias figuras entre mitológicas y religiosas, como un par de ángeles, además de una barca.

EFE / EL PAÍS - Londres / Barcelona: La Fundación Gala-Salvador Dalí adquiere el cuadro más caro del pintor surrealista, EL PAÍS, 10 de febrero de 2011

Un singular retrato del poeta Paul Eluard, de Dalí, bate un récord en subasta

Vendido por casi 16 millones de euros, bate la marca alcanzada el miércoles por otra obra del pintor catalán

Un singular retrato del poeta Paul Eluard que pintó en 1929 Salvador Dalí batió anoche un nuevo récord mundial en la obra del artista en una subasta al alcanzar en Sotheby's de Londres, 13.481.250 libras (15.901.108 euros). De igual manera, una escultura de hierro del también español Julio González, Masque Ombre et lumière (1930), rebasó hoy otra marca mundial en una puja al hallar comprador por un precio de 4.633.250 libras (5.464.909 euros).

Otras esculturas ofrecidas al mejor postor de González que fueron adquiridas esta noche fueron Masque My, que se vendió por 2.729.250 libras (3.219.145 euros) y Masque Japonais (1927/29), cuyo precio se acordó en 337.250 libras (397.786 euros). La subasta estuvo dedicada a una colección particular de arte moderno y contemporáneo de 60 obras de artistas como Modigliani, Giacometti, Chagall, Juan Gris, Miró, Francis Bacon, Lucian Freud, Morandi, Antoni Tápies o Eduardo Chillida.

El peculiar retrato del poeta Eluard del genio Salvador Dalí, con cuya esposa rusa, Gala, terminaría casándose el pintor español era una de las obras que más expectación habían generado. El cuadro, por el que se esperaba un precio estimado de unos 5,8 millones de euros triplicó, casi, los cálculos de los expertos.

Sotheby's no quiso revelar todavía el nombre del comprador pero indicó que la venta se gestionó por teléfono y que en la puja participaron nueve candidatos aspirantes a hacerse con el curioso retrato, que refleja la enorme imaginación y el virtuosismo técnico de la primera etapa surrealista del artista. Ese cuadro superó, además, al anterior récord marcado este miércoles en la casa Christie's de Londres , por otra de las obras dalinianas, el estudio para La miel es más dulce que la sangre, un pequeño cuadro preparatorio de una creación de título homónimo que se cree perdida y que adquirió la Fundación Gala-Salvador Dalí por 4.073.252 libras (4.794.215 euros).

Otro de los platos fuertes de anoche, Tres estudios para un retrato de Lucian Freud , de Francis Bacon, obra por la que se había estimado un precio de entre 8 y 11 millones de euros, dobló las expectativas al llegar a los 23.001.250 libras (27.129.930 euros). Este Bacon es testimonio de la amistad entre esos dos grandes pintores británicos del siglo XX que se conocieron al final de la Segunda Guerra Mundial.

Forman parte de la misma colección obras del propio Freud, el desnudo femenino sentado, Seated Figure, cuyo valor se negoció finalmente en 1.385.250 libras (1.633.900 euros). Modigliani estuvo representado por un excelente retrato del poeta y novelista belga Frans Hellens (1919), que fue adquirido por 3.513.250 libras (4.143.870 euros). La escultura de alambre L'Acrobat, del estadounidense Alexander Calder, amigo de Joan Miró, fue subastada por 1.285.250 libras (1.633.900 euros).

También se ofrecieron al mejor postor, con éxito, trabajos de Marc Chagall, del que se vendieron La Musique, pintada en 1967 por 1.833.250 libras (2.162.315 euros); La Danse, que llegó a 1.945.250 libras (2.294.419 euros) y Bethsabée, de 1965, que se subastó por 3.401.250 libras (4.011.768 euros). En cuanto a la obra de Eduardo Chillida puesta a subasta se vendieron las esculturas Peine del Viento II (1959) por 1.385.250 libras (1.633.900 euros ) y Helsinki (1991), adquirida por 361.250 libras (426.094 euros).

EFE, Londres: Un singular retrato del poeta Paul Eluard, de Dalí, bate un récord en subasta,
EL PAÍS, 11 de febrero de 2011

Rascacielos a escala Barcelona

La altura de los grandes edificios de la capital catalana sigue siendo discreta en comparación con obras como la Torre Caja Madrid

Los rascacielos de Barcelona solo le hacen cosquillas en las nubes. Aunque en la última década se han construido muchos nuevos, la altura sigue siendo discreta en comparación con el que ha pasado en el mundo (Torre Burj Dubai, 828 metros de vértigo) o hasta en España (Torre Caja Madrid, 250 metros). De hecho, el Hotel Arts y la Torre MAPFRE son aún, con 154 metros, los más altos de la ciudad. La Torre Agbar, uno de los más emblemáticos, tiene 144 y la siguiente perla de la ciudad, la estilizada Torre Telefónica en la zona Fórum, tiene 110. En total, hay una docena de edificios con más de 100 metros y poco más de un centenar superan los 50 metros. En una ciudad tan planificada como Barcelona, precisamente lo de la limitación de la altura no es fruto de una normativa específica sino de un mito con el que todo el mundo parece estar de acuerdo: no se puede superar la torre más alta que tendrá la Sagrada Familia. Lo curioso, sin embargo, es que Gaudí estableció la altura de la torre central en 172 metros para no superar la cota de la naturaleza que había creado Dios, los 173 metros de la montaña de Montjuïc.

Para el arquitecto Robert Brufau, que con su estudio ha hecho el cálculo de estructuras de muchas de las torres de la ciudad -desde el Hotel Arts a la Torre Agbar, pasando por el Hotel Me o el Hesperia-, esta altura es la correcta. "Barcelona acepta bien torres de esta medida, que no plantean ningún tipo de problema estructural específico", comenta. "Si se hiciesen torres de 250 metros, entonces se tendría que ir con mucho cuidado. El tipo de terreno de Madrid, por ejemplo, es mucho mejor y lo que se puede hacer allí es diferente de lo que podemos aplicar aquí, y se tendrían que buscar soluciones mucho más costosas".

Para asegurar la estructura de la Torre Telefónica, en el Fòrum, uno de los rascacielos más destacados de la ciudad, su arquitecto Enric Massip explica que se tuvieron que hacer unos cimientos de 50 metros de profundidad a causa, precisamente, del tipo de terreno y que la ubicación al lado del mar también ha obligado a reforzar la estructura ante los vientos. "Los aprovechamos para formalizar la torre desde estas nuevas necesidades; de ahí la doble estructura, la exterior metálica, que nos permite también ganar espacio interior, y el núcleo interior de hormigón, un sistema que además se adecua bien a las normas antiincendios", explica.

De hecho, los bomberos de Barcelona tienen una ordenanza específica desde 2007 para los edificios de más de 50 metros. "Lo que hacemos es reforzar las medidas en este tipo de edificios obligando, por ejemplo, a que siempre haya dos fachadas accesibles a los servicios de emergencia o reforzando los criterios de acceso a las escaleras de evacuación", explica Joan Pedreny, jefe de Bomberos de la ciudad. "En Barcelona, las alturas no son muy relevantes y no se plantean grandes problemas, aunque hay un especial control tanto en la fase de proyecto como después en las inspecciones".

En algunos de los foros de Internet (como skyscrapercity.com, con apartados específicos para Barcelona), hay muchos amantes de los rascacielos que lamentan que la ciudad no haya hecho una apuesta más osada. Y también algunos arquitectos reconocidos consideran que quizá en algunos casos se ha sido un poco rígido. El mismo Massip reconoce que le habría ido bien poder tener "al menos dos metros más para ganar un poco en cada piso" ya que ello habría facilitado mucho las instalaciones. "Pienso que algunas torres, como el Hotel Me de Perrault tienen la altura correcta, pero la Torre Agbar queda baja y podría tener perfectamente unos 200 metros", explica Carles Ferrater. "Más que la altura, de una torre lo que importa es la esbeltez. Por eso una de las que más gustan de Barcelona es la Torre del Banco Atlántico [hoy Sabadell] que hizo Francesc Mitjans en 1969; su esbeltez hace que parezca más alta de lo que es [83 metros]", añade el autor de la Torre Imagina, una de las más interesantes de la Diagonal, que solo llega a los 75 metros.

A finales de los años noventa, Urbanismo del Ayuntamiento, por entonces en manos de Josep Acebillo, definió la ordenación, las alturas y las relaciones volumétricas entre los diversos edificios que tenían que colonizar el principio de la Diagonal. Ahora ya se empiezan a ver los resultados de aquella apuesta y para el actual arquitecto jefe municipal, Oriol Clos, "la valoración es bastante positiva" en términos generales. "Este juego de volúmenes entre los edificios, con un ritmo casi musical, ha ayudado a dar envergadura y valor añadido a esta zona de la Diagonal. De hecho, estoy bastante satisfecho con el conjunto aunque después, torre a torre, se podría matizar ya que también es importante cómo los edificios tocan el suelo y se relacionan con el espacio público. Aquí valoraría mucho la solución de Massip para la Torre Telefónica, pero es más discutible el caso del Hotel Me i de la misma Torre Agbar".

Clos asegura que en ningún caso se prevé replantear el tema de las alturas para el futuro y como mucho se llegará a los 150 metros. "Es verdad que la percepción ha variado y que igual que Londres ha hecho la apuesta, también la podría hacer Barcelona, pero pienso que esta medida es bastante adecuada a nuestra ciudad siempre que sea en zonas concretas y sin ir poniendo torres por todos lados". Otra cosa, reconoce, sería la estrategia metropolitana donde quién sabe si en el futuro alguien planteará rascacielos más osados.

El caso es que con el otro gran núcleo de rascacielos, la plaza de Europa, ya en el término municipal de L'Hospitalet, las alturas también son discretas y no superan los 115 metros. "El límite lo da la proximidad al aeropuerto", explican fuentes del Consorcio para la Reforma de la Gran Vía. Allí, de la treintena de edificios previstos, los cinco de más de cien metros ya están acabados o en fase final de construcción. El más espectacular es la torre roja del Hotel Porta Fira, que diseñó Toyo Ito con la colaboración de Fermín Vázquez de B720, pero también puede resultar interesante cuando esté acabado el Hotel Catalonia, que han diseñado Jean Nouvel y Ribas & Ribas, ya que tiene una fachada prefabricada de hormigón con ventanas en forma de hojas de palmera que se recubrirá de vidrio serigrafiado para mostrar un curioso juego de luz y sombras.

"Posiblemente sí que hemos sido demasiado prudentes y en algunos casos se podría haber construido con más altura", asegura Josep Ribas, que recuerda que su padre fue pionero con el Edificio Colón, en las Drassanes (Atarazanas), el emblemático edificio brutalista de los años 70 que con 110 metros fue el rascacielos más alto de la ciudad hasta las torres olímpicas.

Fermín Vázquez, que también colaboró con Nouvel en la Torre Agbar, reconoce que podría haber sido un poco más alta, "pero nos tuvimos que adecuar al planteamiento y a la edificabilidad del solar. Seguramente, el edificio habría sido mucho más eficiente si fuese no solo más alto sino también más grande en general". A pesar de la "timidez" de la ordenación, al fin y al cabo Vázquez considera que "el equilibrio de la ciudad en general es razonable". "Cualquiera que haya viajado un poco por Asia verá que lo de Barcelona no son rascacielos, sino edificios muy modestos, y en este sentido la ciudad está siendo conservadora. Tal vez, algunas piezas quizá sí que podrían haber sido más altas y, sobre todo, posiblemente podría haber más concentración en algunas zonas porque las torres están dispersas y ordenadas de manera lineal cuando normalmente los edificios altos funcionan mejor juntos. Pero no me parece mal lo que se ha hecho y lo único que echo en falta es más debate público sobre el tema".

En general, todo sea dicho, la opinión pública suele ser más bien conservadora y poco amante de las torres, aunque sean pequeñas. Sin entrar en la polémica del Hotel Vela de Ricardo Bofill que, aunque le hicieron rebajar la altura de los 178 metros originales a los 99 actuales, todavía hoy recibe muchas críticas de los vecinos, los rascacielos no tienen muy buena fama. Es una contradicción porque, por una parte, resultan atractivos como emblema y marca de la ciudad, que realmente tiene como hitos más altos la Torre de Collserola (289 metros) y las torres de la Térmica del Besòs (200 metros). Pero molesta que los edificios altos rompan la perspectiva acostumbrada de las calles, se los relaciona con la especulación y también como representación "fálica" del poder, generalmente económica ya que suelen ser o bien hoteles de lujo o sedes corporativas. Sin embargo, cada vez hay más gente que los reivindica porque, bien hechos, son más sostenibles ya que ocupan menos territorio. Ferrater cita el caso de Benidorm, que ha pasado a convertirse en un modelo frente a la dispersión de la urbanización de la costa. Y para Ramón Prat, editor y director del Disseny Hub, está claro que, en una ciudad tan densa como Barcelona, las torres pueden ser una solución para el crecimiento futuro. "Aquí se ha hecho de manera tímida con edificios de una altura media y pienso que aún se pueden asumir algunas torres más en algunas zonas. Pero vala la pena preguntarse ¿para qué? Todo depende de si hay necesidad o no porque lo que está claro es que ahora mismo lo que hay son miles de metros cuadrados vacíos en la ciudad. ¿Qué uso tendrían?".

Catalina Serra, Barcelona: Rascacielos a escala Barcelona, EL PAÍS, 20 de enero de 2011