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Mostrando entradas de marzo, 2009

Casita de El Pardo: nuevo brillo para una joya

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El 18 de diciembre de 1990, deteriorada por la humedad y huérfana de la estética y el sentido con que había sido concebida dos siglos antes, se cerraba «sine die» la puerta trasera de la Casita del Príncipe de El Pardo que, paradójicamente, había sido la exclusiva entrada por la que miles de viajeros habían penetrado en sus entrañas durante años, vetado el acceso natural, y principal, que es el que mira al Palacio Real, y al que le unía un paseo. Por eso, volver al casino de recreo del Príncipe de Asturias, que luego reinaría como Carlos IV, es, por obra y gracia de un impresionante trabajo de recuperación arquitectónico y artístico, viajar en el tiempo y regresar al siglo XVIII, exactamente a 1784, cuando la monarquía española disfruta del esplendor y la gloria de un reino que es aún primera potencia del mundo —España y Francia acaban de derrotar a Inglaterra y se ha reconocido la independencia de los Estados Unidos— y tanta plenitud se recoge en obras plásticas que ensalzan a la Cor…

De vueltas con El Coloso, el cuento de nunca acabar...

«LOS ARGUMENTOS A FAVOR DE DESCATALOGAR EL COLOSO ESCANDALIZAN CON SUS ERRORES», según Glendinning y Vega

La respuesta no ha sido en la prensa, sino en una revista científica. El artículo que ha aparecido hoy mismo en la revista especializada «Goya» va a levantar ampollas en el Museo del Prado, por su enorme contundencia argumental y porque demuestra que la pinacoteca deberá esforzarse y ser más convincente si quiere que importantes estudiosos acepten su hipótesis de que “El Coloso” no fue pintado por Goya.

La teoría del Prado partió de la jefa de conservación y responsable de la colección goyesca del Prado, Manuela Mena. Ella fue respaldada desde la primera rueda de prensa por Miguel Zugaza y Gabriele Finaldi, director y director adjunto del museo. Pero lo cierto es que el artículo firmado por Nigel Glendinning y Jesusa Vega en «Goya» es tan demoledor con los argumentos de Mena como respetuoso con su persona.

Tácticas

Glendinining y Vega analizan las afirmaciones que el Prado colgó en su…

Demasiado arte demasiado banal

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El todopoderoso Phillipe de Montebello, director del Metropolitan de Nueva York durante más de 30 años, acaba de abrir la caja de los truenos en el mundo del arte al decir que los museos están enfermos de exposiciones y que se han olvidado de lo fundamental: las colecciones permanentes. Cómic en el Louvre, graffiti en el Grand Palais, Picasso en la National Gallery o Bacon en el Prado ilustran este momento de confusión o de evolución hacia un modelo diferente. ¿Se hacen demasiadas exposiciones? ¿Se busca más público? ¿Más ingresos? ¿Hay un número ideal de exposiciones temporales? ¿Está bien romper fronteras temáticas y cronológicas?

Los responsables de los museos niegan haber infectado a sus centros con el virus de la exposicioncitis de que habla Montebello. Sí creen que se hacen demasiadas y que su rigor no es siempre el exigible. Afirman que sus programas se realizan buscando difundir conocimiento, no lograr dinero. La mayor parte considera que se debe reflexionar sobre las fronteras…

El esplendor del 'settecento' veneciano

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Sebastiano Ricci. (Belluno, 1659 – Venecia, 1734). 'Venus y Adonis'. Óleo sobre lienzo. 105 x 151,5 cm.Colección Terruzzi. Fundación Banco Santander

El settecento fue un siglo crítico para la República veneciana. Fue un momento en el que el esplendor se apaga y comienza una etapa de decadencia y repliegue tanto en la política como en la economía y en la propia sociedad. Y como en otros grandes momentos de la historia, el arte vive una etapa difícilmente superable. A lo largo del XVIII, Venecia tuvo registrados 350 artistas, de los que al menos un centenar son considerados hoy grandes maestros (Tiépolo, Canaletto, Ricci, Guardi, Cimaroli). El settecento tiende un puente con el cinquecento, el siglo de Tintoretto y Tiziano.

Gian Battista Pittoni (Venecia, 1687-1767). 'Olindo y Sofronia'. Óleo sobre lienzo. 114 x 146 cm. Museo Cìvico, Vicenza.

La Academia de Bellas Artes de San Fernando (Alcalá, 13) abre hoy la exposición Settecento veneciano. Del barroco al neoclasicismo. O…

Picasso vuelve a la Whitechapel londinense después de 70 años

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La artista polaca Goshka Macuga posa junto al tapiz del 'Guernica' en la Whitechapel. | Reuters

La famosa galería londinense que en 1939 acogió al 'Guernica' de Picasso en Londres en su viaje desde París al Museo Metropolitano de Nueva York reabre al público el próximo 5 de abril de 2009, tras una luminosa reforma y ampliación. La galería Whitechapel ha estado asociada, desde su apertura en 1901, a las figuras más representativas del arte del siglo XX como Joan Miró, Juan Gris, Julio González, Arshile Gorky, Emil Nolde, Piet Mondrian, Max Beckmann, Frida Kahlo, Lucio Fontana, David Smith, Georg Baseliz, Anselm Kiefer, Cy Twombly o Lucian Freud.

En un país durante mucho tiempo reacio a todas las vanguardias, esa galería pública se las arregló para exhibir a muchos de los gigantes del arte contemporáneo europeo y estadounidense además de organizar importantes exposiciones colectivas. En ella nació el 'pop art' cuando Richard Hamilton hizo un collage en el que apar…

Muere Bartolozzi, uno de los grandes del 'pop art' español

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El pintor y escultor pamplonica Rafael Bartolozzi murió ayer en Tarragona a los 66 años, según han informado fuentes de la fundación que lleva su nombre. Bartolozzi, fue además alcalde de la localidad tarraconense de Vespella de Gaià durante unos años en los que imprimió carácter a esta localidad. El arqueólogo Eudald Carbonell, que el pasado día 16 compartió un rato con el malogrado artista en su casa Margodi de Vespella de Gaià, donde residía, y que es además miembro de la Fundación Bartolozzi, ha dicho: "con Rafael tuvimos pocos contactos para proyectos específicos, pero compartíamos la forma de pensar y de comunicarnos con la sociedad". "Teníamos -ha añadido- la ilusión por una vida construida con valores críticos, nuestro interés por el entorno local al tiempo que le queríamos dar una proyección universal, y el arte como una forma de vida y de entender el mundo".

Perteneciente a la generación de artistas de los años 60, Bartolozzi inició en 1962 los estudios de…

Art Dubai. El «Grand Tour» Oriental ya está en marcha

Podría parecer que pocos son los alicientes que ofrecen los Emiratos Árabes si uno no es escandalosamente rico: un país donde el 90% de la superficie es desierto; con unas temperaturas altas en invierno e infernales en verano; con una moral férrea y de marcado signo; que crece urbanísticamente de forma caótica y con un gusto más que criticable... Obviamente, ninguna de estas premisas fueron las que motivaron hace tres años a John Martin, cofundador y director de la feria de arte contemporáneo de Dubai, a poner en marcha esta cita artística. El británico no sólo reparó en el ingente mercado que se podía generar allí, sino también en el emplazamiento estratégico de la capital, a pocas horas de avión de los grandes núcleos europeos y asiáticos.

Es cierto que la zona daba para otros epicentros culturales en auge (la feria, hasta este sábado, desarrolla un espacio pedagógico específico en el que los va presentando. El año pasado fue Pakistán; éste, Palestina), pero el pequeño emirato ofrecí…

Imágenes de la ciudad perdida: Nueva York

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Aquí confluyen las miradas del mundo. nueva york, una ciudad terrenal, melancólica, donde todo puede suceder. Los grandes fotógrafos la han hecho suya. Éstas son algunas pruebas de su historia de amor.

'Sur de Central Park' (1948). Croner, influyente miembro de la New York School, se fijo en esta fotografía en el encuentro del parque y los rascacielos. TED CRONER

El arte de Florencia en el siglo XV es la pintura al fresco; el de Nueva York en el siglo XX es la fotografía. La fotografía tiene la fuerza plástica de la pintura y del cine, la capacidad narrativa del cine y de la novela, la verdad inmediata de una información. En The New York Times de cada mañana se publican fotos de la vida en la ciudad en cuyos autores uno no se fija, pero que merecerían ser apreciadas en el espacio sereno de una galería. Las fotos de Weegee que ahora admiramos en los museos o en el papel caro y satinado de los libros de arte aparecieron originalmente en las páginas plebeyas del Daily News acompaña…

Goya «una nota a pie de página» en la colección permanente del Reina Sofía

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De «anecdótico» calificó Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, todo el revuelo levantado por el hecho de que algunos de los grabados de Goya —artista cuya obra ya se ha colgado en sus salas—, se expongan a partir de finales de mayo, cuando se presente de manera oficial y completa la reordenación de la colección permanente del museo, «la más importante que se ha realizado en los últimos años», explicó Borja-Villel.

Manuel Borja Villel y Miguel Zugaza/CHEMA BARROSO

El préstamo de dichos grabados es fruto de varias conversaciones entre el director del Prado, Miguel Zugaza, y el del Reina Sofía, que se ha saldado con un acuerdo de colaboración, «y de buenas intenciones», entre ambas instituciones que permitirá abrir una línea de préstamos de carácter temporal, que no se referirá exclusivamente al pintor aragonés, y que por supuesto no afectará a ninguna de las obras «sustanciales» de las colecciones de cada uno de los museos. «No estamos hablando de absorber, sino de enriquec…

El Museo Reina Sofía hace su revolución

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El Museo del Prado ha puesto a disposición, como adelantó ayer este diario, las series de grabados de Goyaichos y Los desastres de la guerra para que Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, seleccione una decena y los incorpore en régimen de depósito a la colección permanente. La novedad, que cabe calificar de histórica al incluir obra anterior a 1881, fecha de nacimiento de Picasso y corte establecido por la ley para sus contenidos, es la vistosa punta del iceberg de la importante remodelación que se está gestando del Los caprcentro de arte moderno.

Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, supervisa la colocación de obras de Juan Genovés y Eduardo Arroyo.

Cuando a finales de mayo el Reina Sofía muestre al público los cambios en la colección, muchos buscarán al genio aragonés en las salas dedicadas a la España negra y al esperpento. Pero hay más. Se está alterando el recorrido, la iluminación, que se eleva, y hasta el área expositiva. En total, 39 salas en 6.000 metro…

Pesadilla infantil de Bruno Schulz

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Todos los vecinos de Drohobycz (hoy Ucrania) la conocían como Villa Landau. Era la vivienda de Félix Landau, un sargento mayor de las SS que residía allí junto a su amante y sus dos hijos, naturales de Viena. En esa casa, detrás de unas estanterías y de latas de comida, reposaron durante décadas varios frescos cargados de simbolismo y de misivas ocultas. Son obra de Bruno Schulz, escritor y pintor polaco judío (1892-1942) que trabajaba meses antes de su muerte para Landau con la esperanza de poder evadir la macabra suerte que corrieron centenares de judíos del pueblo. Esas pinturas y algunos dibujos del artista, en los que resulta imposible no percibir el influjo de Francisco de Goya, se exponen ahora en Yad Vashem, el Museo del Holocausto de Jerusalén.

La princesa (izquierda) fresco pintado entre 1941 y 1942 por Bruno Schulz

Schulz pereció cuando Karl Günther -un oficial nazi rival de Landau- le descerrajó un tiro en la cabeza. Schulz era un protegido de Landau, pero éste, que en 1941…

Prada Transformer: Koolhaas devuelve al pabellón su valor arquitectónico

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Me encanta equivocarme. Justo unos días después de publicar el artículo OMA sí, AMO no, en el que cuestionaba la calidad de la mayoría de los últimos proyectos de Rem Koolhaas, me he dado de bruces con su última propuesta para la firma Prada: el Prada Transformer. Se trata de un pabellón itinerante, del tipo que Zaha o Rogers, entre otros, han hecho para grandes compañías, destinado a viajar por el mundo y servir de soporte publicitario de la firma, alojando todo tipo de eventos, presentaciones y actos públicos.


Son muchos los que cuestionan la pertinencia y relevancia de este tipo de arquitecturas de carácter más o menos efímero. Es indudable que estas pequeñas edificaciones no pueden (ni pretenden) abarcar toda la complejidad de lo arquitectónico. Pero es más cierto aún que, por algún extraño motivo, la historia entera de la arquitectura parece haber ido buscando estas pequeñas construcciones para mostrarse con rotundidad, para transmitirse, para ejemplificarse. Arquitecturas autorre…