domingo, 15 de julio de 2012

‘Medalla olímpica’ en arte para Madrid

A veces los tesoros se encuentran pero no se ven. Están ahí, justo delante de las narices, camuflados por la obviedad. Hay tesoros efímeros, que pueden desaparecer sin ser vistos y, como los cometas, quién sabe cuándo volverán a pasar, si pasan… Hay tesoros que tienen la forma de la oportunidad.

Cola de entrada en el Museo Nacional del Prado esta semana para ver la exposición de Rafael. / ÁLVARO GARCÍA
Cola de entrada en el Museo Nacional del Prado
 esta semana para ver la exposición de Rafael. / ÁLVARO GARCÍA
Madrid está ahora llena de esas joyas que cualquiera se puede perder. Se encuentran casi por todas partes. Se anuncian con carteles y banderolas en sus calles principales y se cuelgan de las paredes de los mejores museos de la ciudad. Sí: las obras de Rafael, Murillo y la Gioconda (de regreso de París) en el Museo del Prado; las pinturas desoladoras de Edward Hopper y los mil personajes del Paraiso de Tintoretto en el MuseoThyssen, la orgía de color y formas simples de Ernst Ludwig Kirchner en la Fundación Mapfre; las delirantes acuarelas de William Blake en Caixaforum; la primera retrospectiva de “uno de los artistas clave” del momento, James Coleman, en el Museo de Arte Reina Sofía junto a otro gran artista político, Hans Haacke… Grandes maestros de todos los tiempos y grandes obras conformando una ocasión única. Puede que no haya otra vez. Casi seguro que no habrá otra vez. Lo dicen los directores de las grandes pinacotecas de la ciudad y los comisarios de esas muestras que han dejado al llamado Paseo del Arte madrileño casi sin respiración. Que han convertido la capital en capital del arte, sin complejos.

Algo sucede cuando uno ve a esas mujeres desnudas en la bañera, aparte del rubor que produce sentir que uno está mirando por el ojo de una cerradura y colándose en la intimidad de ese cuarto de baño, donde ellas se secan y se tocan sin pudor. Se llama así, Mujeres bañándose, es una preciosa obra de Ernst Ludwig Kirchner, fundador del expresionismo alemán y a quien la Fundación Mapfre dedica una fantástica retrospectiva. Pero es que además, esa pieza, que destila vapores de jabón, y que tiene forma de tríptico de grandes dimensiones, llevaba decenios sin poder verse completa. Cada una de las tres partes estaba en un museo diferente y solo ahora (hasta el 2 de septiembre) puede verse en toda su plenitud, completa. Ahora es cuando es un tesoro. “No creo que se puedan volver a reunir las tres piezas”, comenta Pablo Jiménez Burillo, director general del Instituto de Cultura de la Fundación Mapfre, promotora de la muestra. “De hecho, nos ha llevado dos años y medio montar esta exposición y, cuando hemos querido que viajara, se perdía el tríptico, así que completa sólo puede verse en Madrid”. Es Maria Luisa Barrio, comisaria de la muestra la que ensalza el valor de la obra: “El tríptico Bañistas representa a Erna (su pareja) y a su hermana Gerda en una secuencia casi literaria, a lo James Joyce”, dice. “Kirchner consideró este tríptico una de sus mejores obras. La fechó en 1915, aunque en realidad esta obra, que modificó con los años y cuyos lienzos están pintados por ambas caras (su insaciable afán por pintar le lleva a reaprovechar muchos de sus lienzos), es un testimonio de los diferentes cambios estilísticos del artista y, por tanto, uno de los objetivos que hemos buscado en esta exposición”, comenta Barrio.

La capital, con los años, se ha sumado al circuito de los grandes museos internacionales con naturalidad y carácter: “Esto es fluctuante. A veces es Madrid, otras veces Londres o París. Este verano sin duda es Madrid. La calidad y variedad de la oferta expositiva es excepcional. Esta medalla olímpica nos la llevamos”, asegura Miguel Zugaza, director del Museo del Prado. “Se puede venir al Prado solo para admirar la Santa Cecilia de Rafael o los dibujos y cartones preparatorios para la Transfiguración”, dice Zugaza, refiriéndose al más ambicioso cuadro de altar del pintor fetiche del Renacimiento, en el que Rafael incluyó un episodio ajeno a ese pasaje bíblico, el fracaso de los Apóstoles al exorcizar a un endemoniado, que le permitió una exhibición de su destreza para mostrar estados físicos y anímicos. “Otra razón sería la reunión de obras creadas por Murillo en sus últimos años, fruto de la amistad con Justino de Neve. Es una afortunada coincidencia este encuentro entre Rafael y Murillo”, comenta Zugaza, que asegura estas grandes exposiciones viajarán: “Las dos. Rafael, a París, y Murillo, a Sevilla y Londres. La colaboración entre museos es básica”.

La semana pasada, sin ir más lejos, estuvieron en Madrid visitando estas exposiciones representantes de museos como Henry Loyrette, presidente del Musée du Louvre; Martin Roth, director del Victoria and Albert de Londres: o el conservador de fotografía del MoMA, Quentin Bajac, que antes estaba en el Pompidou y que fue comisario de la exposición La Subversión de las Imágenes que realizó la Fundación Mapfre en 2010. El caso de la exposición de Edward Hopper era “un antiguo anhelo”, en palabras de Guillermo Solana, director artístico Museo Thyssen-Bornemisza. “Una retrospectiva de Hopper tenía que ser aquí, porque tenemos cuatro en nuestra colección”, presume. Y, aunque no llegaron los Halcones de la noche sí lo hicieron todas esas mujeres con alma de hotel y mirada perdida. Y ahí están, atesorando sueños.

En opinión del director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, que parte del hecho de que actualmente el museo de arte contemporáneo ofrece todo aquello que puede ofrecer el arte de nuestros días: “La tradición de las bellas artes de Coleman, la imbricación de los medios de comunicación y la información en la obra de Haacke y el aspecto etnográfico de Rosemarie Trockel”, explica. “Críticos e historiadores están viniendo a ver las exposiciones por su cuenta, sin haber sido invitados por nadie y eso es una buena señal”, señala. “Madrid había pecado de hipertrofia pero ahora ya tiene capilaridad, aparte de los grandes museos, hay centros alternativos (como Matadero, Tabacalera y otros museos más pequeños) con propuestas muy interesantes. Y todo ello compone un escenario único, sólo falta rentabilizarlo: crear comunidad, que Madrid promueva las residencias y se convierta en una ciudad de acogida de artistas venidos de todas partes. Madrid puede ser la capital cultural del Sur”, sentencia. Algo que resume Zugaza en una frase: “Que no decaiga”.


Patricia Ortega Dolz, Madrid: ‘Medalla olímpica’ en arte, EL PAÍS, 14 de julio de 2012

jueves, 12 de julio de 2012

Miradas al fresco... con William Blake

Sus contemporáneos le rechazaron por transgresor, los más jóvenes y los que siguieron a éstos le aceptaron como fuente de inspiración y, transcurrido más de un siglo, se convirtió en el gran icono de la contracultura de los años 60. Hasta los Rolling Stones, que cumplen ahora cinco décadas sobre los escenarios, leyeron sus textos gracias a los consejos de Marianne Faithfull.

William Blake (1757-1827) es uno de los tesoros británicos. Poeta, pintor y grabador, su obra se conserva prácticamente completa en Reino Unido porque los ingleses lo quisieron así. Hubo incluso colectas públicas para que el trabajo de Blake se quedara en la Albión que él tanto criticó. Por su moral y por su inmovilismo. Por esa obsesión por aferrarse a la razón frente a la imaginación.

La Tate, una de las instituciones con más fondos de Blake, ha organizado una amplia exposición, 'Visiones del arte británico', que estará hasta el 21 de octubre en Caixaforum Madrid. Una muestra de un centenar de piezas que incluye 70 del 'profeta' británico y 30 de los artistas que bebieron de su sabiduría: los Antiguos, los prerrafaelitas, los simbolistas y los neorrománticos del siglo pasado. "Blake está considerado uno de los artistas ingleses más importantes. Y lo es también por todas las influencias que generó", explica Eduardo Rostán, uno de los responsables de la muestra, junto a los enormes lienzos de G. F. Watts. Tanto los artistas que estuvieron en contacto con él, como los posteriores ("incluso los de la época actual"), le miraron y le admiraron.

Blake siempre quiso ser grabador y aunque la técnica era aceptada por la burguesía de la época, sus temas alegóricos y su eterna visión del bien contra el mal (además de sus explícitas escenas sexuales) no eran vistas con buenos ojos. Nunca vivió holgadamente, aunque tuvo mecenas que le encargaron sus trabajos más importantes, como las ilustraciones del libro de Job (la Biblia fue una de sus fuentes de inspiración más importantes, como lo fue el poeta Milton) o las inacabadas de la 'Divina Comedia'. "Trabaja dos técnicas principalmente, la acuarela y el grabado. Él no trabaja óleo porque no le gusta, dice que la línea es muy difusa y a él le gusta la línea clara, que es una de las principales características", añade Rostán. Su modelo es lo gótico y Miguel Ángel. Un ejemplo claro es 'El fantasma de la pulga'. El insecto, mínimo, lo representa con un gigante muy fuerte. "Esta obra es muy característica, se puede ver cómo le funciona la imaginación a Blake. La fuerza del trazado es muy interesante, a él le interesa que la línea fuera concisa".

Un esfuerzo que se aprecia también en 'El ángel bueno y el ángel malo' (1805). "Se ve también cómo es la representación del cuerpo humano, el estilo gótico de Miguel Ángel, pero hay otro detalle interesante que es la postura del cuerpo. Blake pretendía representar estados espirituales, por ello son posturas que no son muy naturales, sino como él se lo imaginaba. No tenía un modelo". La obra representa la lucha eterna del bien y el mal: "Tiene una visión muy particular sobre la pasividad, cree que es el peor de todos los pecados, que es mejor un mal activo que estar pasivo, aunque sea con buena intención. Aquí representa con el grillete a una persona que no se puede mover un poco por el tema de la razón. Él cree que a veces ser tan racional no es bueno. La razón lo sujeta y no le deja hacer".


'Visiones en el arte británico', de Wiliam Blake. Caixaforum Madrid (Paseo del Prado, 36). Hasta el 21 de octubre. Entrada gratuita. Más información.
 
Virginia Hernández, Madrid: Miradas al fresco... con William Blake, EL MUNDO, 12 de julio de 2012 

martes, 10 de julio de 2012

Dudas entre los expertos sobre el hallazgo de Caravaggio

Basta nombrar a Caravaggio para que, como ocurre con las grandes estrellas, arrastre el interés de multitudes. Por eso, ha constituido un acontecimiento mundial la noticia del hallazgo de un centenar de diseños inéditos del genial Caravaggio encontrados dentro del fondo del pintor manierista milanés Simone Peterzano, fondo que se conserva en el Castello Sforzesco de Milán. A las pocas horas del anuncio, el descubrimiento suscitó dudas legítimas en la comunidad científica.


Dos historiadores del Arte, Maurizio Bernardelli y Adriana Conconi, desconocidos entre los expertos de Caravaggio, investigaron durante dos años entre la obra de del pintor Peterzano. A su taller, entre 1584 y 1588, habría llevado la madre de Caravaggio, Lucia Aratori, al inquieto adolescente, que entonces tenía 13 años, para que aprendiera el arte de la pintura. El anuncio del hallazgo no se produjo en el curso de un seminario de estudios con expertos, como es lo habitual, sino por medio de la agencia de noticias ANSA, y el trabajo se vende por Amazon en dos libros electrónicos.

La atribución del centenar de diseños a Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, induce a la cautela y al escepticismo a muchos expertos, por varios motivos. Los diseños del citado fondo son conocidos y fueron examinados por ilustres estudiosos, que nunca han sugerido tal atribución. La historiadora de Arte Teresa Fiorio, que ha custodiado durante años el fondo, se muestra incrédula: «Estoy muy perpleja. Un investigador serio no hace un libro electrónico, sino que se dedica a estudiar los diseños y sus trabajos los publica en las sedes apropiadas. Al ser Peterzano el maestro de Caravaggio, todos los que han pasado para examinar su fondo se han preguntado: ¿Habrá alguna cosa del joven Caravaggio? Ninguno tuvo el atrevimiento de afirmar que encontró algo. No hay diseños que se puedan atribuir con seguridad a Caravaggio. No existen».

La misma perplejidad muestra la actual responsable del fondo, Francesca Rossi: «No conozco a esos dos investigadores. Hubo un contacto hace un año para pedir fotografías, pero en la sala de estudio no los he visto. Se trata de diseños genéricos, es imposible estar seguros. Sus hipótesis me parecen ambiciosas y poco presentables». Demoledor es también el juicio del historiador del arte y crítico del diario La Stampa, Marco Vallora: «Hay una generación de investigadores preocupados sobre todo en buscar la exclusiva a toda costa. Deja perplejos que al dar la noticia por agencia tuvieran listo un libro electrónico, en lugar de haberse confrontado antes con otros expertos. Además, ¿cómo se puede afirmar que valen 700 millones de euros, si no existen otros diseños de Caravaggio?». Por último, el director de los Museos Vaticanos, Antonio Paolucci, experto también en Caravaggio, se mostró ayer muy escéptico en un artículo publicado en L'Osservatore Romano: El hallazgo sería en realidad, en su opinión, «un episodio de puro optimismo inductivo».

Ángel Gómez Fuentes, Roma: Dudas entre los expertos sobre el hallazgo de Caravaggio, ABC, 9 de julio de 2012

viernes, 6 de julio de 2012

Hallan en Milán un centenar de dibujos inéditos atribuidos a Caravaggio

Uno de los dibujos, titulado «Estudio de una cabeza». EFE
Uno de los dibujos, titulado «Estudio de una cabeza». EFE
Un grupo de historiadores del Arte ha hallado un centenar de dibujos inéditos atribuidos al maestro del barroco italiano Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio (1571-1610), en Milán, al norte de Italia. Los expertos, según informa la agencia italiana Ansa, creen que el pintor realizó estos trabajos en su juventud, cuando trabajaba en el taller del pintor Simone Peterzano. Entre las obras halladas, cuyo valor se estima en 700 millones de euros, figura una nota firmada con una serie de quejas del genio barroco. El descubrimiento fue realizado por Maurizio Bernardelli Curuzu y Adriana Conconi Fedrigolli, que durante dos años realizaron inspecciones en diferentes iglesias de Milán y examinaron el fondo Peterzano, que contenía 1.378 obras del pintor y de sus discípulos y que actualmente se encuentra custodiado en el castillo Sforzesco de la capital lombarda. 



Sobre el hallazgo, Bernardelli comentó que «era imposible que Caravaggio no hubiera dejado ningún testimonio de su trabajo entre 1584 y 1588 en el estudio de un pintor famoso y buscado» como Peterzano. Sus investigaciones se basaron en una metodología de estudio que permitió distinguir el canon geométrico que contienen las representaciones del primer periodo romano de Caravaggio, a partir de los rostros de los jóvenes efebos presentados por el artista hasta su obra «Chico mordido por una lagartija» (1596). «Cada pintor tiene uno, como si se tratara de una fuente de estilo», subrayaron ambos historiadores, que explicaron cómo, tras este primer paso, procedieron a buscar las mismas proporciones en las obras de estudio realizadas por los discípulos. Asimismo, los responsables del descubrimiento comentaron que al menos 83 de los dibujos hallados en el fondo Peterzano fueron reproducidos en diversas ocasiones a lo largo de la trayectoria de Caravaggio en su madurez.


jueves, 5 de julio de 2012

Una divinidad en el pozo

Arranca el Grec y aparece Dioniso. Lo que parece ser, con todas las cautelas de una rápida apreciación, una cabeza del siglo II del célebre dios de la fiesta, el vino y el éxtasis –entre otras cosas más serias-, fue hallada el pasado martes a las seis de la tarde en Barcelona en el entorno de la villa romana de la Sagrera. La testa, de buen mármol y de tamaño natural, seguramente pertenecía a una estatua que decoraba la villa. Luce un complejo peinado que incluye una diadema y unos ornamentos vegetales con lo que parecen flores y racimos de uva. De ahí la primera identificación con Dioniso (adoptado por los romanos como Baco).

La cabeza de mármol romana localizada en la Sagrera de Barcelona. / SALVADOR FENOLL
Hoy a mediodía, con inusitada celeridad achacable según algunos a la pasión rayana en lo obsesivo del primer teniente de alcalde y concejal de Cultura Jaume Ciurana con lo romano, se ha presentado la pieza, aún cubierta de tierra su marmórea faz como si de un regresado del Hades se tratara. Y es cierto que la cabeza viene de un sitio oscuro: ha sido encontrada en un pozo en las afueras de la antigua villa, bajo el Pont del Treball Digne, mezclada con material constructivo romano de deshecho y se cree que fue arrojada allí hacia el siglo III como basura (!).

La testa romana durante su presentación a los medios. / SALVADOR FENOLL
La testa romana durante su presentación a los
medios. / SALVADOR FENOLL
El dios o lo que sea parecía meditar sobre lo cambiante de la suerte convertido en estrella mediática del día frente a las cámaras. No deja de ser gracioso que se mostrara a los medios en el Palau de la Virreina, sede organizativa del festival Grec, que ha tenido históricamente como icono el sátiro, tradicional acompañante de Dioniso con las bacantes, ninfas y silenos. La primera impresión que produce es que es de estilo helenístico. De hecho el rostro se parece al de Alejandro –no en balde una de las divinidades con las que se identificaba el conquistador macedónico de peligrosas borracheras era con Dioniso-: olímpica juventud, labios sensuales ligeramente abiertos, ojos almendrados de mirada soñadora-. Añádase que la cabeza presenta el característico gesto helenístico de delicada inclinación hacia el lado izquierdo y que el cabello está peinado con raya en medio. Ciurana hizo los honores a la pieza calificándola de “espectacular y bonita” y explicó que para ser presentada ha hecho una parada camino del centro de conservación y restauración del Museo de Historia de Barcelona en la Zona Franca donde será adecentada y estudiada. El concejal subrayó que el hallazgo no es fruto de la casualidad sino del trabajo arqueológico sistemático en las obras de l estación del Ave en la Sagrera y alguno pensó en que para sistemática la destrucción de la villa –que cada vez parece más importante- en aras del progreso (delenda est Sagrera).

Carme Miró, responsable del Plan de Arqueología Urbana del Servicio de Arqueología Municipal, destacó que es la primera vez que se halla una escultura romana de esta importancia en su contexto arqueológico, y recordó que hasta ahora las otras cabezas romanas halladas lo habían sido en el interior de las murallas de la ciudad donde fueron arrojadas como relleno. Además en general esas otras cabezas son de retratos y probablemente pertenecían a bustos o estatuas de monumentos funerarios. Miró destacó la aparente antigüedad de la obra, “parece del siglo I o II”, la tradición antigua de su talla, la calidad del material (“mármol del pentélico o de Carrara”) –, lo que indica que procede de fuera-; y la identificación probable del personaje con una divinidad o alegoría. Dijo que posiblemente se tratara de una estatua de cuerpo entero a tamaño natural y que estaba instalada en una furnícula o ante una pared, como prueba el que la parte posterior de la cabeza esté sin trabajar. Especuló con que se hallara colocada en un espacio cultual de la villa o fuera un elemento decorativo del peristilo o deltablinum, espacio anexo al atrio.

La cabeza no ha sido encontrada en ninguna habitación de la villa sino en el mencionado pozo romano fuera de ella, entre restos de tejas y cerámica sigillata. El yacimiento está sin contaminar, lo que permitirá datar con exactitud el momento de descarte de la escultura. La arqueóloga recalcó que no hay nada como la cabeza entre lo hallado en Barcelona, aparte de alguna pequeña divinidad, el torso quizá de una diosa de la calle de Paradís o el contundente Príapo de Sans, que está hecho en piedra de Montjuïc (el recién llegado dios quizá tuviera buenos atributos también, recuérdense los apelativos de Dioniso, “faleno” y “enorches”, traducido a veces como “boludo”) . Miró no descartó que puedan aparecer más restos de la escultura. Apuntó que la villa de la Sagrera era “muy importante”. Dijo que en el siglo IV era la propiedad de un gran dominus con instalaciones de relumbrón como las termas, “y ahora vemos que en una etapa muy antigua ya era residencia de un personaje de la élite de Barcino, como prueba la estatua: esa pieza nos dice que no estamos ante una villa cualquiera”.

Jacinto Antón: Una divinidad en el pozo, EL PAÍS, 4 de julio de 2012

miércoles, 4 de julio de 2012

¿Por qué Jeff Koons es más caro que Rembrandt?

Foto de apertura. Cortesía de Artnet. Jeff Koons. Hanging Heart (Magenta/Gold).1994-1996
Jeff Koons. Hanging Heart (Magenta/Gold).1994-1996
 Atentos a estas dos imágenes. La de apertura es uno de los famosos corazones colgantes de Jeff Koons (con su, para algunos, carga de profundidad de cursilería), mientras que la que aparece un poco más abajo es un vibrante retrato de Rembrandt perteneciente a la colección de Pieter y Olga Dreesmann. El primero se vendió en 2007 por 23,5 millones de dólares (19 millones de euros), el segundo sale a subasta por ocho millones de libras (cerca de diez millones de euros) el próximo 3 de julio. Pero, ¿por qué se paga el doble por un artista sin consagrar –cuyo trabajo despierta no pocos recelos– antes que por un maestro como Rembrandt? ¿Por qué Damien Hirst o Murakami son más caros que dos nombres incuestionables como, pongamos por caso, Tintoretto o Zurbarán?

Rembrandt Harmensz van Rijn. Hombre con gola. Se subastará el 3 de julio en la sala londinense de Christie's. Estimado: 8.000.000- 12.00.000 de libras. Foto: cortesía de Chirstie's
Rembrandt Harmensz van Rijn. Hombre con gola. Se subastará el 3 de julio en la sala
londinense de Christie's. Estimado: 8.000.000- 12.00.000 de libras. Foto: cortesía de Chirstie's
Pues hemos trasladado estas preguntas a varios expertos y han trazado su particular respuesta a este enigma.

“Principalmente hay dos factores”, explica Carlos Urroz, director de ArcoMadrid. “La mayoría de los coleccionistas son más empáticos con el arte de su época, de sus contemporáneos, puesto que se trata de temas que les son familiares o utilizan una iconografía que les resulta reconocible. Además coleccionar creadores vivos y de tu entorno significa contribuir al desarrollo del tejido cultural”. Y añade: “Existe también un factor de revalorización de la obra, ya que el incremento del precio del arte contemporáneo ha sido sensiblemente superior al del arte antiguo y clásico”.

Pero hay más miradas…
Zurbarán. Manzanas en una cesta de mimbre. 81,3 x 109,2 cm. Se subastará el 3 de julio en la sala londinense de Christie's. Estimado: 2.500.000- 3.500.000 de libras. Foto: cortesía de Chirstie's
Zurbarán. Manzanas en una cesta de mimbre. 81,3 x 109,2 cm. Se subastará el 3 de julio
en la sala londinense de Christie's. Estimado: 2.500.000- 3.500.000 de libras. Foto: cortesía de Chirstie's
“Que Damien Hirst o Jeff Koons valgan más que muchos grandes maestros de la pintura antigua se debe a un interés creciente de los compradores de países con economías emergentes por el arte contemporáneo, en detrimento de obras clásicas”, reflexionaEduardo Bobillo, responsable de arte contemporáneo de Alcalá Subastas. E introduce una idea interesante: “Los temas fáciles del nuevo arte pop de Koons y Hirst se asimilan en esos mercados con mayor facilidad que los religiosos católicos o mitológicos de la pintura antigua”.

“El mercado de los maestros antiguos ha mostrado una gran estabilidad. A largo plazo ha ido creciendo continuamente, a la vez que un número cada vez mayor de coleccionistas compite por una oferta finita de obras de unos artistas que ya forman parte de la historia del arte”, apunta Richard Knight, codirector del departamento de maestros antiguos y del siglo XIX de Christie’s. “Además, la rareza de piezas, como por ejemplo el constable[se refiere a La Esclusa, perteneciente a la colección de la baronesa Thyssen, que se subasta el 3 de julio], significa que probablemente un coleccionista solo tenga una oportunidad en su vida de adquirir una obra de tanta importancia, y sin duda la aprovechará”.

Damien Hirst pulveriza al índice bursátil S&P 500, pero su "cotización" sufre

(En principio, los números cuentan que es más rentable "invertir" en Damien Hirst que en el índice Standard & Poor's 500. Sin embargo, las ventas globales de Hirst, que históricamente han superado a las de Jeff Koons, muestran debilidad y volatilidad). Fuente: Artnet.
(En principio, los números cuentan que es más rentable "invertir" en Damien Hirst que en
 el índice Standard & Poor's 500. Sin embargo, las ventas globales de Hirst, que históricamente
 han superado a las de Jeff Koons, muestran debilidad y volatilidad). Fuente: Artnet.
Ahora bien, y la especulación, tan presente en otros bienes, ¿hasta qué punto es responsable de esta diferencia? 

“Ha habido, y sigue existiendo, una especulación desaforada en el arte contemporáneo. Artistas muy jóvenes rápidamente consiguen unas revalorizaciones que superan incluso la de maestros clásicos. Es algo increíble”, admite el coleccionista Paco Cantos. Y añade: “Además se está dando un hecho inaudito. Los catálogos de las subastas están llenos de obras que se revenden apenas un par de años después de ser creadas. Antes esas piezas hubieran necesitado al menos una década para llegar a la reventa”.

Jean-Etienne Liotard. Mujer pensativa en un sofá. 8,8 x 9,7 cm. Se subastará el 3 de julio en la sala londinense de Christie's. Estimado: 400.000- 600.000 libras. Foto: cortesía de Christie's.
Jean-Etienne Liotard. Mujer pensativa en un sofá. 8,8 x 9,7 cm. Se subastará el 3 de julio
en la sala londinense de Christie's. Estimado: 400.000- 600.000 libras. Foto: cortesía de Chirstie's
Otro coleccionista, Juan Bonet, expone sus razones. “La diferencia principal es que los artistas emergentes contemporáneos en realidad no se les valora como creadores si no como una marca (Koons, Murakami, Warhol, Hirst), por lo tanto lo que los “coleccionistas-inversores” ven es la marca, de ahí que con la ayuda de las grandes galerías y casas de subastas los precios vayan subiendo”. Y avanza: “Una galería nunca dejará que los precios de su artista estrella bajen. Un creador muerto hace 200 años y del que no hay stock de obras, ¿a quién le interesa que suban los precios? ¿No sé si me explico?” Alto y claro.

Miguel Ángel García Vega: ¿Por qué Jeff Koons es más caro que Rembrandt?, Con ARTE Y SONANTE, EL PAÍS, 29 de junio de 2012

A modo de justificación...

Recomedamos también
El presente blog pretende ser un compendio de los artículos, y publicaciones recogidos en los medios de comunicación (escritos y audiovisuales), principalmente de España, para el estudio de la Historia del Arte. Aspira a ser una guía complementaria para su conocimiento y una referencia para la reflexión y análisis del mundo que nos rodea para difundir la defensa del patrimonio a futuras generaciones. Tuvo su origen a comienzos de junio de 2007, como blog de aula en la materia de Historia del Arte, para la modalidad de Humanidades y Ciencias Sociales de 2º de Bachillerato en el I.E.S. Carbula de Almodóvar del Río (Córdoba). Pero la idea fue creciendo y adquiriendo una dimensión inesperada. Ahora, en un nuevo destino profesional deseamos continuar la experiencia, manteniendo la identidad, para poder alcanzar a nuestros alumnos, en su forzado contacto con la materia, y con el público en general, para que profundice en los entresijos de un aspecto de la civilización de gran calado.